TRIANGULO DE ORO

Jairo Pinilla, director de este engendro, vendría a ser el equivalente a Juan Piquer Simón de Colombia (mas que nada por aquello de las películas de aventuras y eso), con el hándicap de que hasta los Colombianos se ríen de su cine. De hecho, a las cagadas, constantes en una película suya, las llaman alegremente “Pinilladas”. Yo al saber de este señor, rápidamente quise ver algo suyo, así que dí con esta TRIANGULO DE ORO, también conocida como LA ISLA FANTASMA, con el fin de descojonarme con las consabidas “Pinilladas”.
Yo soy un tipo de tragaderas enormes, con una paciencia infinita. Bien, las “Pinilladas”, no hacen que merezca la pena el visionado. Pero para aquellos moderniquis que dicen ver “cine Trash”, esto es una buena muestra… a ver si la aguantan. Ni vuestro ídolo Tarantino, podría sobrevivir a tantísimo aburrimiento.
Un niño sordomudo y su madre, son mantenidos por una especie de gorderas con indumentarias estrictamente gays. Un día, comienza a salir sangre de la foto del padre del chaval, que lleva un tiempo desaparecido. Hasta que a la mañana siguiente aparece muerto en la playa, con un colgante que es el “Triangulo de oro”. Se ve que la madre tiene un mapa, y unos malos (un negro, un tirillas y un Chino) la secuestran y se la llevan a una isla. Pronto el niño sordomudo y el gordo, darán cuenta de los secuestradores e intentarán sobrevivir a los peligros de la Isla.
Absolutamente insufrible.
Patidifuso me quedé, con uno de los planos. Un barco aparca (o como se diga) en un muelle. Esolo resuelven en un plano fijo de cinco minutos. Sin motivo además… como si metes ahí, yo que se, un plano del cielo y los pájaros volando…
La peli es lenta, sosa, rollo, y rodada por un autentico manazas incapaz de contar una historia. No nos enteramos de nada, ni sabemos que pasa con el dichoso triangulo, solamente porque no está ni rodado. Es una jodida sucesión de planos, a cual más tonto, con unos escuetos diálogos que tampoco aclaran nada. Y de repente se acaba la película. Pues vale.
¿Tema risas? Yo creía que muchas y abundantes. Pero esto no es el Perú actual, si no la Colombia de los ochenta, y elementos tales como una piedra que cambia de color y te mata dolorosamente cuando la tocas, o un extraño niño lleno de escamas (algodón pegado a su cuerpo pintado de verde), o una histérica loca que no sabemos que pinta en esa Isla y que emite un sonido sobrecogedor, mientras tira al fango a un niño deforme y extraño, no provocan ninguna risa porque en conjunto, todo en esta película es patético. Es mas, da hasta pena.
Aunque en el tema risas, hay que decir, que hay un chino en la peli, doblado por un Colombiano con una voz como de teleñeco, y una pelea ejecutada por este mismo, que si, vaaaaale, te ríes… pero en serio, hay que ser un titán para aguantar esta película. Quien les dijera que el “cine Trash”, era “Cool”, que se vea esta puta película, nos deje en paz, y se vuelva a su puto cine Indie, que va más con su personalidad.

HERSCHELL GORDON LEWIS, THE GODFATHER OF GORE

Que manera más cojonuda de acabar el año. Si el Miércoles por la noche sufrí con una de las pelis más horribles de las visionadas este 2010 (sin contar la infame "Machete"), ayer fue el caso opuesto, casi puedo decirles que "Herschell Gordon Lewis, The godfather of gore" es lo mejor que he visto en este año que esta misma medioanoche nos dice adiós. 106 minutos de duración que disfruté desde el primer hasta el último segundo.
Co-dirigida entre Jimmy Maslon y, nada menos, Frank Henenlotter (reconocido fan del cine trash/exploitation y del Sr.Gordon Lewis), el docu repasa de pe a pa la carrera completa del famoso realizador americano (a quien tuve el honorrrrr de conocer in person en Sitges. Un tipo encantador, júrolo), aunque lo de completa no es del todo cierto, ya que sus más recientes contribuciones al séptimo arte ("Blood Feast 2" o "The Uh! Oh! Show" que seguramente en breve reseñaré) son drásticamente ignoradas. Y es que en realidad el tributo de Maslon/Henenlotter no es únicamente a Lewis, lo es también al exploitation original, a una época y un modo de hacer cine olvidados y que no volverán.
Porque H.G.Lewis, antes de inventar el gore como género cinematográfico, tocó otros palos, destacando los "Nudies" o los "Nudie-Cutie" o los "Roughies" (toma castaña!), que eran, básicamente, el porno de la época. Así pues damos un repaso a toda esta parte de su filmografía hasta el parimiento de las míticas "Blood Feast" y "2000 Maníacos", que son las pelis que se llevan una mayor parte de metraje y una mayor dedicación. Claro que luego seguimos palante y cerramos con , obvio, la retorcida "The Gore Gore Girls".
¿Y qué decir del viaje?, que es increíble y totalmente gozable y regocijante. Se nota a la legua que los directores AMAN el tema que están tocando, y por ello lo cuidan, lo miman, se lo pasan pipa y se internan en él hasta el detalle. El docu está plagado de extractos de pelis de lo más oscuras, de cortos educativos, de tomas falsas y/o erradas, de making ofs paridos en 8mm y, en fin, de toda suerte de fascinantes documentos. Incluso se dan el lujo de recuperar secuencias de una peli perdida de Gordon Lewis!.
Por delante de la cámara asoman un montón de ex-técnicos y ex-actores del universo del padrino del gore (y de su carismático socio David Friedman), así como invitados de la categoría de John Waters o el divertido crítico Joe Bob Briggs. El propio Henenlotter se reserva apariciones, muchas de las cuales son lo más coñero del docu. Y es que el humor está muy presente durante toda la proyección, algo muy agadecido.
Sin embargo, para mi, el punto álgido es cuando visitan el pueblo que sirvió de escenario para "2000 Maníacos" en compañía de los propios Lewis y Friedman, van al motel donde rodaron, ahí se encuentran con uno de sus actores y hasta el niño rubito de la soga aparece, ya cuarentón, contando anécdotas del rodaje. Lo dicho, una labor de amor puro total y completamente fascinante.
Yo disfruté como un enano, quizás también ustedes tengan esa suerte. Un diez.

INVASION OF THE POD PEOPLE

Jooooooder, entramos aquí de lleno en terreno pantanoso, amigos. Sin embargo, la culpa es mía... ¡sabía donde me metía!.
Resulta que, hace un tiempo, los muchachos de The Asylum recibieron una de las numerosas críticas ultra-negativas que suelen recibir. En ella se decía que su ya clásica "Megashark Vs. Giant Octopus" era una de las peores películas de la historia. Pero lo decía una revista de mucho peso, así que, después de todo, los Asy-Boys estaban contentos... tanto que se permitieron una coña: "¿Una de las peores de la historia?... ¿ha visto "Invasion of the pod people"?". Rediez! -pensé- ¡¿cómo será esa peli para que los propios asilianos digan eso?!, ¡¡necesito verla!!. Y ello ocurrió ayer noche... tras localizarla accidentalmente con doblaje sudamericano.
Es evidente que "Invasion of the pod people" se produjo en su momento (cuando los "Mockbusters" aún estaban verdes en Asylum) con el fin de sacar tajada del que se suponía iba a ser el estreno de la temporada, la estimable "Invasión", o lo que es lo mismo, la enésima versión de la historia de los ultra-cuerpos llegados del espacio con protagonismo de Nicole Kidman. Lo único es que al final esta fue un fracaso, así que no podemos decir que los muchachos del asilo tengan mucho ojo para predecir o no futuros taquillazos. Tan claro lo tenían, que nada más arrancar la peli, la palabra "Invasion" se queda unos segundos sola en pantalla antes de que aparezca el resto del título. Por si algún lerdo aún no había pillado la jugada.
La historia gira en torno a una chavala (monina, pero terrible actriz ella) que curra de secre en una agencia de modelos... creo... porque el edificio parece haber sido abandonado en plena construcción. Quien sabe, tal vez sean okupas, no se. El caso es que caen del cielo unos meteoritos y al poco comienzan a rular unas plantas que parecen cactus pelados y que unos se regalan a otros. En esta peli no hace falta que duermas para ver nacer a tu doble, aquí este sale cuando le apetece y ya se encarga él de eliminarte. El parecido es tal, que no solo tienen el mismo rostro, también la misma ropa... la misma postura... coño, y el mismo fondo de imagen!... calla, creo que en realidad son frames reutilizados. Hummm... a ver, de cagadas técnicas las que quieras y más, pero es que "Invasion of the pod people" no deja de ser un producto casi amateur facturado en vídeo digital y se nota cierta torpeza en general. Aparte de estar rodada prácticamente toda en interiores, lo que la hace agobiante... pero en el mal sentido.
En fin, el resto ya lo imagináis, la chavala recibe el aviso de un tío (aunque no sabemos por qué, solo es un capricho del destino) que le explica lo de los invasores, y empieza la paranoia de serie Z. En su curro todas sus amigas se comportan raro (aunque al revés que en "Invasión" -la de verdad- aquí se vuelven empalagosamente sociables) y se emperran en regalar planticas.
Quizás el momento álgido de la función sea una secuencia erótica en la que, sin saber por qué ni cómo, la prota se vuelve lesbiana y se deja follar por su jefa... hala, así, porque sí. ¿Alguien dijo gratuito?. Que se lo pregunten a su guionista, Leigh Scott, chico de oro de Asylum y también director de sus propios errores.
Yo, honestamente, llegó un punto que me costaba centrarme en la peli y ojeaba un fanzine mientras miraba la pantalla a ratos. Y es que, júrolo, "Invasion of the pod people" no solo es aburrida de la muerte... también una de las cosas más infames que he visto en este 2010 que se acaba. Vamos, que sí, que los del Asylum tenían razón.

