LA DÉCADA DE LAS EXCUSAS

Fue en el sagrado año de 1985 cuando un joven universitario llamado Chris Gore pensó aquello de "¿Un fanzine dedicado a las películas, pero a través del filtro del punk?". La idea no solo sonaba bien, además era medianamente innovadora. Vale, es posible que ya hubiese otros fanzines sobre cine tirando de maneras punkistas y tal, pero el género al que mayormente dedicaban atenciones e insultos solía ser uno bastante afín: el terror, el exploitation y, por encima de todo, el uso y abuso de gore. Me viene a la mente "Stink" de Nick Cato. Con "Film Threat", que así fue bautizado ("Amenaza Fílmica" vendría a ser una traducción fanzinera bastante chula), la cosa iba a ser un pelo distinta, porque el terror no tendría especial protagonismo. De hecho, rara vez asomaba en sus páginas. Se trataba más de alabar el cine independiente de la época (muy distinto a lo que ocurrió en los noventa tras el fenómeno Tarantino / "Miramax"... luego más al respecto) y atacar aquel abiertamente comercial, cien por cien Hollywoodiense, con el blanco fácil de la época como principal diana: Steven Spielberg.
Cuesta creer que en 1985 los hubiese dispuestos a echar mierda sobre una película tan estupenda como "Regreso al futuro". O leer nada menos que a Nick Zedd (el caricato humano del cine underground) diciendo pestes de "Indiana Jones y el templo maldito" (vale, que tampoco ha sobrevivido del todo bien al paso de los años... pero entonces se trataba de un producto deslumbrante). No obstante, asín es como era. Ya se saben la cantinela. Todo puro esnobismo y ganas de ser/sentirse distinto a la masa aborregada, tal como iríamos viendo con el transcurrir de los años... y señalo especialmente a Chris Gore, un ser detestable que jugaba al niñato impertinente e incordiante, amigo de la broma pesada y, por supuesto, aspirante a director de cine. Todo aquel disfraz se derrumbaría de manera inmisericorde. Pero vayamos pasito a pasito.
Lo de rajar del cine espectáculo en/de los ochenta era moneda común. Que fuese cosa de críticos apolillados y rancios, pues se podía esperar. Pero que viniese de fanzines contraculturales o cineastas afines al género como Frank Henenlotter (en el estupendo libro "Incredible Strange Films" rechaza tajantemente ni tomarse la molestia de ver "Gremlins") pues me suena bastante desconcertante y, sobre todo, muy discutible… aunque puedo entenderle hasta cierto punto, pues por generación todo aquel producto nuevo, colorido y capaz de atraer a miles de personas a las salas, le sonaría ajeno. Pero de un jovenzuelo como Chris Gore, pos no. Sin embargo, el disfraz convencía y daba frutos.
Así, el fanzine, de aspecto en total consonancia con lo que representaba entonces su naturaleza, es decir, un puñado de A4s de doble cara encabezados con el logo, seguido de texto y más texto, todo sujeto por una única grapa situada en la esquina superior izquierda, lentamente fue mutando a una cosa más elaborada y, sobre todo, mejor impresa. Primero en plan cuatro tintas para, en una siguiente encarnación, tirar ya de portadas a pleno color, satinadas, tamaño más grande, etc, etc. En este periodo Chris Gore comienza a comerse acusaciones de vendido. Es lo que tiene haberse dedicado con tanto ímpetu a dar una imagen radical anti-establishment, atrayendo a aquella porción de lectores de supuesta mentalidad afín. Se volverán contra ti en cuanto comiences a mostrar el plumero, el del tipo que en realidad pretende alcanzar la profesionalidad, incluso el mainstream. De momento disponemos de este nuevo "Film Threat" todavía fiel a sus intereses primigenios: cine ultra-indie y/o underground. A veces Gore se delata, como cuando dedicó una extensa entrevista a Sam Raimi para que hablara de sus primigenios cortos superocheros. Las maneras del papá de "Evil Dead" quedan en las antípodas de ese cine combativo, enfadado, subversivo y guerrillero propio de algo como "Film Threat" y recibirá cartas quejosas acusándole de dorar el ojal a un "niño rico" (es decir, a Raimi). Aun así, y aunque también bastante ajeno al cliché/pose propio de la publicación -pero rematadamente genuino en su condición "outsider"-, es en la época de cubiertas a color satinadas cuando entrevista al gran George Kuchar (en realidad un nuevo reciclaje de los muchos que Jack Stevenson hizo del enorme dossier que le dedicó en su zine "Pandemonium", luego también ampliado al fantástico libro "Desperate Visions: Camp America" -fantástico salvo por la parte sobre John Waters, ¡puagh!-).

Chris Gore, bien trajeado y peinado -como él mismo reconocería en alguna ocasión-, acude a editoriales de cierto peso en busca de alguien que le compre el proyecto de relanzar "Film Threat" como revista de una maldita y definitiva vez, y lo consigue. Es nada menos que Larry Flint, padre de "Penthouse", quien decide llevar la publicación hasta los quioscos, con el aspecto común y corriente que uno podría esperar de semejante materia, incluidas páginas interiores a todo color y, por supuesto, una apuesta por... sí, todavía el cine independiente (estamos ya en pleno boom noventero del mismo y la creación de Chris Gore se convertirá en el cronista oficial de la movida) pero también el cine en general, soltando puyitas al mainstream, aunque con un nivel de vitriolismo inferior al de la época fanzinera. Sin ir más lejos, el primer número de este renacer tiene por portada a... ¡Macaulay Culkin!, una decisión tan chocante y llamativa que el mismo Kevin Smith, director de "Clerks" -uno de los títulos estandarte del "indie" noventero- y lector de "Film Threat", comentaría a posteriori en tono jocoso.
Y sí, la ahora revista de Chris Gore arranca una nueva etapa en la que asume su condición de vendido. Con todo el dolor, él mismo se define así, aunque ello no evita que, cuando los ataques, los muchos ataques, escuecen demasiado, recurra a la cantinela de llamar envidiosos y perdedores a los agresores, asumiéndolos como fanzineros que no se comen una rosca con sus míseras y cutres creaciones fotocopiadas. Obviamente Gore se siente culpable... pero gana dinero y va adquiriendo cierto nombre, por lo que tira millas. Sigue intentándolo con lo del cine, produciendo cortometrajes cada vez más ambiciosos que no cesa de promocionar en su revista y sacando suco a los contactos para meterse en rodajes. Jamás conseguirá facturar una película con cara y ojos. Por contra, rozará el patetismo en alguna ocasión, como cuando aceptó ser el cronista y promotor oficial de la traslación a la pantalla de "Los 4 Fantásticos", dedicándole portada y extenso contenido en "Film Threat"... pero ¡cuidao!, hablo de la producida por Roger Corman, es decir, el famoso largometraje fantasma únicamente confeccionado para salvaguardar los derechos legales de la marca y cuyo fin consistía en no estrenarse jamás en ningún formato. Todos los implicados acabaron con el rabo entre las piernas, y nuestro protagonista fue uno de ellos.
Aun así, consciente de que su revista se aleja cada día más de lo que fue en sus inicios, decide parir una publicación paralela -completamente ajena al emporio Larry Flint- más afín a esos mismos primeros tiempos, "Film Threat Video Guide". También con portada a color satinada, pero interior en blanco y negro y papel algo más costroso, este nuevo invento acaba convertido en, seguramente, la mejor ocurrencia de Chris Gore, asociado ahora a su amigo Dave Williams, co-editor y, a la larga, máximo responsable. ¿Y qué diferencia "Film Threat Video Guide" de "Film Threat" a secas? Pues que la primera se fija única y exclusivamente en el cine independiente más radical y underground, reseñando toda suerte de materia parida por aspirantes desde la oscuridad a base de super 8 o vídeo. Además, en cierto modo retoma la actitud combativa y el tono chinchón e impertinente, tanto como para acusar a su mismo padre co-fundador de vendido (oooootra vez).
Es en este momento de crecimiento cuando la pareja (Gore + Williams) se atreve a crear un sello para edición y distribución de películas y cortometrajes, siempre sin abandonar el nombre de "Film Threat" ("Film Threat Video", ¡¡ole cuanta imaginación!!) ni a la mascota recurrente, una claqueta antropomorfa eternamente cabreada. Puesto que ello coincide con la salida de "Film Threat Video Guide", esta pasa a convertirse también un poco en el panfleto promocional de los productos de la casa, y lo cierto es que se decantarán por basura audiovisual un rato potente. Cosas como "Hated", el famoso documental en torno a G.G. Allin. "Hardcore", una recopilación de cortos de Richard Kern. "Chicken Hawk", el polémico documental sobre pederastas organizados. "Begotten", la aburrida pieza vanguardista. Y, muy especialmente, los títulos más llamativos de la filmografía de Jorg Buttgereit. Me detengo acá porque todo ello generó dos "Film Threat Video Guide" bastante míticos. El dedicado a Kern -nº 5- se amplía al "Cinema of Transgression" al completo (incluido el niño mimado de "Film Threat", Nick Zedd, con quien acabarán fatal... más luego) y será fuente de muchísima información, para mí y para todos aquellos fanzines españoles que robarán tanto como puedan (vosotros sabéis quienes sois). El dedicado a Buttgereit -nº 3- es especialmente llamativo porque incorpora como portada la famosa ilustración del cadáver aferrado a las tetas de una señora. Y si lo comento es porque ello coincidió con un escándalo que, creo, hasta cierto punto acabaría perjudicando a Chris Gore en lo que respecta a su relación con la escena fanzinera yanki. De hecho, esta también se vio salpicada por el asunto, arrancando así un poco el inicio del fin de su auge.

