THE OFFER

No soy fan de "El Padrino". Ni me gusta, ni me disgusta. Me deja frío. Lo sé, lo sé, ¡sacrilegio! ¡a todo el mundo le mola el clásico de Francis Ford Coppola, considerada casi unánimemente una de las mejores películas de la historia! Pues a mi no. Tampoco la desprecio, simplemente no conecto con ella. Sin embargo, como devoto del séptimo arte, soy perfectamente consciente de su peso, su trascendencia y todo el respectivo mamoneo. Que representa la punta del iceberg del llamado "Nuevo Hollywood", periodo este que siempre me ha fascinado. ¿Y a quién no?.

Pero si hay algo que me gusta tanto o más que una película, es una que hable sobre cómo se hacen las películas. Da igual si la retratada es un clásico intocable como "Psicosis" o una basurilla del calibre de "Plan 9 from outer space". Gozo infinitamente viendo las trifulcas de un rodaje, los problemas, las alegrías y, sobre todo, la maravillosa hermandad que se forja entre los implicados. Una que, dramáticamente, se rompe de forma despiadada en cuanto el trajín llega a su final. Si, además, todo el viaje viene recreado con talento, saber hacer y de forma entretenida, ya ni te cuento. Pues justo eso es "The Offer", una serie de diez capítulos marca "Paramount Television" donde se narra al detalle los pormenores de la creación de "El Padrino", siempre según recuerdos y vivencias de su principal productor, Al Ruddy.
Además, "The Offer" tiene un punto extra. No se trata únicamente de los tejemanejes de Hollywood. También la mafia, por obvias razones, anda metida en el embolao. Ambas tramas se van intercalando a medida que los episodios se acumulan. Y, ocasionalmente, una imita a la otra. Veremos como, de entrada, el hampa italiana rechaza la existencia del libro de Mario Puzo y, seguidamente, se opone a la película para, finalmente, cambiar de opinión, hasta el punto de colaborar en su confección usando estrategias no demasiado legales. Y veremos al mentado productor, Al Ruddy, estrechar lazos con el Capo. Una amistad de la que terminas muy colgado, a pesar de los pesares. Y, por supuesto, veremos la implicación de Coppola, las locuras del legendario Bob Evans, el apetito voraz de Puzo y las apariciones de sosias de Marlon Brando, Al Pacino, James Caan, Talia Shire, Diane Keaton o Robert Duvall. También Frank Sinatra, enemigo jurado de "El Padrino", encarna a un villano de opereta. Y, aunque ajenos al film protagonista, añadan Robert Redford y Burt Reynolds al puré.
Es de esas series que enganchan. Terminas un capítulo y ya te pirras por ver el siguiente. Y cuando concluyes, incluso te queda un poso de tristeza. A ver, perfecta no es. Sobran algunas concesiones a la generación Woke. Sendas pinceladas de humor poco inspirado. Efectos especiales CGI cantosos (la explosión del coche es muy cutre), pero queda compensado por el entretenimiento y el disfrute. Incluso la emoción. Vives con estos personajes tan carismáticos. Sufres cuando sufren y te alegras cuando triunfan. Gracias en parte al talento del reparto, por supuesto, encabezado por Miles Teller como Ruddy (también co-productor del pifostio), dos estupendos Dan Fogler y Patrick Gallo como Coppola y Puzo (cuya gordura y devoción por el buen comer les hace inseparables), genial Matthew Goode en la piel de Bob Evans, grande Giovanni Ribisi como temible/entrañable Capo mafioso, incluso Juno Temple funciona, aunque sea una actriz que me chirría un poco, tal vez por ser la sonrisa más fea del firmamento peliculista moderno. Sin olvidarnos de Paul McCrane, quien diera vida a Emil en "Robocop", o un inesperado y entrañable Lou Ferrigno en la piel de -obvio- un matón de la mafia.
Sin embargo, la cosa que realmente me atrapó de "The Offer" es el modo en que se retrata el enfrentamiento entre los dos Hollywoods. Se diría que el antiguo y el que era moderno a inicios de los setenta. Pero yo lo veo de otra forma. Bob Evans compite encarnizadamente con un ejecutivo de "Gulf + Western" -entonces propietaria de "Paramount"- que quiere quitarle el puesto. En un momento dado lo consigue y cuando comienza a aplicar su criterio, antepone el dinero, el complacer a la audiencia sin tomar riesgos, apostando por cine de género "tonto", de puro consumo (se cita "Aeropuerto 80"). Más que representar al viejo Hollywood, en ese personaje veo aquel que acabaría sustituyendo a la generación de Bob Evans cuando esta, devorada por su propio ego (+ excesos drogadizos y etc), la cagó acumulando grandes fracasos y dando pie a la era del blockbuster en los años ochenta, a los Spielbergs y Lucas, al cine comercial destinado a comer el ojete del público, a los espectáculos audiovisuales, los efectos especiales, las tramas sencillas del bien contra el mal y la búsqueda del entretenimiento como reclamo principal. Una etapa de esplendor económico y taquillas tremendas dominada por ejecutivos trajeados sin idea de cine, anteponiendo el comercio al -ejem- arte y el "auteurismo" propios de la década previa. En "The Offer" ese personaje pierde y acepta su derrota... de momento. Todos sabemos que, no mucho después, volverá para tomarse la revancha y, esta vez sí, quedarse (y yo que lo celebro).
De entre los varios diálogos memorables, dejen que recupere la siguiente perla esputada por -el personaje de- Bob Evans: "La gente educada nunca dice la verdad". Me dio que pensar, tal vez sea hora de aplicármelo. Comenzaré ahora mismo con una como un templo: "The Offer" es COJONUDA.