SAW VII

Lo que pienso de la saga "Saw" como tal ya lo dejé bien claro en la reseña dedicada a su -recomendable- sexta entrega, así que les voy a ahorrar el suplicio (en todo caso, si tienen curiosidad, pueden echarle un vistazo). Solo me repetiré en una cosa, más que nada porque en "Saw VII" esa cosa se da más que nunca: Ya pueden criticar ahí fuera los de siempre con las insaboras acusaciones de toda la vida, pero pocas franquicias llegan a su séptima entrega en tan buena forma y ofreciendo cosas relativamente diferentes... lo justo para que sus fans no se sientan decepcionados y el resto del público encuentre nuevos estímulos, aunque sea a base de complicadas y liosas subtramas, ¡¡pero algo es algo!!.
Tan bien les fue a esta gente con la sexta parte que, seguro estoy de ello, quisieron rodar la nueva un poco a la sombra de aquella. De hecho, la estructura narrativa de "Saw VII" se parece bastante a la número VI. Por un lado tenemos la movida que sigue los devaneos de la franquicia desde la número uno (en las que yo ando más perdío que un ioputa el día del padre) y por otro una historia que empieza y termina en la misma peli y que, una vez más, consta de una extensa prueba mortal en la que el prota -en este caso un tipo que se hace pasar por superviviente de "Jigsaw" para vender libros, salir por la tele y enriquecerse- se verá en la obligación de intentar salvar a sus amigos, socios y pareja de las intrincadas y originales trampas de siempre. Todo ello mientras la policía reúne pistas. El final, como no puede ser de otro modo, es atolondrado, sorpresivo y, en este caso, tratándose de la última entrega, definitorio... vamos, que se cierra el círculo con gracejo.
¿Que si me creo que este será el último "Saw"?. Entre ustedes y yo: NO. ¿Se acuerdan del último "Viernes 13" y el último Freddy?. Ok, "Saw VII" no ha funcionado en las taquillas de USA, pero puede tener perfecta continuidad en el mercado del dvd... y si no, dejen pasar el tiempo suficiente para que aflore la nostalgia (o la muy desesperada necesidad económica).
Una de las cosas que más sorprende de "Saw" es que, al revés que "Viernes 13" o "Pesadilla en Elm Street", aquí cuantos más números se suman al título, más truculenta se vuelve la franquicia. He de confesar que ayer FLIPÉ, así, con mayúsculas, ante las atrocidades y la cantidad de violencia que hay en esta peli. Vamos, si la sexta tuvo problemas en nuestro país de cazurros, no quiero pensar que pasará con la séptima. Tiene algunas de las trampas con resultados más gore de toda la saga (además con delectación, pues los que más lo sufren son una pandilla de nazis), de verdad, verlo para creerlo.
¿Pegas?... hummm, no la he visto en su 3D original, pero la verdad es que no da la sensación de que le saquen mucho partido al gimmick.
En fin, no se, supongo que a estas alturas convencer a los anti-"Saw" es tarea inútil, pero la verdad es que esta nueva aventura de "Jigsaw" y sus muchachos está muy potable, es entretenida y con momentos vibrantes, casi a la altura de la lograda sexta entrega y, repito, lo suficientemente regocijante en el apartado truculento como para contentar a aquellos que disfrutan de un buen montón de chorretones.
Que sí, que aprueba.

NOCHES DE ACCION

Jamás hubiera visto esta película, ni sabría de su existencia, de no ser por una ignota distribuidora de por estos lares, ya extinta, eso si, con una mentalidad de explotación a prueba de balas, y que en su afán por volver un producto atractivo, consiguen el efecto contrario, que no apetezca una mierda verlo, a no ser que seas yo...
Este es el perfecto caso de venderte un producto y comprar otro, literalmente.
Iba yo el otro día caminando por los lugares por los que suelo caminar, cuando veo un puestecillo de DVD´s originales a dos Euros, y me dio por echar un vistacillo. Nada, películas de esas de tercera regional, nada interesantes. Pero había una extraña sección en la que había películas Sudamericanas, y no sé por qué, me llamó la atención esta carátula. Ahí la pueden ver. Era tan cutre, que no pude resistir la tentación y me la compré. Y observé y analicé.
Según la carátula, acababa de comprar la película NOCHES DE ACCIÓN, que prometía de por si, bastante poco. Algo parecido a un culebrón, a un PASION DE GAVILANES o algo por el estilo.
Bien, en realidad lo que había comprado era la película LA PRIMERA NOCHE, melodrama Mexicano sobre los adolescentes, la perdida de la virginidad, rollo un tanto callejero, pero tirando por un rollo mas de autor, aunque sin descuidar el lado popular del asunto porque por lo visto, fue un éxito en su país. Al año siguiente se rodó una secuela. Dirigida por Alejandro Gamboa, un experto en este tipo de pelis, e interpretada por el Mario Casas Mexicano, Osvaldo Benavides. Y la peli está entretenida, bien merece un visionado, pero nunca le hubiera dedicado una reseña en este blog, no por nada, si no porque bueno está bien y tal, pero sugiere poco a la hora de escribir. Pero como me engañaron, bien merece la pena comentarlo.
Observen la carátula. Arriba, reza la frase promocional “¿Diversión o violencia?”. Bien, en la película hay algo de violencia, pero nada, una cosa normal. La frase viene a sugerirnos, que esta gente se divierte de unas maneras un poco escandalosas, vamos, que van a liar la de dios. Y mas si tenemos en cuenta la pistola dorada que aparece en medio de la carátula. Pensé: “Aquí va a haber la hostia de tiros”. Bien, pues en toda la película, no sale ni un solo revolver.
Luego el título NOCHES DE ACCIÓN… vaya, si que van a ser movidas estas noches. Pero si nos fijamos en el título, veremos que en muy pequeñito, pone: “Título original: La primera noche”.
Luego ese horrendo fotomontaje en general… Vemos a los actores, que como no sabemos quien coño son, nos da igual. Hasta que vemos la película y comprobamos que si, que son los mismos actores de la peli, pero mas mayores y en fotogramas de otros trabajos. En ambos extremos, izquierdo y derecho, vemos sendas capturas de momentos de pelea, una en un ring, y otra de corte más callejero. Ninguna de las dos aparece en la película.
Y en el lado derecho superior, vemos una estrellita en la que aseguran que ganó el premio Fripesci a la mejor película del año… Claro ya sabiendo el engaño, me pienso que es mentira, pero buscando info, resulta que es la única verdad de todo lo que ofrece la carátula.
En definitiva, que el caso es que lo señores de “New Dream distribución”, tenían este producto, un producto incluso de cierta calidad, pero prefirieron vender el producto de la carátula con la que ilustro la reseña, que es una mierda, y que parece que es una caspa del quince… doble engaño, porque como les he dicho antes, se trata de una buena película.
Y para colmo de males, en el reverso, consultando la nacionalidad, dicen que es una película Española, cuando es Mexicana.
Que esto ocurra en dvd hoy en día, me parece maravilloso… ¿A ustedes no? Es como volver a los tiempos del video club.
De hecho, yo voy a conservar este dvd en mi colección por dos motivos, porque la película no está mal, y por la jeta que se gastaron estos distribuidores, no hará mas de tres o cuatro años.

EL ÚLTIMO EXORCISMO

Ayer por la noche me vi esta peli... y hoy, a estas alturas, todavía no sé qué pensar de ella. Vamos a ver si escribiendo esta gilipocrecia me aclaro.
"El último exorcismo" juega a la baza del falso documental. Un predicador ha decidido que ya no tiene fe y va a dejar su "trabajo". Se da cuenta de que la ignorancia de la gente obsesivamente creyente (sobre todo la de la América profunda, que aquí queda notablemente retratada como paleta) puede poner incluso en peligro la existencia de otros... especialmente niños que creen estar poseídos y mueren durante los supuestos excorcismos. Así pues, pone en marcha este """"documental""" para retratar a dichos individuos y demostrar, of course, que solo se trata de borreguez. Sin embargo, cuando acude a una casa a excorcisar a una chavala, resulta que esta no responde a todo el número de efectos especiales que se curra el predicador... vamos, que tiene todos los puntos para estar poseída de verdad.
A ver, el arranque de la peli está muy bien. Los actores son todos muy creíbles y naturales, especialmente Patrick Fabian en su rol de predicador engañabobos (magistral cuando cuela una receta de cocina de su madre en pleno discurso y demuestra que su audiencia está tan extasiada por su palabrería que ni se dan cuenta de ello), Ashley Bell como la chavala poseída y Louis Herthum como su sufrido padre. Todo lo que te van contando resulta de lo más divertido y está presentado de un modo muy creíble. A medida que el tema sobrenatural entra en juego, no se, diría que la peli comienza a cojear... tiene sus momentos inquietantes, pero da menos miedo de lo que yo esperaba y, sobre todo, el exorcismo ocupa una parte menor de la trama de lo que el título me hacía suponer. De verdad, yo creía que todo iba a ser como meter una cámara de vídeo (en infrarojos) durante el exorcismo de Reagan en la peli mítica de William Friedkin... y no, "El último excorcismo" no es exactamente eso. Tiran mucho del rollo de si será verdad o solo un problema psiquiátrico de la cría motivado por abusos del padre. Ya saben.
Y al final... pues bueno, digamos que todo da un leve giro que nos mete de lleno en un tipo de temática muy de los 70. Teniendo en cuenta lo fácil que hubiese resultado caer en el ridículo, hay que reconocer que el director -Daniel Stamm- se defiende bien. Sin embargo, a mi me chirrió un poco... fue como decir "Anda ya!".
Resumiendo, que si tuviera que darle nota sería un 5 o un 6 (sobre 10). Está pasable, se deja ver, pero tampoco es para echar cohetes.
Produce el Sr.Eli Roth y, como dato curioso, reseñar que sus guionistas tienen un notorio pasado en el "cine underground" (de tirón -falso o no- documental). Andrew Gurland, co-fundador del "Festival de cine underground" de Nueva York junto a -otro que tal- Todd Phillips (futuro padre de "Resacón en Las Vegas", también con su pasado como documentalista underground, suyo es "Hated" dedicado a GG Allin) y, muy especialmente, Huck Botko. Botko se hizo "famoso" por sus falsos documentales en los que se le veía regalar a sus familiares pasteles y otras delicias en las que, previamente, supuestos vagabundos se habían meado, cagado o echado su propia sangre!!!. Curioso dato.
A todo esto, remarcar que el cartel que veis aquí de "El último exorcismo" es algo engañoso.