Resulta que, hasta la aparición de las ediciones legales de "Film Threat Video", la única vida que "Nekromantik", su secuela y "Der Todesking", los tres largos de Jorg Buttgereit, habían tenido en los USA había sido mediante "bootleg", copias piratas. Era bastante común entonces que los fanzines dedicados al cine de horror incluyeran un listado de títulos inencontrables dispuestos para ser adquiridos por los aficionados. Y uno de los que más copias de las obras de Buttgereit vendía -y más páginas informativas le dedicaba- era el famoso y respetado gurú del terror y el gore Chas Balun desde su fanzine "Deep Red". El día que Buttgereit y su socio productor, Manfred Jelinski, ficharon para "Film Threat Video" supongo que informaron a Chris Gore de lo que hacía Balun y aquel no tuvo mejor ocurrencia que publicar un artículo en "Film Threat Video Guide", mediante la pluma de Dave Williams, denunciándolo con notable mala uva. En cuanto el acusado se enteró, contraatacó, comentando que apenas sacaba cuartos de esas ventas, que su intención era contribuir a la difusión de unas películas que, de otro modo, nadie conocería y restregando por la cara a sus creadores toda la publicidad gratuita. En fin, la cosa se puso bastante fea. El correo de "Film Threat Video Guide" se llenó de lectores a favor y en contra, y Gore y Williams hicieron algo reprochable, publicar las cartas que Balun había enviado de forma privada a los alemanes, lo que empeoró más el asunto. Según se dice, la estocada final vino durante una convención en la que Gore y Balun coincidieron y el primero terminó vaciando una lata de cerveza en la cabeza del segundo. Desconozco si a causa de ello o no, posteriormente Chas Balun se sumió en un periodo depresivo severo, apartándose del mundillo, abandonando su pasión por el horror extremo y desapareciendo hasta el inesperado anuncio de su fallecimiento unos años después.
Chris Gore y los suyos tenían algo de razón, es innegable. Normal que Buttgereit pretendiera ganarse unos dineros con su obra y la piratería fuese un grano en el culo. Pero donde fallaron, creo yo, fue en las formas. Un mal endémico de nuestros días (como podemos ver diariamente en la asquerosa política). Y no aprendió, porque también con Nick Zedd hubo movida. Del "amor" pasaron al odio mutuo, uno apasionado. ¿Y cómo reaccionó Chris Gore? pues lanzando el rumor de que el cineasta “underground” había muerto, dando salida a un eslogan que se hizo medianamente popular, "Zedd is Dead". Dicen incluso que llegó a inspirar una línea de diálogo en la sobrevalorada "Pulp Fiction" (y podría ser, porque seguro que, entonces, Tarantino se llevaría de maravilla con el emporio "Film Threat").
Ambas publicaciones siguieron a lo suyo, pero la movida con Chas Balun dejó un poso amargo y, opino, marcó a Chris Gore como una especie de rata traidora (a lo que había que sumar la ya oficializada condición de vendido, en crescendo a medida que su revista se apartaba más y más de los preceptos que la hicieron nacer). A partir de aquí, el fanzinismo dedicado al horror comienza a desfallecer y todo lo supuestamente marginal, alternativo y underground alcanza cotas de aceptación y popularidad tan grandes que las corporaciones tochas se interesan en formar parte del mondongo para, así, sacar tajada. Recuerden, son los noventa, con el auge de "Nirvana", el grunge, el nuevo punk encabezado por "Green Day" y el cine indie saliendo de la cloaca de la mano de cineastas como Tarantino y Robert Rodriguez, cuyo enfoque centrando en la violencia y las referencias populares resultaba más vendible que las hasta entonces maneras "artys" y/o autorales propias del cine producido de forma independiente en los Estados Unidos. "Film Threat" se beneficiará de todo ello.

Tal vez el ejemplo más gráfico lo tengamos en el nacimiento del "New York Underground Film Festival", un evento del que principalmente se responsabiliza Todd Phillips, director de "Hated" (el docu sobre G.G.Allin). Están en el lugar adecuado, el momento preciso, y lo exprimen hasta la última gota, logrando éxito, cierto reconocimiento mediático y, por supuesto, que "Film Threat Video Guide" pase como quien dice a ser su publicación oficial. En principio, todo bien. Un año después se hace una segunda edición. Y esta vez llaman la atención varios factores, entre ellos que al festival lo apadrinan sendas marcas de primer nivel. Como digo, lo alternativo, lo underground, está de moda, vende, y las corporaciones se pirran por meter las zarpas. Las voces críticas no tardan nada en hacerse oír, acusándoles de vendidos e incoherentes. Y, como también era norma entonces, los acusados disponen de los discursos perfectamente calculados para justificar sus deslices, restarles importancia (sin duda, los noventa fueron la década de las excusas) e incluso dar la vuelta a la tortilla de modo que los acusantes terminen siendo los villanos. Por supuesto "Film Threat" se pondrá de lado del festival. Pero no acaba ahí la cosa. Todd Phillips, super amigo de Quentin Tarantino, se entera que en esta nueva edición participa un corto titulado "¿Who do you think you´re fooling?" (algo así como "¿A quién piensas que estás engañando / tomando por tonto?") en el que su autor, el fanzinero Mike White, demuestra mediante efecto comparativo algo hoy ya bien sabido, aunque no entonces, el -dicen- plagio que "Reservoir Dogs" supone con respecto a la película asiática "City on fire" de Ringo Lam. Ofuscado, Phillips decide no darle más difusión que la justa. Tampoco lo puede expulsar del evento, porque sería ya el acabose, pero sí interfiere y evita que, cuando los medios hablan de la programación, citen ese cortometraje concreto. En fin, ya ven como las gastaban entonces... y el tiempo acabó de reafirmarlo. El festival chapó tras aquella turbia segunda edición y Phillips se convirtió en un popular realizador de comedias tan comerciales como "Resacón en Las Vengas" para, seguidamente, pasar al pódium de los directores de peso con su super-hit "Joker" (vale, luego la cagó con "Joker 2" pero ¿¿adivinan quien la defendía en su descalabro crítico y comercial?? ¡¡Tarantino!!... no hace falta añadir más).
De mientras, "Film Threat" revolotea entre toda esta herrumbre y chapotea feliz dentro de las apestufantes y contaminadas charcas de la moda "alternativa" de los noventa. Pero nada dura eternamente, y menos una tendencia caprichosa. El globo comienza a desinflarse. Primero palma "Film Threat Video Guide" (en parte porque Dave Williams encuentra un curro mejor pagado en -según sus palabras- "una revista de verdad") y, luego, "Film Threat" chapa por mandato de Larry Flint (y como consecuencia de las ya flojas ventas). Suerte que ocurre en pleno boom de internet como herramienta informativa y, tomando ejemplo de la exitosa web "Ain't It Cool News", Chris Gore convierte "Film Threat" en lo mismo, una página sobre cine destinada a competir con aquella, cuyo fundador, Harry Knowles, es en esos momentos todo un gurú del "nerdismo", "geekismo" o "frikismo". Elijan su etiqueta predilecta. Gordo como una marsopa y en perfecta consonancia con la imagen estereotipada del devoto del cine fantástico, los tebeos y tal, Knowles adquiere tal poder que las productoras, grandes y/o pequeñas, se lo rifan. Con sus críticas es capaz de hundir una película o, por contra, alzarla si le mola. Incluso se marca cameos en sendos films, como el remake de "La matanza de Texas" de 2003, donde vemos su supuesta cabeza decapitada encima de una mesa. Chris Gore se muere de envidia, ¡quiere lograr ese mismo puesto!, ¿y qué hace? lo que cuando su arma arrojadiza se editaba en papel: hurga entre la basura y descubre que Harry Knowles es untado por las productoras para que escriba maravillas sobre sus respectivos estrenos. No tarda ni cinco minutos en denunciarlo. ¿La intención? aplaudible, ¿las maneras?, una vez más algo rastreras. Sea como fuere, el gordo abandona "Ain't It Cool News", actualmente en manos de su hermana. Para más inri, años después será señalado como acosador sexual y eso, hoy día, es peor que matar al Papa de Roma. Así que ya se imaginan el percal.
Destronar al patriarca de la web "geek / nerd / wathever" más popular del momento tampoco beneficiará de ninguna manera llamativa a Chris Gore, quien siguió a lo suyo, superando con mayor o menor dignidad sendos baches. Intenta relanzar "Film Threat" en papel, pero solo da para dos números. La versión web se ve obligada a bajar la persiana. Recurre al "crowdfunding" para regresar como revista, pero no logra el montante necesario. Y, finalmente, reactiva su presencia online con página nueva, cuentas en todas las redes sociales conocidas y, como no, un canal en YouTube en el que parlotea sobre lo de siempre, aunque ahora ya sin complejos ni manías, apostando tanto por el cine independiente como el convencional. Eso sí, el tóxico reguero dejado a su paso por el fandom le ha terminado granjeando una prensa tirando a mala. Si lees entrevistas con fanzineros del periodo, la mayoría no dirán nada bonito de Chris Gore y "Film Threat", una publicación que, no obstante, tuvo su peso en los noventa... y en mi psique, como bien han podido comprobar tras sufrir tan lustrosa chapa.