STRIPTEASE

Uno de los hits rompetaquillas de los 90 que, basado en un best seller de tres años antes de su rodaje, consiguió un “más difícil todavía” de las películas malas, que es camuflar una comedia involuntaria de voluntaria. O eso creo.

Supuestamente, “Striptease” se concibió como una comedia con toques de thriller, y durante el rodaje, Andrew Bergman, su director, puso especial empeño en las escenas cómicas. Sin embargo en un pase de prueba previo al estreno oficial, el director y el equipo de la película pudo comprobar en propias carnes como el público se reía… ¡pero en las escenas en las que no tocaba reírse, en las dramáticas! Es por eso que, según ese pase de prueba, se montó la película de nuevo alterando parte de los acontecimientos y rodando nuevas escenas deprisa y corriendo para las que Demi Moore debió ponerse una peluca, ya que en esa fase de la postproducción, esta ya estaba con la cabeza rapada y rodando “La teniente o’Neill”. El resultado de todo esto es el desbarajuste que se estrenó en las salas de nuestro país y que, pese a la banda sonora claramente cómica que acompaña el clímax final para remarcar que estamos viendo una comedia, no funciona como tal y sencillamente parece un mal thriller con aires de comedia involuntaria. “Striptease” ya era mala en el año de su estreno, 1996, pero deberían verla hoy, 22 años después, y comprobarán por qué los 90 eran tan nefastos cinematográficamente hablando. Pese a ello, y pese al aluvión de premios razzies que se llevó, la película logró ser un éxito sin precedentes, más concretamente en Europa. En España, sin ir más lejos, logró congregar la friolera de 4 millones de espectadores, lo que es un absoluto pepinazo. Claro que, seguramente, lo que el público estaba comprando eran las nuevas tetas de la Moore.

La historia, las dos tramas con las que cuenta la cinta, no son más que una excusa que sirven como hilo conductor para lo que realmente se vende que son las escenas de Striptease en las que vemos a Demi Moore tetas y culo cada cinco minutos. Además el argumento es una mierda que no hay quién se lo crea.

Una secretaria del FBI pierde su trabajo por tener un marido delincuente. Para más drama, durante el divorcio, este gana la custodia de la hija que tienen porque  es quien tiene trabajo, por lo que esta mujer tendrá que buscarse la vida como buenamente pueda. Entonces, como ser secretaria del F.B.I. no es tener un buen currículum, no le queda más remedio que mover el culo en un club de Striptease, dominando el medio en pocas semanas como si bailara en pelotas desde cría. En una de esas,  un senador con ciertos problemillas de índole sexual y bastante corrupto, se cruzará en su día a día con el fin de complicar más aún las cosas.