EL DÍA DE LOS INOCENTES

Se tiende a confundir esta película con otra de idéntico título adscrita, también, al slasher y dirigida por Fred "Llama un extraño" Walton (víctima a si mismo de un horripilante remake), sin embargo, son bastante distintas, siendo la que nos ocupa la que merece aquellos adjetivos que tanto valora el acólito del género, a saber: gore, exceso, cutrismo y diversión.
Muchas veces me he preguntado cómo era posible que una peli tan jodidamente mala necesitara nada menos que tres directores y, de paso, qué coño pintan varios posters de películas de Juan Piquer Simón en el despacho de un personaje que se supone es productor de cine. Mientras a la primera cuestión nunca le he encontrado respuesta (ni lo haré jamás), el caso de la segunda es bien distinto. Resulta que el productor de "El día de los inocentes", Steve Minasian (junto a su socio Dick Randall), es el mismo que se encargó de perpetrar "Mil gritos tiene la noche", pieza clave del cine de Piquer Simón (y de "No abrir hasta Navidad", por cierto).
Pero todo eso da igual, en "El día de los inocentes" una vez más se suple la falta de ideas y talento con dos valores seguros, sangre (atención a la cerveza explosiva) y unos cuantos senos bailarines. ¿Que de qué va esta peli?, ¡¡¿es una broma?!!, ¿has visto "El tren del terror"?, pues lo mismo. Un pajillero anormal e inadaptado francamente odioso ("A este le haría putadas hasta yo" llegas a pensar) es blanco de una broma que termina en accidente de la que son culpables la panda "guay" del insti, todos ellos con pinta de haber hecho la mili hace tiempo y superado la menopausia (en especial Caroline Munro, "scream queen" en horas bajas). Obviamente el chaval se pondrá una careta y se tomará la revancha a lo bruto y sin escatimar en mala leche, siempre al son de la partitura compuesta por Harry Manfredini, sí, el mismo de la música de los primeros "Viernes 13".
Lo dicho, diversión asegurada... aunque no precisamente gracias a los estúpidos e innecesarios momentos de comicidad voluntaria (o voluntariosa). El cartel mola mazo.

TOMIE

De Junji Ito ya hable hace tiempo en este blog, comentando su obra Gyo. Con Tomie no llegamos a los niveles de insalubridad y demencia de Gyo, pero si estamos en una tensión constante, prueba de que el autor sabe como meternos el miedo en el cuerpo sin necesidad de enseñarnos engendros amorfos y horripilantes. Tomie es un manga corto, en 30 paginas esta todo contado, y aunque aparece como Vol. 1, al igual que ocurría en Gyo, no seria necesaria una continuación.

En el típico instituto japones, una mañana la policía encuentra el cadáver de Tomie Kawakami despedazado en unos múltiples trozos. Cuando todo el alumnado esta haciéndose a la idea de haber perdido a una compañera, que también era una de las chicas mas guapas del centro, esta hace acto de presencia en clase como si nada hubiera ocurrido. La policía esta desorientada, todas las pruebas apuntan a que el cadáver es el de Tomie, pero ella esta ahi viva delante de todos. Sus compañeros comienzan a asustarse, y la nueva Tomie tampoco aclara lo ocurrido. El nivel de psicosis entre los alumnos empieza a aumentar peligrosamente, y nosotros como lectores nos iremos contagiando de esa ansiedad por saber la verdad. El dibujo de Tomie es muy simple, en exceso, casi sin fondos y con pocos detalles, pero la historia no necesita de esto. En los momentos truculentos, que los hay, Ito sigue siendo salvaje, pero muchisimo menos que en Gyo. Puede que al ser una historia simple requiera un dibujo simple, no se, pero lo que si tengo claro que este autor sabe conducir al lector por donde quiere, así que ya me he hecho con su obra mas popular, Uzumaki, y en cuanto la termine la reseño por aquí.

MAXIMUM SHAME

Sinceramente: Joder, a Carlos Atanes, como se le va la pinza. ¿El público está preparado para esto? Quizás los que tengan mayores tragaderas. Al resto, no creo que aguanten mas de 10 minutos. MAXIMUM SHAME, es una película dura de ver. Tosca, lenta, aburrida… Pero ojo, no quiero decir que sea mala, en absoluto. Es una Atanada. ¿Qué quiero decir con esto? Que es una peli 100% de Carlos Atanes, y a este individuo, o se le ama o se le odia. Yo ando ahí, ahí. Tirando más bien por el lado del amor. Aunque también tiene cosas en su cine que me repatean, lo que hace que odie su cine... Por un efecto que me da por saco como por ejemplo, el envejecimiento de la imagen a propósito (ni que fuera Robert Rodríguez), luego me hace un uso de las cajas de cartón y el papel de aluminio, que ya me gana por completo.
¿De que va la peli? Ni puta idea. Algo sobre un agujero negro que va a acabar con la humanidad, mezclado con elementos conceptuales como pueda ser el ajedrez y las matemáticas. Y como creo que la película está abierta a la interpretación de cada uno, creo que también quiere decir algo acerca de la maternidad mal llevada… vamos, que la peli, puede ser lo que tú quieras, porque no cuenta nada y al mismo tiempo cuenta muchas cosas.
Rodada casi toda en una nave industrial abandonada, de lo que Atanes hace gala es de un sentido de la estética potente y llamativo, a base de cuero, elementos sado-maso, comida… y con todo eso crea un universo propio, que si no has visto cosas anteriores suyas, para bien o para mal, te sorprenderá. Sin embargo, si eres conocedor de su obra, ya sabes por donde van los tiros.
Olvídense de PROXIMA, esto es otra cosa muy distinta. Mas personal. Y si, me ha gustado al fin de al cabo.
Circulando con éxito por festivales de medio mundo, y rodada en Inglés, Atanes cuenta con los servicios actorales de Ana Mayo, Paco Moreno, Marina Gatell y Ariadna Ferrer entre otros y el papelito de la Scream Queen Eleanor James, vista en algunos trabajos del amado/odiado (vaya, como Atanes) Johames Roberts, y que participó en la película de una manera que ahora se estila mucho en el underground español; Grabándose ella misma, y mandándole el material al director. Así de fácil (y efectivo).
Lo dicho. Atanes está como una maravillosa cabra.
¡Ah! Y la peli, también es un musical. Inmenso Ignasi Vidal.

EL JOVENCITO FRANKENSTEIN

No cabe duda, que esta es, no ya la mejor comedia de Mel Brooks, si no una de las mejores comedias de todos los tiempos, y uno de los extraños casos de parodias que superan con creces el material que homenajean. Por lo que a mi respecta, el FRANKENSTEIN de la Universal, es cojonudo, pero EL JOVENCITO FRANKENSTEIN, es infinitamente mejor, no solo por contener algunos de los mejores gags de la historia del cine, si no porque recrea la atmosfera de la original a la perfección. A lo que voy es que si EL JOVENCITO FRANKENSTEIN, fuera una película de terror, es mas convincente el monstruo interpretado por Peter Boyle, que el de Boris Karloff y la ambientación es mas terrorífica que la de la original. Y ahora que los puristas digan lo que quieran, que me la trae floja.
¿Y cómo soporta la peli el paso de los años? Maravillosamente. Lo cierto es que no decae ni un poquito. Se sostiene por si misma desde el primer fotograma, desde la primera escena con Gene Wilder explicando sus teorías sobre la muerte cerebral, e insultando a la cobaya humana que le sirve para demostrar sus ideas (“cochino, cerdo, ¡HIJO DE ZORRA¡” ¿Se acuerdan? ) y mantiene ese ritmo hasta el final.
De antología son los gags del encuentro del monstruo con la niña que tira flores al pozo, se le acaban y le pregunta “¿Y ahora que tiramos?”. Boyle, para conseguir una estruendosa carcajada, tan solo tiene que mirar a cámara de manera cómplice. Ya sabemos lo que viene después, pero por si a alguno se le había olvidado, podemos ver a la niña volar por encima de la cabeza de sus padres y verla aterrizar sobre la cama, a la par que vemos planos de sus padre preocupados porque no saben donde están, y justo cuando la niña aterriza en la cama, ellos abren la puerta, y allí se la encuentran durmiendo placidamente. Una escena que solo podía haber sido coreografiada por un maestro.
¿Y que decir del cameo de Gene Hackman? Ese ciego que pide a dios un poco de compañía y de pronto irrumpe el monstruo en su casa. En su intención de colmar a su visita de atenciones, por poco lo devuelve a la tumba, abrasado, empapado y quemado.
Y el mejor gag de la peli, justo cuando el monstruo a cobrado vida, que Gene Wilder se está vanagloriando de su creación, a Igor, interpretado por el gran Marty Feldman, observando en un segundo plano este nacimiento, no se le ocurre otra cosa que sacarse de su bolsilla un cigarrito y se lo enciende, motivo este por el que descubrimos que el monstruo tiene miedo al fuego. Y me podía tirar así un rato largo.
He tenido mis dudas, a la hora de decidir si reseñaba o no esta peli, porque por un lado, salvo que es genial en todos sus aspectos, no se que más puedo decir de ella, y por otro, yo creo que de esta peli está todo dicho. Pero si, me quería dar el gustazo de decir lo buena que es y de que forme parte de AQUÍ VALE TODO, porque se lo merece. Qué también tenemos cabida para las pelis buenas, oigan.