LA NOCHE DE LOS PSICÓPATAS

Una cría asesina a sus padres metiéndoles veneno para ratas en el desayuno y, de ahí, directa a una institución mental. Pasan los años y su hermana, que la odia, hará todo lo posible por evitar que salga. No obstante, el lugar cierra debido a problemas financieros y la loca es liberada, por lo que se carga a la hermana y la sustituye en su curre como cocinera de la pareja que esa misma noche ha preparado un festejo. Con ayuda de otros dos taraos, la loca secuestra a los invitados y los lleva al manicomio abandonado, donde serán torturados y asesinados entre burlonas y perturbadoras risas.
"La noche de los psicópatas" ("Psycho Girls" en versión original, el plural del título tiene una explicación... pero deberán esperar al desenlace para pillarla) viene fechada en el sagrado 1985 -¡tu otra vez!- y supone el debut en la dirección de cine comercial para Gerard Ciccoritti, personaje que conocería cierto éxito -ni que sea a niveles videocluberos- con su segunda película, "Turno de noche", la del taxista vampiro, que llegó a esputar una secuela. A partir de ahí, Gerard muta en Jerry y pasa a engrosar las filas de los cineastas estancados en la televisión, dirigiendo toda suerte de capítulos para series hasta nuestros días.
Cuando hizo "La noche de los psicópatas" era entusiasta, joven y repleto de energía, tanta como para liarse con una producción ultra-independiente de bajísimo presupuesto rodada en 16mm e intenciones bien claras: epatar. Ya lo hemos visto antes, mil veces. Y aunque el gore y la mala leche no sean extremos, sí están presentes y pueden ofuscar a algunos en las mentadas escenas de tormentos y dolorosas putadas varias. Acompañan unas pocas ubres, dos de ellas -las de Kim Cayer, habitual de comedias "teen" del calibre de "Los Rompecocos"- tremendas... lástima que asomen únicamente durante la escena de su muerte, por lo que, a menos que sean ustedes más enfermos de lo que presupongo, no se disfrutan. También Rose Graham sale fornicando en un polvo sudoroso, aunque el cuerpo realmente pertenece a Linda Ross. El resto del reparto resulta igual de ignoto, salvo el asesino con pinta de Freddy Mercury, interpretado por el futuro taxista vampiro Silvio Oliviero, quien pronto se cambió el nombre a Michael A. Miranda y, desde entonces, no ha parado. Al padre envenenado le da vida el co-productor y co-guionista Michael Bockner, mientras Gerard / Jerry Ciccoritti se marca el rol de pizzero.
Es especialmente llamativo el que, nada más arrancar el film, veamos en una mesa perfectamente dispuestos para su cameo un ejemplar de "Creepy" y, más notorio todavía, otro del legendario fanzine "The Gore Gazette". El efecto peloteante no cumplió su función ya que el editor, Rick Sullivan, jamás escribió una reseña de "La noche de los psicópatas". Por contra, yo sí, y se resume en "Curiosa". Cuesta llegar al final porque le pesa el bul un poco, pero nada que no hayamos experimentado antes en nuesas sufridas retinas.
"Cannon" se encargó de adquirir y distribuir el pifostio, por lo que acá llegó de la mano de, inevitable, "Ízaro Films".

MISTERIO EN LOS CANALES: EL REGRESO (AMSTERDAMNED 2)