Mala a rabiar, lo único que podemos sentir es vergüenza ajena casi en cada uno de sus planos, con todos sus diálogos y con una Demi Moore que siendo una chica delgadita y encantadora en películas previas, aquí aparece hiper musculada y siliconada hasta el punto de no saber si estamos viendo “Striptease” o una adaptación al cine de “Hulka”. Por otra parte, le vino bien a la Moore rodar este pozo de estiércol, porque se convirtió en la actriz mejor pagada de la década al recibir nada menos que 12 millones de dólares. Ridículo resulta también  Burt Reynolds, quien se suponía que regresaba al cine por la puerta grande y quien, prácticamente, suplicó para poder obtener este rol protagonista y, suponiéndose que interpreta un papel divertido (un diputado que soba a las stripers y que en sus ratos de ocio se unta el cuerpo con vaselina) lo que consigue es parecer que es un malísimo actor. En cualquier caso, ninguno de los implicados parece estar haciendo una comedia.  ¿Quizá se decidió que “Striptease” era una comedia después de su estreno? A saber.

Por otra parte “Striptease” no es más que la consecuencia de esa moda desinhibida —y agradecida— de los 90 que resultó ser el thriller erótico, subgénero este, para el que “Instinto Básico” abrió la veda, ramificando por una corriente que murió tan pronto como empezó (con “Showgirls”) como era el thriller erótico ambientado en locales de Striptease.

Un mojón de caballo con tan poca gracia, que al final, si se la rebuscamos un poquillo, se la encontraremos. Eso sí, yo la he borrado de mi disco duro tras el visionado.

Dirige Andrew Bergman, que se ha ganado la vida algo mejor como guionista pero que, además de esta, dirigió cosas algo más potables como por ejemplo “Profesor a mi medida” o “El Novato”.

Puro fast food del malo, del podrido.

ALGUNOS FOTOCROMOS DE "MEGAFORCE"

Con "Megaforce" Raymond Chow, poderoso capitoste de "Golden Harvest", quiso introducirse en el mercado occidental produciendo una película-espectáculo en la línea Spielberg/Lucas remozado con el universo high-tech de James Bond. Se estrenó el verano de 1982 y se pegó semejante hostiazo (a todos los niveles) que las secuelas previstas no se llevaron acabo. Y Mattel, que diseñó el vestuario y creó una serie de vehículos como los de la peli para ser consumidos por la chavalada, se comió un colín.
Y es que sí, aunque hoy "Megaforce" arrastra un notable culto (de hecho, los padres de "South Park" son fans y le dedicaron no pocos guiños en su película "Team America"), en realidad se trata de un producto bastante malo, rancio, que tendría un pase como "mala pero divertida", porque hay momentos que roza el ridículo hasta extremos preocupantes. Pura vergüenza ajena. Por lo visto en principio se trataba de un proyecto mucho más serio, pero uno de sus productores quiso decantarse por una línea "camp" y fichó al actor Barry Bostwick para ejercer de prota. No fue una buena idea. Verlo lucir esas horribles mallas marca-paquete, así como su cinta en el pelo, la barba estilo "Big Jim" y los dientes blancos de "Profident" no es lo ideal para otorgar carisma a un action-hero. Bostwick venía de canturrear y bailar en "The Rocky Horror Picture Show" y, a pesar del leñazo, ha logrado ir tirando hasta hoy, sin parar de currar y convirtiéndose en el actor fetiche de don Jack Perez.
El director de "Megaforce" fue Hal Needham, antiguo stunt reconvertido que en su currículum luce películas tan curiosas como "Cactus Jack" y un porrón de vehículos para su amigo Burt Reynolds.
En cuanto a "Megaforce", pues supongo que tiene un pase si buscas sobrevivir a una tarde de Domingo . Va cargada de explosiones, ideas delirantes (atención a la moto voladora y su temible croma) y, como decía antes, muchas risas involuntarias.
Les dejo los cuatro únicos fotocromos de los que disponemos, que creo ilustran bastante bien el tono y espítitu de la propuesta.

LOS FOTOCROMOS DE "CIUDAD MUY CALIENTE"

Un hito —no muy allá— que juntaba en una misma pelí a Clint Eastwood y  Burt Reynolds.
Y aquí, sus fotocrometes!!

LA FUERZA DEL CARIÑO

Otra de las película clave de los ochenta al margen de los Spielbergs de turno. A nosotros nos gustaba “Gremlins” e Indiana Jones, pero a nuestras madres, que tenían la misma edad que nosotros hoy, les gustaba “Oficial y Caballero” y  la que nos ocupa; “Terms of endearment”, por estos lares conocida como “La fuerza del cariño”. Un autentico pelotazo en los cines, una baza segura en cualquier videoclub y, sobretodo, un rompeshares de los pases televisivos, en su momento y 30 años después. Raró será que alguno de ustedes, lectores, no la haya visto aunque sea de pasada.