THE DARK LURKING

Si algo tiene esta reciente producción Australiana es que va a saco desde el minuto uno. Su realizador sabe que lo que va a contar está requetetrillado, y que arrancar la historia por el principio es una pérdida de tiempo, así pues ¿pa qué?.
La cosa es la siguiente: Estamos en el espacio. Unos mercenarios reciben una llamada de socorro y deciden ir al planeta de donde procede. Este, obvio, está infestado de mutantes y marcianos cabrones y unos cuantos supervivientes a la espera de ser salvados. Bla y bla. Al final resulta que los mutantes y los marcianos son en realidad "otra cosa", una idea de lo más retorcida y algo absurda pero que no desvelaré (joder, para algo remotamente original que "The dark lurking" ofrece, ¡no lo voy a estropear!).
Pues sí, "Aliens, el regreso", "Alien, el 8º pasajero" también por supuesto (hay una secuencia directamente fotocopiada, sin mencionar el parecido del supuesto alienígena), pero al mismo tiempo encontraremos espolios a films como "Resident Evil", "Horizonte Final" o incluso "Posesión Infernal". Vaya mezcla.
Y claro, de entrada uno agradece todo ello, esa mayonesa de títulos, los disparos, la acción y el gore, que es muy generoso. Sin embargo, la acumulación por acumulación no es garantía de éxito, y al final el hecho de que no haya una historia propiamente dicha se resiente. Que sí, que la peli no pasa tan follada como pretenden sus perpetradores. Además, los actores son terribles, y la estética, el modo de mover la cámara y etc, incluidos esos continuos fogonazos de luz, agobian bastante (más que nada porque se abusa mucho de ellos). Resumiendo, que no sé... por un lado me parece un divertimento pasable, y por otro una mierda cuantiosa... dejémoslo en un medio/medio.
En todo caso, para nada se trata de un título que merezca un lugar privilegiado en nuestra colección de bobinas.

Y AL TERCER AÑO RESUCITÓ

Basada en la novela de Vizcaíno Casas, que también co-escribió el guión, y dirigida por Rafael Gil, estamos ante la quintaesencia del cine facha, con permiso de HIJOS DE PAPÁ, también del tándem Vizcaíno Casas – Gil.
Nada mas comenzar la película, vemos un texto que explica, que simplemente están haciendo una improbable hipótesis, sobre algo que nunca ocurrirá, desde la perspectiva del humor. Hasta ahí bien, pero luego añaden un “el que se pica ajos come”, que viene a ser un “Jodanse, rojos de mierda”.
La película, especula con lo que ocurriría en España, si el Caudillo resucitara tres años después de su muerte, en plena transición democrática. La película está resuelta a base de skechts de los distintos sectores no Franquistas de la sociedad española, mofándose de ellos, e incluso llamándoles chaqueteros. Por lo que respecta a los autores, haciendo alarde de un sentido del humor rancio y político, tres años después de la muerte del Generalísimo, España es un país lleno de putas, maricones, hipócritas, vagos, Hippies y comunistas. Aunque al final, dejan caer, que los tiempos han cambiado y que aferrarse al pasado es un error.
Bien, no vamos a hablar aquí de política, porque no creo en ella, ni mucho menos comulgo con el mensaje de la película, pero tampoco comulgo con el mensaje contrario. Ningún ente político me representa, pero la película, sinceramente, está entretenida. Es fluida y se ve con agrado, aunque te repugne su mensaje. Además cuenta con la presencia de Tip y Coll, lo cual es siempre de agradecer. Pero si esta película me agrada, es mas que nada porque es una película que solo podía haber sido facturada en nuestro país, y aunque facha hasta más no poder, es una película libre y, mas democrática que cualquier película española actual, por muy rojos que sean sus artífices. Haz tu ahora una película poniendo en jaque todo el sistema político de PSOE, y no la estrenas ni de coña. Eso si es fascismo. En esta época, al menos podías contar lo que quisieras.
Decir también, que en un acto de denuncia, en la película se cuenta que querían rodar la fachada de la Moncloa, pero al saber allí la ideología de la película, no les dejaron, por lo que resolvieron el plano contando lo sucedido, y mostrando una postal de la Moncloa. También se habla de la existencia de la libertad de expresión impuesta por la izquierda, y luego hacen referencia a un chiste de Tip y Coll censurado por aquellos días en la tele, por el mismo gobierno que abrazaba la libertad de expresión.
En fin, que la libertad de uno, acaba donde empieza la del otro y así…
Rafael Gil se especializó en este tipo de comedias ideológicas, de gran éxito en la época, por parte de los dos bandos y rodó también cosas como DE CAMISA VIEJA A CHAQUETA NUEVA, LAS AUTONOSUYAS o A LA LEGIÓN LE GUSTAN LAS MUJERES… Y A LAS MUJERES LES GUSTA LA LEGIÓN.

WE NEVER LEARN, THE GUNK PUNK UNDERGUT, 1988-2001

Hasta la aparición de gente como "Devil Dogs", "New Bomb Turks", "The Gories", "Gaunt", "The Mighty Caesars", "Thee Headcoats", "The Oblivians", "Supercharger" o "Dwarves", el garaje era una música esencialmente nostálgica y tirando mas bien a aburrida. Estas nuevas bandas, y los sellos que las respaldaron como el mítico "Crypt Records", "Estrus" o "Sympathy for the record industry", le dieron un enfoque novedoso. Se acabó mirar atrás en el tiempo con lástima, su esencia consistía en mezclar la pureza del rock and roll con la energía del punk y construir un sonido, y una actitud, nuevos. Bien lejos del hardcore o del insufrible punk panfletario más preocupado por tener erguidas sus crestas que por otra cosa. En ese sentido, yo me identifiqué totalmente con este rollo cuando lo descubrí a inicios de los 90, y me adentré de lleno, acudiendo a algún que otro concierto y siguiendo, especialmente, a uno de sus grupos estandartes, los mentados "New Bomb Turks" (además, a día de hoy puedo decir que "Crypt", en sus modos y maneras, fue una influencia para mi). Luego vino el boom del punk-pop, en el que el sello "Epitaph" intentó sacar tajada del asunto -sin éxito- y la aparición de toda una ralea de grupos que, siguiendo la estela de los antes mentados, apelaban a un mercado más mainstream y eran aceptados por un público amplio, hablo de "Strokes", "White Stripes", "Hellacopters" o "The Hives". El siguiente paso, como ocurre con toda moda y/o escena, fue el fin de fiesta.
Pues bien, de todo este putiferio habla a fondo "We never learn...", libro-ensayo escrito nada menos que por Eric Davidson, frontman precisamente de los "New Bomb Turks". Compuesto a base de entrevistas, anécdotas y unas gotas de experiencias propias, la obra da un repaso completo a todo el movidón de un modo desenfadado y dinámico. Personalmente me sobran bastante las batallitas de las que presumen muchas de estas bandas, orgullosos de sus gilipolleces. Gozan tanto contándolas que canta a la legua su condición de pose premeditada, su papel -en muchos casos- de universitarios jugando a ser los chungos de la clase. Es como si yo me preocupara de qué color es la mierda que caga Sam Raimi en lugar de limitarme a ver su trabajo. Pero en fin, nada nuevo bajo el sol, este rollo ha sido siempre uno de los puntos flacos de una escena que, en general, puede llegar a ser fascinante, especialmente gracias a su predilección por los sonidos sucios y básicos, grabados con medios renqueantes (el maravilloso Lo-Fi). La parte triste del libro consiste en descubrir como muchos de ellos, o casi todos, con el tiempo han acabando siendo respetables padres y madres que miran con una distante sonrisa sus "años de locura". Pero bueno, eso es algo -por desgracia- bastante normal.
Puñetas a un lado, si tu fuiste parte de todo aquello, y te gusta esta clase de música, es evidente que "We Never Learn, the Gunk Punk Undergut 1988-2001" debería ser tu libro de cabecera pero ya.
Recomendado.

BALADA TRISTE DE TROMPETA

He visto esta película, con un montón de críticas negativas que la precedían. Decir negativas, es decir poco. Alguien que conozco, salió de verla y exclamó “!Que hijo de puta!” Y otro alguien, me aseguró que se trataba de la peor película que había visto en su vida. Yo no tenía excesivas ganas de verla, ni prisa por hacerlo, pero cuando un grupo de personas en unánime en algo (en este caso, que la peli es una mierda de pelotas) yo eso tengo que verlo y cuanto antes, mejor.
Un payaso de tradición familiar, llega a un circo a trabajar como “Payaso Triste”. Allí, su compañero, “Payaso Tonto”, resulta ser un cabrón, borracho y alcohólico, de la leche. Hay una trapecista, de la cual, “Payaso triste” se enamora, pero que es la novia de “Payaso tonto”. Este, a la minima la maltrata, cosa que no le gusta nada a “Payaso triste” y por eso trata de proteger a la trapecista. Surge un inocente affair entre estos dos, y “Payaso tonto” se entera, por lo que el resto de la película, la pasaremos viendo una especie de episodio de “Rasca y Pica”, pasado por el artificioso tamiz de Alex De la Iglesia.
Vamos a ver; no puedo decir que la película me haya gustado, pero tampoco puedo decir que me haya horrorizado; es una película 100% de De La Iglesia, y desde luego, no esperaba mas de ella. Es una mas, muy de De la Iglesia, con momentos buenos, pero que en general, el tono cañí y el aburrimiento, acaba por convertir una idea potable, en una peli del montón. Es como 800 BALAS, a rasgos generales. Ni tan mala como CRIMEN FERPECTO, ni tan buena como MUERTOS DE RISA, aunque se repite en el concepto de “dos cómicos persiguiéndose”, ya sea el amor o la envidia el motivo.
A todo esto, hay que añadir, que la película está inundada de referencias a hechos históricos de nuestra reciente historia… Me sobran, no me interesan, me sacan de la ya de por si endeble trama.
Pero por otro lado, es una historia de venganza, mas borrica que un arado, y con una violencia muy bien filmada, cosa esta que me ha gustado. El tema está en que la peli empieza genial, con esa escena de acción bélica situada en la guerra Civil, con sangre a borbotones y un payaso acabando con los soldados fachas a machetazos… pero cuando traslada la acción a los años 70, la cosa pega un bajón considerable. Y cuando parece que puede arrancar la cosa a lo grande, se vuelve mas y más aburrida, y eso, con cantidad de escenas de acción…
En definitiva, que no se si me ha gustado o no, pero para nada es tan indignante como dicen. Es una mas de De La Iglesia. Y a mí me pasa, pues lo mismo que con las demás… que no se si me gustán mucho o las odio.
En cualquier caso, el trío protagonista está de pena; Con Carlos Areces, parece que estamos viendo un nuevo episodio de “Muchachada Nui”, Antonio De La Torre, es malísimo, hace de andaluz, y hay veces que se le va el acento y Carolina Bang, ni es guapa, ni sabe actuar. De la Iglesia, intenta hacernos creer que su novia es guapísima y excelente actriz. No somos tontos.