Llevaba unos días preguntándome aquello de "¿¿Qué será de Dick Maas, habrá hecho algo recientemente??" cuando, sin comerlo ni beberlo, descubro esta "Misterio en los canales: el regreso" o, mucho mejor, "Amsterdamned 2" dispuesta en plataformas (cof, cof!!) y me embarga una sensación de felicidad a la par que de tristeza. Maas, como buen cineasta de género desacomplejadamente comercial, tira de la táctica recurrente del Hollywood actual y, también, de aquellos "auteurs" en plena etapa crepuscular: nostalgia. Es decir, recupero uno de mis éxitos más sonados del pasado y genero una secuela -muy- tardía. Incluso, si puedo, contaré con los mismos actores -cuanto menos el protagonista-. "La familia Tronada" ya estaba, eso, muy tronada. Y de "El Ascensor" hizo un olvidable remake en 2001 destinado al mercado yanki, pero que no le abrió las puertas de Hollywood tal y como esperaba (aunque por motivos externos). ¿Cuál quedaba?, pues "Amsterdamned, misterio en los canales". Y ya que el protagonista de aquella (y las otras), Huub Stapel, sigue activo y continúa colaborando eventualmente con Maas, fichémoslo de nuevo para interpretar al policía que en 1988 puso fin a las correrías del temible psicópata submarino allá en la capital de los fumetas.
En 2025 Stapel gasta 71 tacos, más o menos, igual que su personaje, Eric. Anda jubilado, no se adapta a los cambios sociales y vive solo. Un día su antiguo jefe le llama porque en Ámsterdam se están cometiendo crímenes muy parecidos a los que él investigó y que si puede venir a echar un cable. Ello provocará, de entrada, el choque con la policía, joven y guapa, investigadora oficial del asunto. Pero, poco a poco -y como dictan los cánones del cine mainstream-, se irán haciendo coleguitas y, juntos y revueltos, detendrán al villano.
Mientras consumía esta película me di cuenta de lo olvidada que tenía la original y pensé que, tal vez, sería lo suyo revisarla para escribir con más conocimiento de causa. Pero luego entendí que, de haber seguido tal táctica, me habría limitado al juego de las comparaciones, y eso no mola. Al evitar la tentación puedo comentar "Amsterdamend 2" "limpio" de interferencias, centrándome de forma exclusiva en sus atributos... si es que los tiene. ¿Y los tiene? mmmmh, no muchos, la verdad.
El film cumple con lo más esencial. Está decentemente parido. Luce bien (aunque el digitalismo chorrea un poco más de lo sanamente recomendable) y se erige como un thriller de manual, elemental, correcto y, en una palabra: Pasable. Se puede consumir un domingo por la tarde. Incluso, de tanto en tanto, darse el gusto de mirar el móvil o pensar en la compra del día siguiente. Desde luego no me molestaría en acudir a un cine, y mucho menos un "Imax" que es donde, lo crean o no, se proyectaba en su país de origen, lanzándose a lo grande. Así pues, asumiendo que alguien tiró de esta última vía, toca deducir que el/la pobre pringado/a percibió sus muchas carencias doblemente... carencias como cierta sosería, falta de garra, brío y una sensación general (y final) de que Dick Maas la aborda con pereza, sin ganas. Se marca una escena de persecución en los canales -porque siendo la peli que es, es lo que toca- correcta por los pelos y cierra el sarao con un desenlace igualmente básico y poco imaginativo, más considerando la pequeña subtrama incorporada, poco explotada y que, parece ser, ganaría protagonismo en una hipotética "Amsterdamned 3". Esa la pillaría con más ganas, desde luego, pero dudo que se haga. Vamos, me sorprendería mucho descubrir que esta desapasionada segunda dosis ha generado tanto dineral como para planteárselo en serio.
Finalmente, lo más mejor es ver a Huub Stapel en acción (no es el único repitiendo de la peli previa, por ejemplo tenemos a su hija en aquella ejerciendo acá de mamá cuarentona), chocando de frente con la Holanda moderna, y gastando unas pintas que recuerda mucho al viejo Alejandro Jodorowsky. Ya, no es una observación muy seria para una reseña, pero resultaba imposible quitármela de la cabeza durante el visionado. Surrealista, ¿verdad?.
¡Ah! y feliz Halloween / Castañada / loquetoque...

BOOTS AND THE PREACHER

Oscuro “hickxploitation” de caracter regional y concebido casi en exclusiva para ser exhibido en autocines de Carolina del Norte, “Boots and the Preacher” es un film dirigido por el que fuera el pupilo más manazas de Herschell Gordon Lewis, J.G. Patterson Jr., quien ayudaba al padrino del gore con el tema de los efectos especiales en alguna que otra película. Patterson debutaría tras las cámaras en el anticlásico “Doctor Gore” para inmediatamente después, en el mismo año 1972, rodar en cuestión de días esta pieza regional sureña, que duró en salas marginales apenas unas semanas para pasar al olvido prácticamente desde el día que se estrenó. Como tras el momento del estreno no interesó a nadie ni fue distribuida en forma alguna, durante décadas se creía una película perdida cuyo material químico no había sobrevivido a una industria torpe y descuidada que no preservaba sus títulos menos rentables.
Se trata de una rara avis dentro del género, porque si bien otros títulos “hick” de corte más o menos sexual de la época se decantaban por la comedia más extrema (“Preacherman” de Albert T. Viola, por ejemplo), esta nos ofrece un thriller "redneck" que pretende mantener al espectador alerta, pero que, en realidad, consigue el efecto contrario, que el espectador se duerma en su butaca. Ahora, eso no le quita cierta gracia a la película. Y es que J.G. Patterson Jr. era un director a grandes rasgos bastante negado que en cualquiera de las tres películas que rodó dejaba entrever ciertos problemas en la narración, la cual no dominaba en absoluto, por lo que no se entiende absolutamente nada. Y es que, a decir verdad, tampoco hay mucho que entender: Un individuo se cuela en una emisora de radio y asesina a sangre fría a una locutora mientras emite en directo. A partir de ahí se desarrollará una investigación por parte de las autoridades competentes que se va diluyendo entre la historia de un cantante country que sirve de excusa para colarnos cada dos por tres un numerito musical con el fin de promocionar al propio artista, y los avatares de un puticlub regentado por una tal Boots que no aporta nada a la trama. Del mismo modo, el predicador (preacher) del título, no es más que un individuo que presenta un programa religioso desde la misma emisora donde la locutora fue asesinada. Por lo demás, tedio absoluto, algo de la inevitable comedia involuntaria propia de estos productos y desasosiego.
Por supuesto, todo el interés que pueda tener esta cinta radica en su condición de rareza, al ser una joya rescatada y restaurada desde el negativo original por Oscar Becher desde la bóveda de, cómo no, la buena gente de "Vinegar Syndrome".
Había constancia por documentos de la hemeroteca de la existencia de esta película, pero ni una sola certeza de que quedara ninguna copia completa cuando, oh sorpresa, alguien en E-Bay, en 2025, vendió unos rollos de 35 mm en una lata cuyo título etiquetado nada tenía que ver con el contenido de lo que venía dentro, que no era otra cosa que esta “Boots and the preacher”. La gente de "Vinegar", por supuesto, la reconstruyó, digitalizó y me imagino que investigaría para saber de qué se trataba, pues lo cierto es que, si bien los créditos iniciales muestran a todo el equipo técnico y "artístico", el título propiamente dicho no aparece por ningún lado, váyanse ustedes a saber por qué. Finalmente fue debidamente adecentada y puesta en circulación desde la estupenda colección “Reviver” de la compañía del vinagre, cuya principal particularidad consiste en cargar un Blu-Ray de películas encontradas sin decir el título de estas ni más detalles, ni en la ficha, ni en la carátula, por lo que el cliente no sabe qué va a comprar y se encuentra con algunas rarezas genuinas, como sobre la que acaban de leer. Y eso está muy bien.
Hay que tener fuerza de voluntad y ganas para sentarse a ver esto, pero nos puede la curiosidad y el entusiasmo ante el celuloide rancio.