No entraba en mis intereses cuando esta película era novedad, pero si recuerdo haberla visto. Sin embargo, enfrentarme a ella a esta edad ha supesto un revulsivo en el sentido de que, creyendo que a mis 40 palos me gustaría, me ha parecido no solo una película aburrida, mal contada, lenta y carente de interés, sino además, mal hecha.

Supongo que la delicadeza con la que nos cuenta todo en 1983 sería de recibo, pero en pleno 2017, con todo lo que ya hemos visto, esto me ha resultado de lo más insulso y de manual.

Una tragicomedia que contándonos eventos intrascendentes de la vida cotidiana, bien podía ser una consecuencia del neo-realismo, eso si, neorrealismo disfrazado con vestidos, sombreros, collares y pulseras made in Hollywood, con los que es bastante difícil identificarse en modo alguno, si es lo que buscamos. Y si lo que buscamos es entretenernos, sin más, me temo que el tiempo se ha follado al tempo –valga la redundancia-. Es un coñazo que quizás a nuestras madres les funcionaría, pero a las madres de hoy, no se yo que decirles.

En cualquier caso, la sinopsis cabe en un par de lineas. Basada en la novela del mismo título de Larry McMurty, el debut en la dirección del , por otro lado, prestigioso guionista James L. Brooks, cuenta las relaciones familiares de una madre y una hija durante un periodo comprendido en unos 20 años. Las alegrías y las tristezas se van sucediendo por parte de ambas; la hija no hace más que parir, la madre se folla a un astronauta retirado y al final nos cuelan un evento para que todas las señoras lloren a moco tendido. Insisto, en su momento, esto llegaría al alma, a día de hoy, nos quedamos tan panchos con ese final que, obvio, no desvelaré.

La película, fue un fenómeno social y un saco de Oscars, llevandose el de mejor director, mejor película, actor secundario para Jack Nicholson, actriz principal para Shirley McLaine y mejor guion adaptado.

“En Hollywood no conceden el premio al más gilipollas” fue la frase que soltó Burt Reynolds al ver el éxito de la película. James L. Brooks, había escrito el papel de Garret Breedlove, el astrounauta al que da vida Nicholson, pensando en él. Sin embargo lo rechazó porque prefirió irse a rodar una estupidez mayúscula sin ninguna trascendencia como fue “As de plumas”, uno de los grandes fracasos de su carrera. ¿Cuanto habría cambiado la carrera de Reynolds de haberse decidido por “La fuerza del cariño”? nunca lo sabremos, pero él se estuvo dando cabezazos contra la pared mogollón de años.

Por otro lado, sonadas fueron las disputas en el set entre la McLaine y la otra protagonista, Debra Winger, maravillosa, estupenda y muy de moda en aquellos años. Por lo visto, el divismo de las dos estrellas las llevó a tener momentos de mucha tensión en el plató. En alardes de divismo, se pisaban con morcillas la una a la otra en  las escenas de mayor calado, llegando al insulto en algún momento debido a los celos y el narcisismo. L. Brooks, en una entrevista declaró que raro era el día que no estaba tenso trabajando con las actrices, y que en muchos momentos le hubiera gustado arrancarles la cabeza a las dos divas, pero que, una vez visto el resultado final de la película y ver lo increíbles que estaban en ella, ese resultado brillante (según él), justificaba todas las excentricidades de las dos niñas mimadas.

Sin embargo, cuenta también que Jack Nicholson, sus excesos y sus energías, ponían las pilas en el rodaje: Tenía siempre el guion consigo, y de vez en cuando le echaba un ojo haciendo ver que  lo estudiaba. Pero una vez dada la voz de acción, Nicholson hacía exactamente lo que le salía de los cojones. Unas veces estaba magistral, otras se pasaba en histrionismo, pero sin duda, siempre aportaba algo en la película. Nicholson sin embargo, se llevó muy bien durante el rodaje con la McLaine, quien aseguró que estaba loco y que cuando le tocaba actuar con él, no sabía lo que iba a pasar, lo cual beneficiaba a la interrelación de ambos, y destaca la escena en la que van conduciendo con los pies en el volante, sobre la arena de la playa, y  él, sale disparado tras un frenazo, al agua. En el guión ella se acercaba a él y este le besaba apasionadamente. Sin embargo, lo que Nicholson hizo, fue besarla y agarrarla una teta por dentro del vestido, cosa esta que la actriz no se esperaba en absoluto; lo que se ve en la película es real, la metida de mano, y posterior enfado de ella. Y así quedó una de las escenas más memorables del film. No es más que una ida de olla de Jack Nicholson. Muy bien traída, eso si.