STAR DRIVE-IN, CAMPO DE EXTERMINIO

La idea de la que parte esta peli está muy guapa... lástima que, a gusto personal, no sepa explotarla debidamente.
El futuro. Las cosas están tan jodidas, que el gobierno ha convertido los auto-cines en algo así como campos de concentración. Tu entras con tu coche y la parienta para ver una peli. Estás ahí en pleno magreo y zas! alguien te roba las ruedas. Sales y descubres que los manguis son, nada menos, la misma policía. Te quejas al dueño y este te explica que vivirás allí hasta que el gobierno sepa qué hacer con tu caso. Claro que esa misma movida la han sufrido montones de chavales en paro o pertenecientes a bandas callejeras, así que imagínate lo jodido que es pasar el día a día en tal emplazamiento. El prota de nuestra historia está decidido a escapar de allí (¡porque resulta que el auto-cine está rodeado por una valla electrificada!) y lo hará, cueste lo que cueste.
El reputado cineasta exploiter Australiano Brian Trenchard-Smith, a quien debemos joyas como "El imperio de la muerte" (una de las pelis proyectadas en el auto-cine, la otra es "El dragón vuela alto", karate movie también -medio- suya) "La noche de los demonios 2", "Leprechaun 3" o "Los bicivoladores" dirige esta cosica que hace gala de un acabado muy lustroso a nivel técnico y estético, pero a la que le falta acción y le sobra palique. Realmente la cosa no se anima hasta la parte final, y cuando te das cuenta ya se ha acabado, por lo que te quedas un poco así como "¿Uh?".
Destacar, por entrañable y un poco risible, el look macro-punk/nuevaolero que domina todo el film, muy exagerado y muy de aquellos tiempos (1986), con una banda sonora repleta de great(bueno, no tan great) hits del momento con el fin de contentar a la audiencia "target", la juventud especialmente interesada en bugas fardones y peinados estridentes. Sin embargo, esta no respondió como se esperaba, por lo que la peli fue un fracaso y nunca se hizo la secuela que su realizador tenía en mente.
Lo dicho, curiosa, pasable, pero en ningún momento imprescindible.

TERROR BAJO LAS AGUAS

La puesta de largo editorial, tanto de Carlos Burgaleta como de José Viruete, es esta guía a la vieja usanza (se nota la influencia de la extinta editorial Mindons), en la que no se dejan prácticamente ninguna película adscrita al sub-genero de “terrores acuáticos” sin reseñar. O al menos, yo no he sido capaz de no encontrar alguna en el libro. Desde 20.000 LEGUAS DE VIAJE SUBMARINO hasta PIRAÑA 3-D, e incluso los ya míticos productos de la “Nu Image” o de “The Asylum”.
El libro consta de dos partes que los autores han denominado “Filmografía básica” y “Filmografía abismal”. En la primera (e intuyo que elaborada por Burgaleta) nos encontramos las pelis mas mainstream o mas conocidas de más antigua a mas moderna, acompañadas de una ficha técnica, frases y escenas destacables y lo mejor de cada reseña; las curiosidades y anécdotas. En la segunda parte (Y por ende, la que le pertenece a Viruete, y si no es así que alguien me corrija), se centra más en una filmografía mas exótica, si no lo es de por sí toda entera. Aquí se comentan los títulos más ignotos y/o videocluberos, prescindiendo esta vez de las frases y escenas míticas y las curiosidades. Prescindiendo de la sección en cada reseña es a lo que me refiero, lo cual no quiere decir, que no se cuenten anécdotas o se comenten escena mítica en cada reseña.
El libro, a poco que te guste leer sobre cine, te enganchará, la lectura es amena y cercana, y si además eres un fan de este sub-género (que yo no lo soy) entonces ya, lo disfrutarás plenamente.
¿Pegas? Claro, a todo hay que ponérselas: Pocas fotos, pocos carteles y algún texto un tanto tedioso (una cosa mínima). Por lo demás, que lástima que no se edite en este país mas libros con estas características.
Prologo a cargo de Domingo López y portada del mitiquísimo Azpiri.
Recomendable.

SURVIVING EVIL

El equipo de producción de uno de esos documentales televisivos sobre aventureros que te explican cómo sobrevivir en la selva a base de comer insectos y cagar en las copas de los árboles, llega hasta una remota isla dispuestos a hacer su curro. Desafortunadamente para ellos, esta está plagada de Aswangs, una criatura mitológica del folklore filipino especialmente interesada en agenciarse preñadas y bebés. Ni que decir que una de las churris está encinta.
Ayer noche me puse a ver esto, convencido de que sería otra mierdecilla estilo Syfy Channel/Nu Image, y cual fue mi primera sorpresa al descubrir que se trataba de una co-producción entre Inglaterra y Sudáfrica (yeah!), y mi segunda sorpresa al encontrarme ante un producto bastante potable.
Que "Surviving Evil" está inspirada en "The Descent" es evidente, ya no sólo por su país de origen o la estructura de lo que cuenta, también por el aspecto de sus feroces monstruos (Nada CGI, tios maquillados/disfrazados. Quizás estos lo estén con más mala pata, sobre todo por sus feos ojos saltones, pero tampoco son precisamente un suspenso), que son los que más reciben, y el hecho de compartir actriz, Natalie Jackson Mendoza (la chica de rasgos asiáticos en el film de Neil Marshall). Pero toda posible comparación acaba ahí, "Surviving Evil" carece de la atmósfera, el suspense, el miedo y el gore de "The Descent". Aquí apuestan por algo más común en todo film de presupuesto ajustado, el exceso de bla, bla y bla. Suerte que al tener unos actores solventes y estar todo ello parido con bastante buena mano (mola por ejemplo el nido de los Aswangs, con la entrada repleta de pieles de cuerpos humanos), la cosa no se hace excesivamente aburrida y cuando llega la acción, pues uno lo agradece. El final, eso sí, es algo confuso.
Protagoniza la fiesta el Sr.Billy Zane.
En fin, un producto de esos de "usar y tirar".

SON OF SAM

Normalmente, siempre que me dispongo a hacer un visionado, y tengo frente a mis narices una película sobre un “psycho-killer” real, tiendo a una total predisposición y alegría, porque estas me suelen gustar siempre. Y “El hijo de Sam”, no podía ser menos. Eso si, me la pongo sin tener ni puta idea del asunto y, tras ver una introducción muy amateur, con imágenes y audios superpuestos, me quedo un poco perplejo y me pregunto a mí mismo ¿esto que cojones es…? Comienzan los títulos de crédito y lo comprendo todo a la perfección al ver quien dirige. Se trata de Ulli Lommel. Así que me cambio el chip, y veo la peli con la idea de enfrentarme a algo arty y contemplativo. Y veo eso, la historia de “El Hijo de Sam”, que en 1977 hizo temblar a medio Nueva York con sus asesinatos y cuando fue detenido, aseguró que el solo obedecía al perro de su vecino, pero todo ello pasado por el personal tamiz del extraño director, que yo no se si es un artista, o un jeta de cuidado.
Ahora, ¿Me ha gustado la peli? Pues si. A mi estos experimentos que mezclan el rollo mas artístico con temas mas propios del género, me la ponen gorda, y mas si como en este caso, estamos ante una producción tan pobretona, donde el sonido recogido por la propia cámara incluye el viento, de esa manera tan cutre. Se trata de Lommel (actuando también, como no) su vídeo-cámara y unos actores. Eso es todo lo que necesita.
La peli es una sucesión de planos de “El hijo de Sam” caminando por Nueva York, mezclado con ritos Satánicos, que tiran de imágenes superpuestas hasta la extenuación y las únicas líneas de diálogo, en la cárcel, con “El hijo de Sam” y su asistenta social dándole a la charleta, son las únicas parecidas al cine estándar.
No está mal. Pero no se esperen un "Dahmer".
Aprovecho para recomendar la película "Summer of Sam", lo mejor que ha hecho Spike Lee en su puta y negra vida, que cuenta las historias de gentes que andaban por allí cuando el asesino estaba suelto, pero que tampoco profundiza en la vida y acciones del asesino. A la espera de que se ruede algo digno, cualquiera de estas dos pueden cubrir nuestra curiosidad.