HELLHOLE, AGUJERO DEL INFIERNO

"Hellhole, agujero del infierno" es pura explotación facturada nada menos que el sagrado año 1985. Ese tipo de cine hoy día imposible de replicar... salvo si tiras de las maneras poco honestas, excesivas y artificiosas del Tarantino de turno.
Con el fin de recuperar unos documentos incriminatorios (de los que se habla mucho pero nunca vemos, ni se nos aclara del todo el cacao en cuestión), una mamá y su hija son agredidas por un... un... bueno, un imposible punki bigotudo (ya saben como las gastaban entonces). Durante el ataque, la madre palma pero la chavala se salva, perdiendo la memoria en el proceso, por lo que es directamente enviada a un manicomio. El asesino se infiltrará como enfermero (uno que lleva gafas de sol y fuma) con el fin de terminar el trabajo. Aunque este no es el único peligro al que deberá enfrentarse nuestra protagonista. El lugar lo regentan unos médicos que experimentan mortalmente con pacientes rebotonas. Todo ello unificado en un explosivo melodrama hasta las trancas de violencia, destete y algo de cachondeo involuntario (y también aburrimiento).
Como decía, esto es puro "exploitation", uno de grado superior. Ni que decir que el manicomio anda plagado de jovencitas, delgadas y de grandísimas tetas o frondosos felpudos. Vale, también las hay gordas y viejas (bueno, una de cada) pero ya procuran que estén ausentes en las escenas de ducha, peleas o actividades íntimas de dormitorio. Así pues, dispongan del kleenex a mano porque la materia abunda y es generosa. Para los momentos de no paja, pues unas buenas dosis de risas, que también molan. En ese apartado, tal vez mi parte favorita sea el diálogo absurdo entre dos chavalas (despelotadas, por supuesto): "Así curaré mi ninfomanía" comenta una, "Vaya, no sabía que tenías problemas con las drogas" añade la otra. Sublime. También llama la atención que a los dos protagonistas no les cueste nada localizar el agujero del infierno donde se realizan los experimentos y el séquito que inspecciona el lugar en busca de irregularidades sea incapaz. La magia del infra-cine.
Para hacer la experiencia de consumir "Hellhole, agujero del infierno" más regocijante, disponemos de un reparto a la altura. La "cult" Mary Woronov como malísima doctora lesbiana que obtiene placer sexual torturando a sus víctimas. El raro Marjoe R.I.P. Gortner ("Terremoto", "Star Crash: Choque de galaxias", "El alimento de los dioses", "Mausoleum"). Judy Landers ("La prisión de los chiflados", "Armados y Peligrosos", "Dr.Alien"). Un joven Robert Z´Dar en plan fortachón y despiadado segurata. Y, por supuesto, no olvidemos la carnaza. A muchas de las chavalitas que vemos en tetas podemos encontrarlas en tantos otros títulos de naturaleza perversa, aunque si nos centramos en aquellas con mayor protagonismo (y mayor tamaño) destacan la incapaz Edy Williams (ex-chica Russ Meyer... véanla en el "Bad Girls from Mars" de Fred Olen Ray y den sentido al término "vergüenza ajena") y, sorpresivamente, una vista y no vista Dyanne "Ilsa" Thorne en plan loca de los gatos. No se quita la ropa ni cinco minutos. Estaría hasta el -paradójicamente- coño de hacerlo.
El guionista original, Aaron Butler, también escribió el libreto de "Rejas Ardientes". En ambos casos tirando del gracioso e ¿insultante? seudónimo de ¡Vincent Mongol!. No debería sentirse muy orgulloso de sus escarceos con el "exploitation", digo yo.
Entre los productores todo un clásico, Samuel Z. Arkoff, acompañado de su hijo Lou.
Dirige Pierre De Moro, con dos únicas películas previas de corte familiar. Tal vez por eso en algún momento del rodaje tuvieron que buscarle un sustituto, y nadie más adecuado y experimentado en cine turbio que el bueno de Tom DeSimone, famoso ex-realizador porno-gay reconvertido a resignado exploiter con pedigrí gracias a títulos del calibre de "El sexo que habla", "Noche Infernal", "La jungla de cemento", "Motín en el reformatorio de mujeres" o "Angel 3". La cuestión es que no se sabe cuánto dirigió cada uno, pero a nivel oficial el que figura es el amigo Pierre quien, dicho sea de paso, no volvió a parir película alguna.
"Hellhole, agujero del infierno" es mala como un dolor, pero simpática si sabes a lo que te enfrentas y le echas algo de paciencia.

COHEN 87 (LA ISLA DE LOS VIVOS + BEST SELLER)

LA ISLA DE LOS VIVOS: Tercera, tardía y última entrega de la famosa saga del bebé asesino (Ya saben, "Estoy vivo" y "Sigue Vivo") perpetrada, como todas, por el inefable Larry Cohen (en 2009 hubo un remake de la original por parte de otro mindundi. Que no se la recuerde resulta altamente sospechoso).
Aquí, el afligido padre de una de las criaturas convence a las autoridades de que en realidad son inocentes y merecen disfrutar de la vida en lugar de ser cazadas. Se decide pues que habitarán una isla solo para ellas. Todo va bien hasta que, pasados cinco años, una expedición acude al lugar con el fin de estudiar su evolución. Los monstruos han crecido, se han relacionado e incluso parido sus propias crías. Tras la consabida escabechina pondrán rumbo a la civilización donde... en fin, todo se volverá aún más delirante.
Aunque para delirios, los interpretativos de un habitual del clan Cohen, Michael Moriarty (lo lógico es que el padre traumado fuese el mismo de las entregas previas, John P. Ryan, pero por entonces Larry Cohen le debía tanta pasta que no se atrevía a llamarle, mucho menos proponerle un nuevo proyecto), al que el director deja improvisar y soltarse alegremente, sobre todo durante la segunda mitad del film, donde casi parece otro personaje (uno muy irritante y estúpido al que no querrías a tu lado) si lo comparamos con sus intervenciones previa y posterior, mucho más comedidas y dramáticas. ¿Afecta ello al film? No demasiado. En realidad tenía muy pocas esperanzas cuando me senté frente a "La isla de los vivos" (no lo hacía desde mi primera vez, con resultados altamente decepcionantes, cortesía del vídeo-club y "Warner Home Video") y, sin embargo, lo pasé bastante bien y, en fin, me funcionó. Larry Cohen pone toda la carne en el asador y aplica su incontestable capacidad de -haciendo otra metáfora alimenticia- dar la vuelta a la tortilla hasta tropecientas veces, logrando que el petate quede razonablemente imprevisible, nunca sepas muy bien por donde te llevará y con qué te descolocará, evitando así el inmisericorde aburrimiento que, sin dudarlo, habría sido en manos de cualquier otro cineasta.
No esperen altas dosis de sexo y violencia, porque no. De lo primero, prácticamente nada. De lo segundo, en sus justas dosis. Los efectos especiales se resuelven como buenamente pueden. A ratos los bebés son puro stop-motion y, a otros, tíos disfrazados. Pero eso es lo de menos, como digo el fuerte de Cohen son las letras y las exprime para compensar todas las carencias propias de un montante ajustado.
Sí hay ciertas cosas que llaman la atención, desde luego. Por ejemplo, la escena de introducción, con el crudo parto dentro de un taxi. Volveremos a verla no mucho después en la quinta aventura de "Harry Callahan" -"La lista negra"- como una de las terribles películas que firma el personaje de "Peter Swan". También hay helicópteros que estallan en medio del aire solo porque el piloto es atacado por uno de los monstruos bebé. Y un club punk la mar de hilarante, donde suenan dos coplas medianamente decentes -de autoría desconocida- y vemos nada menos que a Dawn Wildsmith, entonces pareja y musa de Fred Olen Ray, y a Gladys Portuguese, futura Doña Van Damme, luciendo ambas pintas de esas ridículas propias del que confunde punk con new wave y goticismo, otorgando a tan extraña mutación la capacidad de expandir la maldad injustificadamente, porque así es como debía ser entonces.
El reparto principal está a la altura de una empresa tan medianamente marciana. Karen Black interpreta a la madre del monstruo. Gerrit Graham (RIP) es un fiscal que se pirra por exterminar a los bebés. Laurene Landon una prostituta que ejerce con camisón -adelantándose a algo muy común en el cine actual-. Desconozco si entonces todavía era pareja de Larry Cohen, lo que daría sentido al dato. La guinda la pone papelito para el famoso director y guionista de comedia, Neal Israel, medio-oculto tras el alias de Neal Isreal.
BEST SELLER: El mismo año que Larry Cohen dirigía "La isla de los vivos", 1987, se estrenaba este thriller de John ("El ex-preso de Corea", "Encerrado", "Buscando Justicia", "Juego Mortal") Flynn basado en un guion de aquel. Y se nota su mano, ya lo creo, jugando con sendas ambigüedades que le dan al todo cierta frescura y razonable originalidad. Aquí la cosa va de un policía que, paralelamente y a raíz de una mala experiencia, muta en novelista de éxito. Un día se le aproxima un tipo con intención de protagonizar su siguiente obra ya que, explica, fue el despiadado sicario de un ahora famoso, respetado y poderoso gerifalte de una gran corporación al que desea desenmascarar y/o eliminar. La mitad de la película se centrará en los intentos que hace el asesino por convencer al poli/novelista de que dice la verdad y las consecuencias de todo ello cuando el magnate de doble cara se entere y decida pararles los pies.
Bien, a la simple y cruda realidad de que estamos ante un thriller intenso, sobrio, vibrante, muy de su época y perfectamente consumible, hay que incorporar -como virtud extra- las ya mentadas, aplaudidas y siempre admiradas -por mi- capacidades de Cohen a la hora de romper ciertos esquemas. En "Best Seller" el sicario es retratado en toda su humanidad (cuando visita a su familia) y casi como un auténtico héroe justiciero (sobre todo el clímax final), a la par que nos muestran lo hijoputa y despiadado que puede llegar a ser en secuencias de las que únicamente es testigo el espectador. El poli protagonista nunca tiene noticia de ellas, ni las tendrá a lo largo del metraje.
Completan el cuadro actorazos tan únicos y carismáticos como Brian Dennehy (poli/escritor), James Woods (asesino) y sendos segundones perfectamente reconocibles del calibre de Paul Shenar (luciendo la maravillosa voz de Constantino Romero), Charles ("El legado del diablo") Tyner, el todoterreno Branscombe Richmond o Mark Venturini (cabecilla de los punks en "El regreso de los muertos vivientes" y demente con malas pulgas en el quinto "Viernes 13").