La película en españa fue un éxito, como en el resto del mundo, pero moderado con su 1.600.000 espectadores. Sin embargo, en un pase televisivo que se le dedicó a la película, la vieron caso 8 millones de personas nada menos. Uno de los hits de televisión Española a finales de los ochenta.

James L. Brooks, no se prodigó mucho dirigiendo, apenas dirigió seis películas, muchas de ellas en busca de nuevos Oscars, consiguiendolo con “Mejor…Imposible”, o recibiendo críticas nefastas con “Spanglish” al servicio de ¡Adam Sandler! Y con una Paz Vega a la que, como siempre, da penita verla actuar. “Al filo de la noticia” sería su siguiente película,  y “¿Cómo sabes si?” la última hasta la fecha, siendo la más popular de su carrera, sin duda, “La fuerza del cariño”.

14 años después, en plenos 90, la película tuvo su secuela, “La fuerza del cariño: La historia continúa”, que resultó ser lo opuesto a esta. Y en España pasó casi inadvertida acumulando un total de 64.000 espectadores.

EL HOMBRE MÁS FUERTE DEL MUNDO

Mr. T ha pasado a la posteridad gracias a su aspecto, su carisma y, sobretodo, por interpretar durante algunos años -cuatro para ser más exactos- a M.A. Barracus en la serie de televisión “El equipo A”. Durante esos cuatro años, pizca más o menos, fue cuando le salió trabajo en el cine y la tele, porque después de su paso por “El equipo A”, su carrera artística se reduce a poco más que cameos y ya de tirón nostálgico. No se ha prodigado mucho, pero, desde luego, es todo un icono de los 80.

De esos fructíferos años, destacó en papeles secundarios en filmes boxísticos como “Rocky III” o “Penitenciaría II”, pero dónde gozaría de papeles protagónicos sería en televisión, ya fuera en series o en telefilmes, como el que nos ocupa, “El hombre más fuerte del mundo”.

Cuenta la historia de Brutus, un hombre de las calles que se gana la vida como portero de discoteca, mientras que su tiempo libre lo dedica a llevar el centro para jóvenes de su barrio, donde hace de monitor de actividades para chavales con problemas. Y ocurre que el ayuntamiento quiere cerrar el centro, a no ser que  se consigan 25.000 dólares al año para su manutención, así que Brutus decide hacer fiestas benéficas y otro tipo de actividades para ver si recauda la pasta, sin ningún éxito.

Al enterarse de que pronto se celebra la competición llamada “El hombre más fuerte del mundo”, que consiste en una especie de gyncana para forzudos, y que el premio es de 25.000 dólares, se inscribe sin dudarlo. De mientras, unos mafiosos intentan trapichear en la competición, gracias a la info que les proporciona un muchacho del centro de jóvenes.

Por aquél entonces, la popularidad de Mister T era exagerada, sobretodo entre el público infantil de clase baja, por lo que se le explotaba como una especie de superhéroe del barrio. Incluso llegó a tener su propia serie de animación, así que no es de extrañar que el público al que va destinado este telefilm sea el infantil.

Aquí ya, Mister “T”, aunque reparte inofensivos mamporros al estilo Terence Hill y Bud Spencer, asegura no estar orgulloso de emplear la violencia y que su prioridad es ayudar a la chavalada, con lo que la conciencia social queda patente. Por otro lado la película nos ofrece lo de siempre. Incluido final feliz. Más original imposible.

No obstante, no deja de ser una cosa muy entretenida, un poco más ligera que los telefilmes de aquella época, que eran soporíferos, y nos damos el placer de ver como protagonista absoluto a Mister T, que es de lo que se trata.