LA FURIA DEL COLOSO

Secuela directa de aquel afamado "El desafío de Hércules" en la que Lou Ferrigno, Luigi Cozzi/Lewis Coates y la "Cannon" vuelven a colaborar en otra risible muestra de "neo-peplum" deudor del cine-espectáculo Spielbergiano/Lucasiano que entonces imperaba... pero a lo pobre y ridículo. No cabe duda que la imaginación de Cozzi supera los medios a su alcance. Es muy loable ese despliegue de fantasía, lástima que no sepa materializarla adecuadamente.
Algun julai le ha robado a Zeus sus siete rayos. Sin ellos, lo único que nos espera a todos y más es el apocalípsis. Por ese motivo recurre al bueno de Hércules, quien tendrá la misión de recuperarlos y, en el camino, enfrentarse a unos cuantos monstruos.
Resulta paradójico que, contando con menos presupuesto que en su antecesora, esta segunda aventura del mazas sea un pelín mejor y un pelín, solo un pelín, menos patética. Ya saben, cuando no hay dinero, uno debe apretarse el cinturón y contenerse, tirando más por el camino práctico. Eso, en un film de estas características, es algo positivo. Así pues, Cozzi recurre a tios con disfraces para hacer de bichos antes que a terribles maquetones mal animados. El único en este plan que hay es una Medusa de plastilina absolutamente cutre (a quien Hércules destruye siguiendo los pasos de Perseo en "Furia de titanes"). El resto, muchos muchos pero muuuuuuuuuuuchos efectos lumínicos, destacando dos, la criatura infernal del inicio (por cuyo diseño parece robada de "Planeta Prohibido") y la gran lucha galáctica al final. Me consta que el realizador italiano quería que esta fuese muy espectacular, pero la "Cannon" le sacó de las manos los dólares necesarios y tuvo que espabilarse con, básicamente, dibujos animados de tirón minimalista, compuestos únicamente de líneas de color. Realmente miserable. A estos trucajes, hay que añadir mogollón de efectos de sonido tercermundistas y, en fin, la rutina habitual en toda Herculada que se jacte de serlo y que consiste en conseguir los objetos más extraños, cruzando los parajes más peligrosos de nombres rimbombantes, que lo conducirán a la búsqueda de otros objetos extraños en otros parajes de nombre rimbombante... y así hasta llegar a los 90 minutos de duración.
Ni que decir que tal trayecto está plagado, no de monstruos ni peligros, sino de risas y un moderado aburrimiento.

EL COLOR DEL DINERO

Martin Scorsese dirige a Paul Newman y Tom Cruise en una película de billar que no habla para nada de billar. Recuerdo de chaval cuando vi la película con mi amigo Ohian, nos flipamos tanto que estuvimos todo el verano acudiendo a un bar donde tenían mesa de billar. La mayoría de las veces solo veíamos jugar, otras cogíamos los tacos y nos dejábamos nuestros escasos dineros metiendo bolas al tuntún, usando nuestras propias reglas y no se si estropeando el tapete mas de una vez. Solo recuerdo que el ultimo día nos llamaron la atención y ya no volvimos, casi seguro que rompimos algo. Tropecientos años después, sigo siendo igual de mal jugador de billar que antes, pero al menos ahora conozco las reglas, y me sentí un poco decepcionado al ver que en El color del dinero es mas una película de jugadores y tramposos, que de billar propiamente dicho.

Paul Newman (que gano el oscar por este papel) interpreta a Eddie Felson, un antiguo campeón de billar que ahora se encarga de distribución de licores. En su local conoce a una joven promesa llamado Vincent Lauria (Tom Cruise) al que propone ir de ciudad en ciudad ganandose unos cuantos miles de dolares haciendo apuestas y pegando timos. Vincent le sigue el juego, pero no le gusta perder, a Felson la edad le esta jugando malas pasadas y empieza a perder la vista y partidas de billar. La sociedad Felson-Lauria se acaba rompiendo, para encontrarse un par de meses después en una importante campeonato en Atlantic city. Allí mentor y alumno se tendrán que ver las caras de nuevo.

La película habla de la edad, de hacerse mayor y saber el lugar que ocupa cada uno, pero también de timos y estafas, el deporte de fondo verde y bolas de colores es una excusa, bien podrian jugar a poker, petanca o bolos, al final la historia de Felson es lo que importa. Veanla si no lo hicieron hace años, Newman se sale y Cruise no lo hace nada mal aunque este sobreactuado.

TRIGGER MAN

El cine de Ti West es un 50% puro género y un 50% arty, o "de autor", o llamadle como queráis. Todos sus trabajos se destacan por unos tempos criminalmente reposados, casi casi contemplativos (y en "Trigger Man" eso se da más que nunca), a West le gusta recrearse en sus imágenes, en sus atmósferas. Si al cocktail añadimos una serie de aspectos que, contrariamente, son pura resolución de género, encontramos el balance casi perfecto. Justamente, la única peli de Ti West que no me gusta es "Cabin Fever 2", porque con ella intentó acercarse a un tipo de cine que no es capaz de asumir y no pega nada con su característico estilo.

Si tras aquella me entraron dudas, "Trigger Man" las ha disipado por completo. En "Trigger Man" los aspectos antes mentados propios de su obra alcanzan límites "insoportables"... no para mi, sino para el aficionado medio que, me consta, echa pestes de esta peli.
La historia, basada en hechos reales, es tan sencilla y directa que el realizador aplica la técnica más lógica y adecuada, rueda con una cámara (de vídeo) nerviosa, que no para de moverse, de hacer toscos zooms, salvo para algunas secuencias en las que, contrariamente, reposa sobre trípode... y durante un buen rato. Decían por ahí que era como una peli "estilo Dogma". No es una mala comparación, como tampoco lo es decir que "Trigger Man" es "Deliverance" dirigida por Jim Jarmusch.
Unos tipos se van de caza el fin de semana a la montaña. Caminan y caminan, y se aburren, y nosotros caminamos y nos "aburrimos" con ellos. Llegan hasta una gran fábrica abandonada y, de pronto, alguien comienza a dispararles. El único superviviente tendrá que hacer frente al asesino, que se oculta en tan fantástico escenario, por el que se paseará a lo largo de interminables pasillos llenos de oscuridad escopeta en mano hasta dar con él. El final es contundente, directo y tan lógico como la peli lo requiere.
A lo expuesto, caben añadir los pocos diálogos (sobre todo al final, que directamente son nulos) y la música, muy Carpenteriana pero muy sutil. West prefiere recrearse en los sonidos de la naturaleza.
No es una peli fácil, es una peli valiente y diferente y ver algo así de vez en cuando se agradece mucho.

DESTROYER (BRAZO DE ACERO)

¿Saben qué me ha hecho siempre mucha gracia del exploitation italiano?, que por mucho que se empeñen, por mucho que vayan a rodar a Estados Unidos o contraten acabados actores americanos, sus pelis continúan siendo indiscutiblemente italianas. Su look, su fotografía, sus zooms, sus diálogos, incluso sus actores sobreactuantes les delatan. Jamás de los jamases he visto una italianada que lograra hacerse pasar por yankee. "Destroyer (brazo de acero)" ("Vendetta del futuro" en su país de origen, "Fists of steel" en países de habla inglesa y -mi favorito- "Atomic Cyborg" en Francia) tampoco.
Supongo que no meto la gamba si digo que este oportuno refrito de "Terminator" es una de las últimas muestras de exploiation italiano "old school", con su inconfundible lista de virtudes y cagadas estético-formales. Encima, a las riendas tenemos a uno de los clásicos, Sergio Martino, que según cuando y donde firmaba con su alias Martin Dolman.
Y sí, la cosa va de un cyborg enviado a destruir a un científico que puede salvar a la tierra de su inevitable final. Pero tiene su lado humano y no cumple la orden, por lo que a partir de ese momento será perseguido por sus "creadores" con intención de destruirlo. Por medio, muchas explosiones, muchos tiros y unas -muy- leves dosis de truculencia a la italiana.
La verdad es que la deuda que "Destroyer" tiene con el clásico de James Cameron es mínima, aunque no se pueden estar de -literalmente- reproducir uno de los momentos más impactantes de "Terminator", cuando el cyborg se repara su propio brazo en una muestra de cirugía a lo burro.
Delante de la cámara tenemos a uno de esos cachas cuadrados que destacaba en los estantes de los video-clubs, Daniel Greene, solo que este se lo montó mejor, colaborando posteriormente en algunos títulos de los hermanos Farrelly (a los que le uniría una notable amistad, presupongo). A su lado, todo un clásico, John Saxon y unos cuantos rostros típicos del cine exploit de la bella italia: George Eastman, Janet Agren y/o Claudio Cassinelli. Tras la cámara, acompañando a Martino, Dardano Sacchetti entre los innumerables guionistas, Claudio Simonetti a los teclados y el inevitable Sergio Stivaletti en los efectos de maquillaje.
Apuntar que la espectacular carátula sería luego plagiada por otro producto italiano de parecidas intenciones pero peor calaña, "Cy-Warrior", el decepcionante debut en la dirección del habitualmente maestro de efectos especiales de maquillaje Giannetto De Rossi (aquí ejemplos). Otra muestra más de cómo la mentalidad copiadora de esta gente rozaba lo absurdo, pues no se limitaban a imitar productos de otras tierras, gustaban también de robarse a si mismos.
¿Y la peli?, pues como todas las italianadas, visionable pero no precisamente la cosa más entretenida del mundo.