THE HUNGER, EL LADO SALVAJE DEL DESEO

Originalmente, "The Hunger" era una serie comandada por los hermanos Ridley y Tony Scott. Su loable intención consistía en producir capítulos de terror destinado a un público adulto, sobre todo porque mucho de ello giraba en torno al erotismo. Hoy es algo más normal, pero en 1997 desde luego se trataba de una tarea arriesgada y novedosa. Tal vez por ello tampoco funcionó estratosféricamente, ni dejó una huella indeleble. Aunque, cuanto menos, contó con dos temporadas. En la primera el, por así decirlo, "Guardián de la Cripta" de cada capítulo era Terence Stamp (con unas "cápsulas" que aturden a base de excesos estilísticos videocliperos). En la segunda le sustituyó nada menos que David Bowie, lo que creaba un vínculo más evidente entre "The Hunger" serie y "The Hunger" película o, tal y como se llamó en España, "El Ansia". Muchos son los que no se explican por qué Tony Scott se decantó por el título de su propio largometraje para bautizar un producto televisivo en principio sin relación, desde luego no narrativamente. Sin embargo, bien mirado, sí hay un cordón umbilical -más allá de la presencia de Bowie- y consiste en las maneras, ese terror adulto "bonito" basado, como decía, en el deseo, el sexo, la pasión como elemento que consume, destruye y/o mata.
Pero no nos pongamos "profusdos", que todavía no he desayunado. La cuestión acá es que, por alguna razón desconocida, "The Hunger" -serie- a España primero llegó como largometraje compilador destinado a las salas de cine, que es donde yo la vi. Los motivos, aluego. Quedémonos con el hecho de que "Manga Films", su distribuidora, decidió rebautizarla como leen al encabezamiento. Y que unos años después, por fin, se atrevieron a lanzar el resto (lo que quedaba de la primera temporada y toda la segunda) vía formato dvd. De este modo, el film destinado a salas recogía los tres primeros capítulos de la primera temporada, que son los siguientes:
"Las espadas" cuenta la historia de una bella mujer (Amanda Ryan) destinada a no palmar nunca por mucho que le atraviesen el torso con una afilada espada. Protagoniza un espectáculo al que acude un yuppie ex-drogata (Balthazar Getty) que se pirra por tirarse a la muchacha, y lo consigue. Ella se enamora como una tonta, lo que, inevitablemente, dará pie al drama de rigor. Completa lo interesante del reparto el siempre eficaz Timothy Spall. Dirige Tony Scott himself.
La historia que suma dos llama la atención por varios factores. Primero, el título, "Menage a Trois". Después el director, Jake Scott, hijo de Ridley. Enchufe total. Y finalmente el reparto, encabezado por un joven Daniel "James Bond" Craig, seguido de la mítica Karen Black, la bella Lena Heady y un fugaz Joason Flemyng con algunos quilos de más. La cosa va de una vieja algo excéntrica cuidada por una enfermera recién llegada. Esta y el chapuzas del lugar comenzarán un tórrido romance... pero tiene truco, y no uno bonito.
"Menage a Trois" vendría a ser la más "thriller psicológico" del pack, por eso para la siguiente y tercera el cuerpo pedía género, terror puro, incluso gran guiñol. Y esta fue, justamente, la que me convenció para acudir al cine. Las críticas la destacaban especialmente por su delirio, incluso su lado risible. Y aunque nunca he confiado mucho en los gacetilleros (y menos los de la prensa de los noventa, cuando todos querían ser el más "cool" de la clase) me dije "Venga, vamos a probar". Y no, no es para tanto. Ya les decía. Pero bueno, cierto que "Necros" -así se titula- sería la más tradicional en cuanto a elemento horrorífico. No en balde está inspirada en un relato del escritor lovecraftiano Brian Lumley (ver anexo inferior). Y presenta una diabla con lengua quilométrica, rabo y que absorbe la energía vital de sus amantes hasta convertirlos en.... en.... en algo que merece verse. Dirige Russell Mulcahy, de cuando comenzaba ya a adentrarse en terrenos pantanosos. La única cara conocida del reparto es la de Leonardo Cimino, que hemos visto en chorromil películas. Algunos le recordarán como el "temible alemán" luego buen tipo de "Una pandilla alucinante". Aunque vale la pena mencionar también a la fémina, la gabacha Céline Bonnier, sin problemas a la hora de despelotarse completamente. Es decir, todas las actrices de la película salen en tetas (cosa que, viendo como anda el panorama, con señoritas luciendo decente sujetador a la hora de echar un caliqueño, es gustoso no... lo siguiente), pero Bonnier, de atractivo peculiar, es la más generosa.
Lo que queda es... pues una cosa medianamente entretenida y consumible, pero desde luego nada memorable. Sobre todo porque, si lo miras detenidamente, te darás cuenta que tras todo ese destete y esos contraluces y humaredas tan bonitas lo que queda, es decir, la narración, es de lo más tonta, elemental y poco original. Todas las tramas son muy previsibles y trilladas aunque, supongo, es el cómo vienen presentadas en imágenes donde estaría la gracia... digo yo.
Imposible resistirse a mencionar que cuando "The Hunger, el lado salvaje del deseo" fue editada a posteriori en Blu-Ray, los distribuidores exprimieron la presencia del entonces ya famoso Daniel Craig, hasta el punto de convertirlo casi en el único protagonista (en algunos casos incluso como imagen central de la carátula). Así mismo, mientras en el dvd se tiraba sutilmente de los dos hermanos Scott en plan gancho, sin especificar del todo bien su función y haciendo desaparecer a Mulcahy y al hijo de Ridley, para el Blu-Ray les otorgan directamente la película como totalmente de su autoría. Una indecorosa práctica por entonces ya algo olvidada pero, afortunadamente, no del todo muerta.
Anexo: El caprichoso pero, ocasionalmente, agradecido destino ha querido que disponga entre mis posesiones del relato impreso de Brian Lumley que inspira el capítulo titulado igual, "Necros". Cuando hace ya unos cuantos años, metido de lleno en mi recuperación de la obra de Richard Laymon, me hice con varios libros de la colección "Super Terror" de Martínez Roca, uno resultó ser la novena entrega de su famosa antología "Las mejores historias de terror". La pillé por meros motivos nostálgicos, sin genuina intención de consumirla. Hasta que, tras una breve búsqueda, descubrí que "Necros" formaba parte del contenido, así que me animé a leerlo, por aquello de la comparativa y la curiosidad. Bien, debo decir que el parecido es meramente superficial. La obra de Lumley y la de Mulcahy comparten la trama de base, el pipiolo que se encapricha de una misteriosa dama -de ciertas tendencias vampíricas- casada con un anciano, pero en lo demás no podrían ser más diferentes. Mientras el relato se decanta por sugerir de forma sobria y contenida, el producto audiovisual apuesta por el delirio de látex y sendas ideas descabelladas -y tetas-. Digamos que, si yo fuese Brian Lumley, me cabrearía el modo en que los cineastas convierten mi elegante historia en un perfecto gran guiñol a base de excesos. Por contra, el escritor nunca quiso pronunciarse al respecto.