Co-protagonizando el invento, como uno de los jóvenes conflictivos, tenemos a Dennis Dugan, cuya carrera como actor infantil (le pudimos ver en “Aullidos” o “Loca juerga tropical”), evolucionó por otros derroteros, convirtiéndose en director de estudio que en la actualidad se encarga de dirigir casi todos los proyectos de Adam Sandler. Cosas como “Niños grandes” o “Un papá genial”, son obra suya.

En cuanto al director, Dick Lowry, posee en su haber una larga carrera en el ámbito del telefilme. Suyas son cosas como “Alf: La película” o “Los caraduras 3”, conocida por no tener a Burt Reynolds en el reparto, y por ser uno de los desbarajustes más chungos de la historia de las películas malas.

Para despertar la nostalgia, y más si alguien la vio en su momento puesto que estaba disponible en nuestros video-clubs, esta película alcanza y sobra.

DRIVEN

La decadencia de Silvester Stallone, antes de reinventarse dando al publico lo mismo que le encumbró, se hace palpable únicamente durante un periodo de cinco o seis años a lo sumo, desde 1999, hasta 2006 que volvió triunfante con “Rocky Balboa”. Pero yo pienso que no es que el público se olvidara de el, y a las taquillas de sus últimas películas me remito, es que durante ese tiempo, las películas que facturó Stallone, fueron muy malas. Por ahí andan “El Protector”, “D-Tox”, “Get Carter” o “Spy Kids 3-D”, donde se convirtió en una vulgar parodia de si mismo. Algunas de ellas más visibles, otras menos, pero sin duda, la que nos ocupa ahora, “Driven” es, cuanto menos, espantosa. Histórica también, puesto que se trata de la peor película de Stallone, y mucho me temo que, también lo es, de ese marcapaquetes de director que es Renny Harlin, que rueda esta cinta como diciendo “Ahí, mira como coloco la cámara, mira que edición más vibrante ¡cómo molo!”. El resultado es, agradablemente espeluznante, e involuntariamente gracioso.
El más prometedor piloto de formula 1, se siente presionado por sus managers y por lo importante de las carreras que va a disputar en los campeonatos. Para ello, el dueño de la escudería llama a un viejo veterano que truncó su carrera a causa de un accidente que casi le quita la vida, para que de apoyo moral a la joven promesa, que por otro lado, se trae unos rollitos de culebrón sudaca con la novia de su máximo rival, que es, como diría Armand Asante en “Los reyes del mambo”, más puta que las gallinas. Gracias a Stallone, todo saldrá bien.
La película es tan aburrida como lo son, en si mismas, las carreras de formula 1. Con una infografía primigenia de la mas baja estofa, e innecesaria para según que planos, para dar a las escenas de carreras (que poco cinematográficas son, por cierto) un dinamismo, que por momentos resulta hasta ridículo.
Pero la gracia radica en los complejos de Stallone, que aún siendo un estandarte del cine de consumo, no deja de ser el autor más brillante del siglo ( y lo digo sin despeinarme), e introduce elementos personales en sus guiones, porque el guión de esta basura, lo firma el. En este caso, el rollo personal, se le aplica al complejo de viejo que ya en 2001 venía arrastrando el actor/director/ guionista. Lo de “Ya estoy mayor para esto”, no es cosa solamente de “Los Mercenarios”. Stallone, consciente de que tiene una edad, se vende en la película como estrella, pero se encaloma a sí mismo un papel secundario, el de Joe Tanto, la vieja leyenda de la formula 1, que da la doctrina y los buenos consejos a las nuevas generaciones. Cosa esta que es muy común en las películas más personales de Stallone por otro lado, pues lo mismo ocurría en “La cocina del infierno”. Así pues, es muy divertido ver sus moralinas, su sapiencia y su rictus de “Ay, chiquillos” en pantalla, digamos, que si no lo llega a salvar de nuevo “Rocky Balboa”, Stallone en los últimos años, daba mucha penilla, y da la sensación de que el mismo pedía a gritos que se apiadaran de el. “Estoy mayor, pero dadme una oportunidad, que todavía tengo mucho que ofrecer”, parecía decir. Pero, obviamente, “Driven”, no era el mejor ejemplo de lo que podía hacer Stallone, de hecho, es una de las mayores patatas hervidas de la pasada década, que los años 00, dicho sea de paso, están en tierra de nadie, cinematográficamente hablando.
En cuanto a la dirección, Renny Harlin es un catálogo de excesos, también muy gracioso, pretende ser un revolucionario visual, con esos montajes trepidantes y millones de planos aéreos, pero en realidad es todo lo que hace una payasada que, siendo efectivamente “chanante”, no logra sacarle ni una emoción al espectador. Especialmente estúpida, resulta la escena en la que el prota, en un ataque de cuernos, coge el coche de formula 1 y sale a toda hostia por las calles de Chicago, y Stallone sale con el suyo detrás de el para secarle las lágrimas. Patético.
En el reparto, a parte de Stallone, un buen número de losers como son Burt Reynolds, Til Schwiger, Kip Pardue, Robert Sean Leonard o Stella Warren, que se quedó en el intento de ser una reconocida sex Symbol, precisamente porque si te fijas bien, es una tía bastante fea.
Ni para pasar el rato, porque encima, es larga de pelotas.