TRAMPA INFERNAL

Dos jóvenes a los que les gustan las experiencias extremas, deciden apostar un dinero que se llevará el primero que caze un oso, para ello se van al bosque. El caso es que son idiotas, porque pronto empiezan a percibir presencias, y uno de ellos aclara, que es que en ese bosque habita un tal Jesee, un gringo que está enajenado y vive en el bosque pensando que está en guerra. Y aun así se quedan allí (¡)… así que la mayoría morirán despedazados.
Una película Mexicana que anda entre el “Survival” y el “Slasher”, con un “Slasher-man”, que es lo único que merece la pena de toda la película, más que nada por su look fardón y plagiador… digamos que se me marcan un Psico-Killer con retazos de otros. Un puzzle. Así a la corpulencia de un Jason Vorhees, se la añade una mascara a lo Michael Myers, al que le ponemos una peluca rubia y rizada (en eso se parece a Bisbál) y las garras de Freddy Krueger (¡pero con sierra!) y que además utiliza una serie de armas que recuerdan a Rambo… pues fijense, a mí la mezcla me parece la hostia de atractiva.
Y los asesinatos, visualmente, también me han dejado satisfecho (¡¡¡hay un rebanamiento de garganta cuyo salpicón de sangre, llega hasta el cielo!!!). Lo malo es todo lo demás, que es en demasía aburrido y soso. Hay que aguantar los paliques de estos putos pinches pendejos (y además chingones) hasta que a Jesse, le da por hacer acto de presencia.
Si, hay algún escotazo y bañadores sugerentes, pero también hay celulitis. Y también hay estúpida historia de amor, en la que la hembra es la que piensa con la cabeza, y el macho con los músculos. Lo primero para estos machos, es hacer alarde se su bravuconería. Luego, cuando tengan la cabeza del oso en su pared, entonces si, les pueden hacer la felación.
En las tareas de dirección Pedro Galindo III, responsable de la afamada saga de SIETE EN LA MIRA entre otras tantas, y con una carrera escueta para lo que suelen ser estos artesanos Mexicanos. Se ve que en el mercado del “Home Video”, Galindo no ha estado presente.
¡Ah! Y el cartel me parece cojonudísimo…

PROTEUS

Sigue la racha griposa. Otra peli más y mi reseña casi automática. Uno de los beneficios de internet, oiga. Esta peli la conocía porque hace años, haciendo zapping, pillé su desenlace en la tele, con el monstruo de turno en todo su esplendor. Y ya entonces no me desagradó. Seguidamente busqué la correspondiente info y descubrí que se trataba de una monster movie de procedencia british (en 1995, un año en el que el fantástico de esas tierras no vivía su mejor momento, precisamente) dirigida nada menos que por Bob Keen, británico más conocido por su faceta como responsable de efectos especiales. Verás su nombre asociado a los trucajes de títulos tan representativos como "Lifeforce", "Hellraiser", "Waxwork", "Yo compré una moto vampiro", "Hardware, programado para matar", "Horizonte Final", "Candyman" o, más reciente, "Dog Soldiers". Buen currículum.
"Proteus" es como una peli del Syfy Channel (o de Nu Image... o Asylum...) pero en BUENA. Vamos, es que de hecho se adelantó a lo que estas productoras nos ofrecen hoy día directamente en formato televisivo o dvdoso. Un grupo de traficantes (luego resultará que el menos malo de ellos es un poli) naufragan tras ver como su yate estalla. En plena noche neblinosa localizan una plataforma petrolífera que, aparentemente, está abandonada. En realidad se trata de un laboratorio genético secreto cuyo experimento, seeeeh!, ha salido mal. Los recién llegados tendrán que enfrentarse a el.
La deuda con "Alien" y "La Cosa" está ahí (olvídense de "Deep Rising", que es posterior). Es incluso lógica. Pero "Proteus" se salva de la mediocridad por varios motivos: sus actores solventes (entre ellos Doug Bradley, más conocido como "Pinhead", marcándose una aparición especial caracterizado de anciano), su ritmo potable, su buen acabado y, eso sí, unos efectos especiales muy muy notables. Ya os digo que el monstruo del final mola, pero todo lo que le precede, las mutaciones mil, las pringosidades y el gore (aunque mutilaciones humanas casi no las hay), molan más.
Al final uno ha pasado 90 minutos bien entretenidos y se ha regalado los ojos con algunos momentos sustancialmente inspirados. Sí, se puede disfrutar y todo.

DOCTOR GORE

¿Ventajas de pasarse un día entero en cama afectado de tos, mocos y dolores varios?, que tienes más tiempo para leer o ver películas. Incluso aquellas que hace años guardas en tu disco duro y siempre te había dado pereza visionar. Hoy mismo he roto la maldición que me impedía sentarme frente al televisor con "Doctor Gore". Milagros del mal estar, amigos.
"Doctor Gore" es una de esas pelis de "culto" horripilantes con una curiosa historia detras. Su director, guionista, técnico de efectos especiales y actor protagonista es J.G. Patterson Jr. El Sr.Patterson tiene en su currículum haber sido el chico de los trucos y del café nada menos que para el mítico Herschell Gordon Lewis, "el padrino del gore". Un buen día a Patterson le entró el mono de hacer su propia peli y parió "The Body Shop", la historia de un científico que pierde a su mujer en un accidente. Tan enamorado está, que decide reconstruirla a base de trozos de otras hembras.
Naturalmente, teniendo en cuenta las condiciones del rodaje (presupuesto ultra-bajo), el año de filmación (1973) y el bagaje técnico de su "auteur", el resultado es lo que es, un estropicio tremebundo. El caso es que por alguna extraña razón, "The Body Shop" se perdió en el limbo de las pelis olvidadas, hasta que en los 80 alguien la localizó y decidió relanzarla en vídeo, cambiando su título por el de "Doctor Gore" y añadiendo una introducción del propio Herschell Gordon Lewis comentando las bondades de su ex-aprendiz.
Bien, ya sabéis la cantinela: El público que dícese amante del "trash" es en realidad gente que no sería capaz de soportar cine genuinamente "trash", tan genuino como este "Doctor Gore" que, evidente es, inspiró a Frank Henenlotter para rodar su "Frankenhooker" (justamente, muestra palpable de lo que no es "trash" de verdad y sí "trash" maquillado), ya no solo por las coincidencias narrativas y por la utilización de maniquíes, también por el más que conocido amor que Henenlotter procesa al cine "trash" (el de verdad, digo), exploitation y etc y, concretamente, a Herschell Gordon Lewis y su universo, a quien no solo ha dedicado un documental recientemente, también su peli de debút, "Basket Case" (ojo a los créditos finales).
Teniendo ello en cuenta, lo que "Doctor Gore" nos depara es aburrimiento extremo, ausencia total de ritmo, recreación casi pornográfica en el gore, sí (que para ser artesano, está muy bien facturado), pero también en las actividades más poco interesantes. A todo ello debemos añadir los ho/errores propios de esta clase de films (cadáveres que respiran, actores pésimos moviéndose acartonadamente y que miran a cámara, esos escalofriantes peinados setenteros, diálogos absurdos, etc...) y sus tics (la manía de incluir, para alargar metraje, números de cabaret o actuaciones. En este caso tenemos a un country-crooner que se marca unas cuantas canciones muy babosas). El soundtrack está compuesto a base de órgano y es del todo rayante.
Sin embargo, el aspecto más risible e inverosímil se lo lleva el propio J.G. Patterson Jr en su faceta actoril, un tipo bastante horrible (de feo) y de edad respetable que se liga a las mozas más jovenes y atractivas con la facilidad con la que yo me tiro un cuesco de buena mañana.
Con todo, "Doctor Gore" no deja de ser una curiosidad, eso sí, reservada a muy estudiosos del fenómeno exploitation, a individuos muy pacientes o a enfermos de gripe.

MADRES CANIBALES

Les confesaré algo, que viene a decir dos cosas: Cuando he decidido ponerme con esta reseña, he tenido que buscar la sinopsis de esta película en Internet. Y eso que he visto la peliculucha dos veces… ¿y esto que quiere decir? Pues que, o yo no me entero de nada, o esta película está tan mal explicada, que tienes que intuir el argumento.
Bien, yo ahora les voy a hacer la sinopsis que haría, si no hubiese consultado la red de redes: Sin motivo aparente, las amas de casa, comienzan un buen día, entre mucho paliqueo previo, a comerse a sus hijos, mira tu por donde, todos ya bastante creciditos. ¿El motivo por el que se transforman en diabólicas caníbales? No nos queda claro.
Tras consultar la sinopsis en Internet, descubro que lo que les pasa a estas señoras, es que el maromo que se las tira durante la primera parte de la peli (un menda bastante garruler que se acuesta con las amas de casa) les transmite una extraña enfermedad venérea que las hace convertirse en las madres caníbales. Pues lo dicho, o tengo déficit de atención (que puede ser) o es tan rematadamente mala, que el director no ha sabido explicar algo tan sencillo como esto.
En cualquier caso da igual, porque la película, es tan SUMAMENTE HORRENDA, que no llega a ser buena ni para risas.
Eso si, la labor de maquillaje, así como sus látex varios, son simpáticos, al igual que esa madre que abre la boca mucho, que aunque se nota que es un “animatronic” muy chusquero, provoca hasta mal rollo.
Ahora, a la película en general, le tengo mucha simpatía. Por mala. Verán, es muy fácil reírse con una de aquellas de “tan malas que son buenas”, te lo pasas bien, tienen frases memorables, escenas de llevarte las manos a la cabeza… lo dicho muy fácil reírse de ellas (Como dijo un individuo en youtube, sobre esta video-reseña). Pero zamparse una peli que no estás entendiendo, resoplar de agobio, y que encima, las escenas con chicha, las únicas por las que merecería la pena aguantar, tampoco merecen el visionado, para eso hay que tener un par de huevos. Y por eso me caen bien esta (u otras) películas horrendas. Son las feas de la manada, las que no entran ni en el saco de las “malas que dan risa”, las que no conservas en tu colección, a pesar de que presumes de ser eso que llamáis “cinefago”. A esas, que tiras a la basura o borras de tu disco duro, por inaguantables, yo tampoco las aguanto, pero me caen bien. Seguro que su director, le puso todo el cariño y el esfuerzo a la hora de rodarlas… o quizás no, en cuyo caso, se merecen mas aun mi simpatía; no las quiere ni su director.
En este caso, el dire de esta, es un tal James Aviles Martin… exótico e Hispánico nombre.