ROCK STAR

“Rock Star”, con su extraño título castellano que nada tiene que ver con el original, “Light of day”, es un dramón familiar plano y telefilmesco cuya principal característica es que puede hacer morir de aburrimiento al espectador.
Cuenta la historia de dos hermanos, Patti y Joe, que tocan en una banda de rock local, pero que, lejos del glamour y el lujo con los que se suele asociar a los músicos, viven prácticamente en la miseria. Ella es madre soltera de padre anónimo y él mantiene a su hermana y sobrino con el sueldo que recibe como operario de fábrica. Por otro lado, Patti tiene una serie de deudas que Joe se empeñará en pagar, pidiendo un préstamo a la madre de ambos, una señora anglicana muy religiosa, que está un poco hasta las narices de Patti. Joe se encargará de cuidar del hijo de esta ante su irresponsabilidad y, entre tanto, salen y entran de grupos musicales sin que ello sirva de nada.
Paul Schrader, que escribió el guion de “Taxi Driver”, también escribió este dramón insulso y lúgubre en el que nada tiene el suficiente interés como para que mantengamos los ojos en la pantalla y nuestra atención se desvía a la mínima porque el vuelo de una mosca tiene más chicha que la historia que aquí nos cuentan. Y es que Schrader es un guionista/director de lo más irregular que en su carrera ha intercalado películas francamente buenas con otras, como esta, más flojas de lo normal.
El film en un principio fue escrito para ser interpretado por Bruce Springsteen, que por aquel entonces estaba planteándose dar el salto al cine. Recibió el guión, rechazó la propuesta y desechó la idea de dedicarse a actor, pero al menos compuso el tema principal de la película que asimismo es uno de los que lleva habitualmente en su repertorio en directo y, al contrario que esta, fue exitosa.
Por otro lado, tenemos a Michael J. Fox en su momento de mayor esplendor tras protagonizar “Regreso al futuro” y con ganas de afrontar papeles dramáticos. Este le venía como polla al culo porque, además, J. Fox sabía tocar la guitarra y andaba por ahí con su banda haciendo pequeños bolos. No fue hasta que el actor aceptó el guion que se dio luz verde a este proyecto.
También tenemos a Joan Jett, vocalista de "The Runaways" que fue elegida para protagonizar esta cinta por su genuina condición de estrella del rock, pero resultó ser una actriz espantosa según las propias palabras de Paul Schrader quien dice que no fue una decisión de casting adecuada. Tampoco le pareció que J. Fox lo hiciese bien y, en definitiva, también se quejaba de la manera en la que había dirigido él. Solo tuvo buenas palabras para Gena Rowlands que, como de costumbre, hace aquí de una madre atormentada, devota y asqueada de la vida, uno de esos roles en los que tan a gusto se sentía ella.
Un auténtico rollazo que, como es lógico, supuso un fracaso de taquilla que a nuestro país llegó directamente a vídeo de alquiler de la mano de "Record Visión" con ese título engañoso que motivó, junto al gancho que suponía Michael J. Fox, alquileres por doquier.

MIEDO PUNTO COM

Podemos decir, sin excesiva temeridad, que en el 2002 internet todavía era algo lo medianamente excitante y exótico como para que una película construyera toda su trama en torno a una página web maldita, de contenido totalmente sórdido, en la que un tarado transmite sus crímenes formato online. Si te haces cliente habitual, terminarás palmando (¡hola "The Ring"!) tras sufrir una serie de alucinaciones en torno a tus miedos más atávicos, acompañados por la ya recurrente aparición de una cría siniestra de blanco nuclear jugando con una pelotita. Un poli atormentado y su interés amoroso investigarán, se implicarán y solucionarán el entuerto.
Desde entonces se han hecho más largometrajes en torno a los peligros ocultos en la world wide web, pero "Miedo Punto Com" tiene una cualidad extra, y no es su condición de posible pionera (habría que estudiarlo y como que no me apetece), sino el hecho de quien la firma, William Malone, cineasta iniciado en el campo del bajo presupuesto con "Scared to Death" o "Creature" que logró internarse en cierto mainstream, ganándose un inexplicable estatus de "Master of Horror", especialmente cuando fue fichado por Mick Garris para formar parte del séquito de nombres ilustres asociados a aquella serie. La verdad, no me lo explico. Malone tendrá muchas cosas, pero lo de "Master of Horror" le viene así como muy grande. Básicamente porque él, sufriendo de "efectismitis" como sufría, contribuyó a que el género de nuesos amores (aunque cada vez me cueste más soltar tal afirmación) viviera sus peores momentos entre los noventa y los primeros dosmiles. De cuando los cineastas responsables olvidaron una cosa esencial: que el cine de terror debería dar miedo, y no sobrealimentarlo a base de sustos baratos y estilismos descontrolados.
¿No me creen? Pues sepan ustedes que Malone venía de rodar una de las peores piezas de su época, el remake de "House on Haunted Hill" para la compañía que, en términos generales, hirió de muerte al terror, "Dark Castle" (no en balde comandada por varios gerifaltes tochos de Hollywood con su visión deformada del asunto). La especialidad de Malone consistía en sobresaturar nuestros sentidos a base de luces estroboscópicas, montaje metralleta compuesto de supuestas imágenes "shock", cámara rápida a ráfagas, fogonazos, sobreexposición, lentes deformantes, y todo aquello que pudiera empujarnos al suicidio voluntario (o al ataque epiléptico indeseado), coronado por un fin de fiesta igualmente excesivo, verbenero, ruidoso y que te sacaba de la película mediante patada en el bul (si es que no estabas ya fuera desde hacía rato).
Y todo eso luce fantásticamente en "Miedo Punto Com". Lo triste es que arranca bien, presentando un misterio intrigante. Pero en cuanto comienzan las pesquisas, todo se va volviendo chaposo y desasosegante (en el peor sentido). Da la sensación que William Malone y su guionista (curiosamente una dama, Josephine Coyle. Figura como única culpable -sobre una "story" de Moshe Diamant-, aunque en algunos lugares pongan en tal cargo hasta tres personas. Doña Coyle no se ha prodigado nada en el campo del escribismo cinematográfico y antes únicamente había firmado una peli romántica con pinta razonablemente poco atractiva, "La balada del ruiseñor") no sepan muy bien por donde tirar, por qué decantarse. Tenemos asesino chungo a lo "Seven"/"Se7en" (otra notable influencia), tenemos, como decía, página web encantada y tenemos fantasma vengador, ¿el resultado? un batiburrillo indigesto rociado además con inadecuado y todavía algo fangoso CGI.
¿"Miedo Punto Com" un blanco fácil? Es probable. Pero mi intención era genuinamente redentora. Volver a verla desde la lejana primera insatisfactoria ocasión en busca de una segunda oportunidad. Pos no, esto es insalvable. Un chuzo épico y un modo de hacer cine que, por fortuna, ya ha dejado de practicarse.
Redondean el redondel las interpretaciones de Stephen Dorff, una bellísima Natascha McElhone (venía de títulos de solera como "La sombra del diablo", "El show de Truman" o "Ronin" y, básicamente, a raíz de esto su carrera se internó en parajes algo más tenebrosos), un actor británico haciendo de villano -para no perder las costumbres- (ya saben como las gastan los yankis), Stephen Rea, + la aparición de dos figuras de puro culto, Jeffrey Combs y un casi visto/novisto Udo Kier. Hablando de alemanes, si toda la película es ya de por sí profundamente agónica, encima tiran de esa tendencia tan en boga entonces a base de siniestrismo de saldo y matraca falsamente alternativa, destacando la presencia en la banda sonora de un grupo al que odio, "Rammstein". Aunque, seguramente, odie más a aquellos que les adoran, incapaces de rastrear de donde plagiaron sus maneras semejantes chorizos pelacañas.