FLETCH, EL CAMALEÓN

La película más famosa del que fuera el niño mimado del “Saturday Nigt Live” en las primeras temporadas, sigue funcionando veinticinco años después como un tiro.
Irving Fletcher, mas conocido como “Fletch” (Chevy Chase) es un periodista de tres al cuarto que anda por ahí intentando buscar cosas interesantes para rellenar su columna, se disfraza de yonki / vagabundo para investigar en los bajos fondos, cuando es requerido por un elegante individuo (Tim Matheson) en calidad de asesino. Es decir, lo contrata para que lo mate, alegando que tiene un cáncer que acabará con él dolorosamente y un seguro que su esposa cobrará si le asesinan. Fletch acepta su oferta, con el fin de obtener un buen artículo para su periódico. Así pues, comienza la investigación.
Por un extraño motivo, sin querer despojar a Chevy Chase de su condición de “payaso-torpe-slapstick”, se le coloca en una trama detectivesca, bastante seria, efectiva, que si le quitamos el par de numeritos cómicos propios del actor (en el hospital llega a su cenit, el cachondeíto que se trae con el camarero en el club de tenis…) podría ser una película perfecta para, por ejemplo, un Burt Reynolds. También es cierto que se dosifican al máximo sus gags, se intenta que el señor Chase además de hacer el idiota, actué. Pues, miren, no lo hace mal. Claro que, salvo con la honrosa excepción de "Memorias de un hombre invisible", que tenía también componentes cómicos, a Chevy Chase no se le ha dado la oportunidad de lucirse y optar al Oscar, como sí pasó con Jim Carrey, así pues, su versión más seria, el Chevy más actor, se encuentra en esta maravillosa película. El desatado está en "Ese poli es un panoli".
Y es que "Fletch, el camaleón" es completamente ochentera, con el ritmo, estructura y desenlace y final típico de las comedias policíacas de la época. Es más, apenas hay diferencia, técnicamente hablando, con por ejemplo "Superdetective en Hollywood", solo cambian los lugares, y los personajes, las formas son las mismas.
Michael Ritchie, que ya dirigió más cosas del estilo, destaca, además de por la mentada "Ese poli es un panoli", por haber dirigido también de manera ochentosa "Sufridos Ciudadanos", "El chico de oro", "Gatos Salvajes" o "Los pacientes de un psiquiatra en apuros". Ya murió el pobre.

Solo apta para fans de la comedia de los 80.

MACK BOLAN, EL PADRE DE FRANK CASTLE

A finales de los años 60, el escritor Don Pendleton dio vida a "Mack Bolan", alias "El Ejecutor" y su éxito fue tan fulgurante, que puso de moda las novelas de acción destinadas a caballeros, literatura popular esta que salpicaría incluso a nuestro querido "Harry Callahan". Se trataba de un tipo de aspecto musculoso, y pelo oscuro, en continua guerra contra todo tipo de mafias y sin escatimar armamento (ni violencia). Un justiciero. ¿Os suena?, por supuesto, "El Ejecutor" fue la inspiración para los cerebros de "Marvel" cuando dieron vida a "El Castigador". Y no es un rumor, es un hecho reconocido por la propia editorial de comics. Tras nosecuantas novelas, Pendleton dejó de escribir más aventuras del personaje, pero cedió los derechos y aún a día de hoy siguen publicándose gracias a la imaginación de otros escritores. "Bolan" es todo un icono de la cultura popular yanki, lo que hace aún más extraño que jamás se llevase a término una versión en celuloide de sus correrías, a pesar de que fueron no pocos los proyectos (según Wikipedia, uno con Burt Reynolds y otro con Stallone. La misma página afirma que "El Exterminador" también se inspiró en la creación de Pendleton y, no, la peli de Schwarzenegger no tiene nada que ver... no olvidemos que "Ejecutor" era el título en las hispanias, lejos del "Raw Deal" original).
Yo nunca he leído ni una sola de sus novelas, sin embargo, es un personaje que me fascina desde hace años. Al fin y al cabo, ser el precedente de otro grande como es "Frank Castle" bien merece mis respetos.
Valga este post como pequeño homenaje al escritor (ya fallecido) y su criatura. Si ahí fuera, al otro lado de la pantalla, hay alguien interesado en indagar más sobre "El Ejecutor", le paso el enlace de su web oficial, www.mackbolan.com