PRESIDIO

Tras abrir de nuevas una cárcel que llevaba ya tiempo cerrada, una serie de actividades paranormales se suceden en las instalaciones. El fantasma de un preso, ejecutado años atrás, se quiere vengar del puñetero del Alcalde.
En la época en la se rodó PRESIDIO, la Empire ya estaba dando sus últimos coletazos, y en sus productos, se notaba cierto hastío y pobreza. De la misma época, es también EL MORADOR DE LAS TINIEBLAS, quizás un pelín (solo un pelín) mas disfrutable que esta. Claro que las cosas iban mal de veras, por eso, aquí el Señor Band, se tuvo que asociar con otra productora, la de Irwin Yablans, con quien ya se asoció para PARASITE, y que por su parte ya tenía un buen puñado de éxitos en su haber.
Y aunque todavía quedaba por hacer algún éxito Empire, el declive de esta, era ya un hecho, y no faltaba demasiado para que crease la, por otro lado, marciana Full Moon,
El caso es, que no se como funcionaria PRESDIO, pero no entiendo como a día de hoy, no se le rinde mas culto, teniendo en cuenta que esta película, brindó el primer papel protagonista al hoy muy de moda Viggo Mortensen y que le sirvió a Renny Harlin, su director como pistoletazo de salida a una fructuosa carrera Hollywoodiense. De hecho, después de esta, realizó exitazos como PESADILLA EN ELM STREET 4 (muy deudora de esta), LA JUNGLA 2, LAS AVENTURAS DE FORD FAIRLANE o MAXIMO RIESGO, y así, yendo en descenso hasta la decadencia actual del director. A mí es un director que no deja de parecerme peculiar, que anda entre el perfeccionismo del artesano de Hollywood y la incapacidad del manazas.
La película, es un coñazo de padre y muy señor mío, pero su gore, es la leche. La escena en la que uno de los presos intenta escapar, y unos tubos se van introduciendo por toda su anatomía es de lo mejorcito, así como cuando los presos están comiendo en el comedor y del techo cae un hombre, hecho caldo.
Realmente son dos momentos buenos, que saben a poco si utilizamos es fast fordward del reproductor porque duran poco, así que, tampoco justifico los buenos momentos de la peli para ver todo ese paliqueo insustancial.
A destacar también las interpretaciones, no solo de Viggo, si no también del muy expresivo Lane Smith, en el papel del siempre desagradable Alcaide.

ALGUNAS VECES ELLOS VUELVEN

Llevo esperando ver esta película desde que fue portada del número uno de la edición Española de la revista "Fangoria" (la de Luis Vigil, no la otra mierda), pero no tuve oportunidad hasta la pasada noche. De entre medio, casi 20 añazos de espera. Eso es tener paciencia, joder. ¿Y valió la pena?... pssss, no especialmente la verdad.
Basada en un relato corto de Stephen King, en pleno apogeo de este como material adaptable a la pequeña pantalla (y el film comentado, lo es), producida por el recientemente fallecido Dino de Laurentiis (quien se permite un auto-guiño colando su "King Kong" del 76 en una tele) y co-producida por Milton Subotsky, ex-jefe de "Amicus" y sufriendo de Kinguitis en los últimos años de su existencia terrenal, "Algunas veces ellos vuelven" cuenta con protagonismo del entrañable Tim Matheson, acompañado de los reconocibles rostros de Brooke Adams ("La zona muerta", "La invasión de los ultracuerpos"), Robert Rusler (guaperillas en "Vamp" o "La mujer explosiva") y William Sanderson (cult-actor que arrancó en el campo del exploitation con la ultra-racista "Fight for your life" y ganó cierto peso por su papel secundario en "Blade Runner"). El dire no es otro que Tom McLoughlin, popular por ser el responsable de la sexta entrega de "Viernes 13", así como de la modesta pero majilla "Siniestra Oscuridad".
Un padre de familia vuelve al pueblo de su infancia con fines laborales. El problema es que de chaval presenció la muerte de su hermano mayor en manos de unos macarrillas que, oh mala pata, seguidamente fueron arrollados por un tren. Casualmente uno de esos días se cumple el nosecuanto aniversario de la tragedia, y los espíritus de los bad boys regresarán del mas allá sedientos de venganza.
Siempre me pareció a mi que Tom McLoughlin tenía algo de curilla. No ya solo por ser el director de "Cita con un ángel muy especial" (sí, tómenlo literalmente), sino porque en sus declaraciones y sus intenciones (limpiar la saga "Viernes 13" de la suciedad que arrastraba a causa de su reivindicable quinta entrega, metiéndole humor, buenrollismo y unas gotas de violencia más contenidas) siempre me ha parecido sospechosamente cumbayá. En serio. Y esta "Algunas veces ellos vuelven" me lo confirma, por su exaltación de los valores familiares, su rollo lacrimógeno de baratillo y esas puertas lumínicas al mas allá, camino del paraíso donde todos nos acabaremos encontrando y bla, bla. Pero claro, carayo, es que a fin de cuentas hablamos de un telefilm, todo el muy limpio, muy contenido (muertes insulsas, y la más atrevida mostrada desde lejos) e inofensivo. Ideal para la tarde del Domingo. Y sí, en un caso así funcionaría, es razonablemente entretenida. Pasable. Pero yo de ti no tendría prisa en verla (bueno, yo no la tuve, 20 años lo atestiguan).
El caso es que por lo visto funcionó tan bien la cosa que tuvo dos secuelas más, "Sometimes they como back... again" ("La resurrección del mal") y "Sometimes they como back... for more" ("Infierno blanco", de la que solo he oído pestes), que no he visto, ni veré.

PROFANANDO EL SUEÑO DE LOS MUERTOS

A las ediciones de Sci-fi World suele pasarles, que aunque sean tochos interesantes que te aseguran un buen tiempo de lectura, al final te los ventilas en un par de sesiones (cuatro a lo sumo), porque, aunque nos gusten mucho las estampas a todo color, al final acaba habiendo mas fotografías que texto, y un libro que en ciento y pico páginas se hubiera resuelto, acaba ocupando casi cuatrocientas. Nada que objetar, porque estas ediciones no me pillan de nuevas, y además lo ojeé antes en la librería.
En cuanto al escrito de Ángel Sala, leído al fin y al cabo desde el respeto (Sala no es un tonto que escriba desconociendo el tema sobre el que escribe) resulta ser interesante cuando toca, pero soso al final. Si es cierto que le mete un repaso de órdago al cine fantástico Español, pero al final, todo se reduce a un listado de películas, que a veces acierta y profundiza en donde debe profundizar (Paul Naschy, la Fantastic Factory) pero que pasa por alto otras cosas, que igual a mí me interesan mas.
Yo entiendo que este, posiblemente sea un libro destinado a un publico no especializado, y por eso su condición de listado, ciñéndose únicamente a lo más trascendente y contando cosas obvias para el público especializado, pero me parece imperdonable los pasajes que dedica, con honores y bien largos a gente como Carlos Saura, Gonzalo Suárez, Pedro Olea… que si bien, algún toquecito insignificante de cine fantástico han dado a sus cintas, por lo que a mi respecta, no han hecho nada por el cine fantástico en este país. Yo creo que no se les debería haber dedicado ni una línea a esta gente, que por otro lado yo creo que se cagan en el cine fantástico, y mas aún, cuando se olvida a un personaje muy querido por el fandom como es Germán Monzó, al que se le nombra tan solo de pasada al citar que se estrenó KIBRIS, y al que además, Ángel Sala llama “Gerard” Monzó… Pero Carlos Saura, está bien escrito.
Por otro lado, decir que todo el pasaje referente a nuestro cine mas temprano (está estructurado, mas o menos por épocas, corrientes y /o estilos), a Segundo de Chomón y las llamadas “fantasmagorías” me parece de lo mas didáctico y disfrutable, al igual que toda la parte dedicada al fantástico en nuestra televisión.
Ameno y entretenido, aunque yo hubiera preferido que Sala le hubiera dedicado su libro al cine estrictamente fantástico, y no incluir películas como EL AMOR BRUJO y esas mierdas que, A) Nos interesan poco, y B) NO SON CINE FANTÁSTICO.

THE BOOGENS

La verdad, no esperaba yo encontrarme con el logo de la "Paramount" cuando le di al "Play" de esta cosita. Menuda sorpresa. Estamos en 1981 y un aguerrido grupo de tele-currantes deciden aprovechar la oportunidad para parir un film (de los de verdad, de los que se estrenaban en salas) que les lance al estrellato. Lástima que sus ya deteriorados cerebros no pudieron dar más de sí y el resultado fue este "The Boogens", con un inevitable regusto telefílmico y que, obvio, no pasó a la historia, ni del cine fantástico, ni del cine en general.
Una mina, que ha estado tropecientos años cerrada a causa de unos extraños e inexplicables sucesos, es reabierta mediante explosivos. Naturalmente, ello dará pie a que unas horribles criaturas surjan de las profundidades y comiencen a papearse a todo aquel desaprensivo que pillen, incluídos los mineros y sus novietas que pasan el finde en una cabaña.
Produce nada menos que Charles E. Sellier Jr., es decir, el director de "Los aniquiladores" y "Noche de paz, noche de muerte" (films estos que, aunque no eran telefilms, hacían gala del mismo defecto que "The Boogens", ese acartonamiento y esa sosería implícita). El dire es un viejo colaborador de Sellier, James L. Conway. En tareas de guión encontramos a Jim Kouf (usando el alias de Bob Hunt), curiosamente también implicado en el libreto de "Los albóndigas en remojo". Y el reparto nos depara dos sorpresas, Fred McCarren (que también protagonizó "Class Reunion") y muy especialmente Anne-Marie Martin, quien unos años después sería la compañera de aventuras de "Sledge Hammer" en la mítica serie de culto.
¿Y la peli?, ay hijo, pues no sé. Se puede ver, ¿por qué no?, pero no esperes maravillas. El gore es limitadísimo, así como las tetillas. Para compensar -supongo- Sellier procura que los diálogos vayan trufados de tacos y referencias sexuales. Los bichejos no salen hasta el final, y bueno, aprueban por los pelos. En general, y como decía, se nota el origen televisivo de sus perpetradores pues todo carece de vida, de garra, es demasiado plano, limpio, ordenado... en realidad lo mejor de la peli es el perro protagonista, de nombte "Tigre", un verdadero encanto que se luce haciendo algunas gracias y piruetas muy efectivas. Lástima que acabe siendo víctima de los "Boogens" (y eso que escapa en una primera intentona), pero bueno, no se preocupen, que no se ve nada. En ese aspecto los humanos lo pasan peor, y yo que me alegro.
Curiosa y poco más.