DELTA FARCE

Un trío de perdedores, uno agobiado por su esposa, otro que ha descubierto que su novia se la pega (y además ha quedado preñada) y un tercero que, directamente, es retardado, tiene por costumbre pasar un fin de semana al mes en el ejército con el fin de desestresarse. En esto que, sin saber por qué, se los llevan a Irak y los tres gilipollas no ponen pega alguna.
Esta película es horrorosa. Toda resuelta a base planos cortos, y todo muy alborotado, es como un puzzle en el que resulta imposible enterarse de nada, la obra de un incapaz. Directamente, no se puede ver.
Lo que a mi me motivó para proceder a la inversa es la presencia de D.J. Qualls, actorcillo este por el que siento una especial simpatía y que, si salió airoso de "Road Trip", tocó el cielo con "Los feos también mojan", y cambió de registro en "Hustle & Flow", aquí no resulta tan divertido, aunque es lo mejor de la película, sin duda. Solo verlo, tan flaco, tan alto, tan feo y tan desgarbado, ya provoca la risa. Añádanle un bigotazo a lo Burt Reynolds.
La película está concebida para el lucimiento de un tal Larry the Cable Guy, que no tengo ni zorra de quien es, pero intuyo que debe ser una estrella del "stand up".
En fin, que una puta mierda.
El director es un tal CB Harding, quien se dedica a dirigir todo producto en el que aparece el tal Larry y (ojo al dato) es también director de "The Osbournes", ese "reality show" con la familia de Ozzy Osbourne como protagonistas.

BOSQUE DE SOMBRAS

Por diferentes motivos que no vienen al caso, tenía mucha curiosidad de ver el debut en el largometraje de Koldo Serra. Ahora que ya lo he hecho, ha suscitado en mi diversas impresiones, de esas tan variadas e intensas que te empujan a ponerte a escribir una reseña a las 5,30 de la mañana. Uno es así, oigan.
Ningún ser humano puede tildar a Serra de falta de honestidad. Desde el primer momento, cuando le preguntaban por su película, hablaba de dos influencias claras: "Perros de paja" y "Deliverance". Eso está muy bien... desafortunadamente, ambas se dejan ver demasiado a lo largo de "Bosque de sombras", excesivamente incluso diría yo, algo que si se tratara de un exploitation videoclubero, no sería criticable, pero viniendo de una producción Filmax con Gary Oldman y que, desde el principio, te la han vendido con intenciones serias y prestigiosas, entonces maaaalo.
Las réplicas son cuantiosas, la estructura es idéntica a "Perros de paja" (asedio de pueblerinos a gente de ciudad decidida a proteger de sus garras a una "criatura indefensa"), el prota es clavado a Dustin Hoffman (el pringao que termina convertido en una máquina de matar) y Oldman que hace muy bien de Burt Reynolds, el personaje duro y seguro de sí mismo que cree saberlo todo de todo.
Aún así, y a pesar de ello, "Bosque de sombras" termina resultando un producto entretenido, de género puro y sin aparentes pretensiones. Vale que la parte final es un poco plasta, y los actores, salvo Oldman, Lluis Homar y Alex Angulo, son un poco acartonados... sin hablar de las manos deformes de la niña (¡engaya!), pero teniendo en cuenta la de mierda con ínfulas que se hace en España, esta pequeña peliculilla es un soplo de aire fresco que igual se queda con las buenas intenciones, pero que desde aquí agradecemos.