EL MARAVILLOSO MUNDO DE LOS HERMANOS GRIMM

¡Ojocuidao, que nos enfrentamos a una de las películas de mi infancia! Lo triste es que siempre me olvido de ella cuando cito mi escuetísima lista de material añejo predilecto. Y debería estar, por dos motivos. Uno, lleva la firma del gran George Pal, a quien debo, esta sí, uno de los títulos estandarte en mi top ten personal, "El tiempo en sus manos", y dos, una recientísima revisión que ha terminado de confirmar lo muy mucho que me gusta.
Parida en 1962 y exhibida -que no rodada- mediante Cinerama, un formato inventado originalmente diez años antes con el fin de combatir al entonces fuerte tirón de la televisión. No son pocos los momentos en los que sus artificies, muy conscientemente, fabrican impactantes secuencias de puro lucimiento para el juguete. Seguro que hubo unos cuantos espectadores echando la pota en los lavabos del cine. Hay quien casi se centra en este aspecto cuando habla de "El maravilloso mundo de los hermanos Grimm" y es algo injusto, porque sí, luce curioso y en ocasiones espectacular, pero por encima quedan sus otros muchos, muchísimos valores, estéticos y narrativos. Básicamente la peli nos cuenta cómo los hermanos Grimm... perdón, comienzo de nuevo, básicamente nos cuenta cómo UNO de los hermanos Grimm, Wilhelm, era continuamente vilipendiado y reprendido por ser un soñador, un niño-adulto obsesionado en recuperar y recolectar en tomos los cuentos populares de la época, al lado de los estudios sesudos y aburridos de su recto hermano. La eterna historieta de cómo la sociedad castiga a aquellos que se niegan a formar parte de su mortecino y frío engranaje. Finalmente, y tras mucho esfuerzo, Wilhelm logrará su sueño y recibirá justos honores (se podría discutir cuanto de "autoral" hay en la simple recolección de narrativas populares... pero no seamos tan quisquillosos, seguro que los Grimm aportaron también creatividad propia al asunto). Todo ello mostrado a base de hermosos escenarios, suntuosa ambientación de época (la diseñadora de vestuario se llevó un merecido Oscar por su labor)... en fin, a las maneras del Hollywood más desatado. No obstante, y aunque esta parte está muy bien y es un rato amena, donde "El maravilloso mundo de los hermanos Grimm" brilla como el diamante es cuando se escenifican, a modo de cortometraje, tres de los cuentos explicados durante la trama, "The Dancing Princess", "The Cobbler and the Elves" y "The Singing Bone" (no oso traducirlos al castellano pues, según he mirado, varían mucho). ¡Ah, amigo! Hablamos de pequeñas obras maestras en sí mismas. ¿Saben lo más chulo de todo? Que mientras las partes situadas en el mundo real las dirige Henry Levin, George Pal se responsabiliza única y exclusivamente de poner en imágenes los cuentos de hadas. Eso dice mucho del gran y viejo Georgie. Y es ahí, en el mundo de la fantasía, donde el talento y la pasión le chorrean, ¿por qué? porque está en su puro y total elemento. ¿Por dónde empiezo? Primero el tono, por supuesto mucho más voluntariamente cómico y un pelo absurdo que el resto del material, con efectos de sonido casi de dibujo animado y unos -efectos- especiales ma-ra-vi-llo-sos. Pura artesanía. Una que no oculta su condición de cartón piedra como parte del "chiste". Destacan en ese sentido el dragón del cuento del final (no podría ser más irreal, sobre todo por ese fuego que escupe a base de puro pincel... y cuyo rugido recicla aquel esputado por los "Morlocks" dos años antes... si no saben de qué hablo, son ustedes indignos) y los duendes de la historia intermedia. ¡¡¡AAAAAAAY!!! ¡¡yo quiero esos muñecos!!. Los adoro. Es mi parte favorita de la peli (y eso que la del dragón también me encandila), la que descorcha escalofríos de emoción en mi espinazo y lágrimas de felicidad (y nostalgia). Sobre todo por la alegre, divertida y pegadiza copla que canturrean. De antología. Me hacía soñar de crío y sigue funcionándome igual de bien (o mejor) a día de hoy, arrugado, sin muelas y camino de la calvicie más cruel. Solo por esa parte merece verse la peli entera, pero no nos engañemos, esto es una DELICIA de principio a fin. Altamente recomendable. Y obligatoria. Si tuviese hijos pequeños que se negaran a ver "El maravilloso mundo de los hermanos Grimm", los ataría a sus respectivas sillas situadas frente al televisor, rematándolo con un buen par de collejas.

¡OH, CIELOS!

Cuando hoy se habla de Ricardo Franco —sobrino de Jess Franco, para más datos— se habla de una especie de genio maldito, del director de una "obra maestra" como “La buena estrella”, que nos abandonó en trágicas circunstancias menos de un año después de aquella, durante el rodaje de “Lágrimas negras”, la cual dejó inconclusa, siendo completada por Fernando Bauluz en la versión que nos llegó a los cines. Pero la verdad pura es que “La buena estrella” es una película que se mantiene mejor en el recuerdo que en la revisión y que Franco es, más que un genio maldito, un director irregular que efectivamente dejó una de las películas clave del cine español moderno, pero también cosas un tanto bizarras como “Berlín Blues” o, sobre todo, esta “¡Oh, cielos!”, de la que poco se habla por razones obvias. Podría hacer una apuesta alta y no perder cuando afirmo que puede que sea una de las peores comedias del cine español.
Y es que, exhausto tras el trabajo que le había costado a Franco desarrollar el documental “Después de tantos años” (que no es otra cosa que una secuela de “El desencanto”), contando la vida de los Panero, decidió abordar su siguiente trabajo con ligereza y, en vez de meterse en una cosa complicada, se atreve con una comedia, como si fuera este un género fácil y que pudiera abordar cualquiera. Asimismo, lo tenía bastante fácil porque el guion de “¡Oh, cielos!” venía firmado nada menos que por genios de la escritura de comedia de los 90 como puedan ser Yolanda García Serrano, Joaquín Oristrell y Juan Luis Iborra.
Con esa ligereza y con un reparto encabezado por El Gran Wyoming, Ana Álvarez y Jesús Bonilla, se rueda un disparate de bajísimo presupuesto, sin pies ni cabeza, que encima explota un argumento de lo más manido, como es el del tipo muerto de manera accidental que llega al cielo y allí le devuelven a la tierra para que complete algún fin noble (sin ir más lejos, lo mismo que en “Tal para cual”). Así, tenemos a un rudo publicista traumado por el abandono de su mujer, junto a la que obtenía excelentes resultados en la empresa para la que trabaja, que es asesinado de un tiro por un antiguo compañero al que había estafado. De esta manera, llega al cielo y allí dios le devuelve a la tierra a cambio de que realice una campaña a favor de los valores de la familia tradicional. Del mismo modo se sucederán las (supuestas) situaciones cómicas que harán al público pasar un rato “divertido”.
El desasosiego que supone sentarse frente a esta película es difícil de explicar. No solo es ampliamente aburrida, sino que además está rodada con total torpeza y no se entiende nada en un argumento que, en principio, es más sencillo que el mecanismo de un peine. Un horror. Como película, la nada más absoluta.
Puntos positivos: El Gran Wyoming, Jesús Bonilla e incluso Ana Álvarez están todos bastante bien en sus roles, no hay malas interpretaciones y, en general, se limitan a hacer lo suyo con solvencia. Les secundan Ángel de Andrés -mejor que en el “Taxi” de Carlos Saura, donde estaba terrible-, Angela Molina y Santiago Ramos. Todos cumplen con corrección. Además, supone la última intervención de Rafaela Aparicio en una película, que, sentada en un trono, interpreta a dios como solo podía interpretarlo Rafaela Aparicio, después de más de un centenar de papeles para el cine y no sé cuántos para el teatro. Quedó su intervención cómica como legado, abandonándonos poco después, en 1996, a los 90 años de edad, víctima de una trombosis cerebral que se llevó a una de las más grandes actrices de la historia del cine español y a una de las más destacadas cómicas.
Entonces, si a nivel actoral el film que nos ocupa está bien, ¿qué es lo que falla? Absolutamente todo lo demás, esto es, guion, dirección, cinematografía, banda sonora, si me apuran, las partes dobladas, ritmo, planificación, títulos de crédito e incluso la canción inicial interpretada por el propio Wyoming, donde él, que no sabe cantar como ya demostró con su disco junto al Maestro Reverendo, se marca una tonadilla que tampoco funciona. Un desastre.
La poca crítica que se dignó en prestar atención a "¡Oh, cielos!" se cebó con Ricardo Franco, que hasta entonces era un director del montón y tampoco muy destacable. Pero esto fue un revulsivo para que, en menos de un año, se pusiera manos a la obra con la película por la que será recordado, que, como ya he dicho antes, es la cuestionable “La buena estrella”, todo un éxito de crítica y público.
Como era de suponer, la reseñada resultó un fracaso en salas, con poco más de 50.000 espectadores, según el Ministerio de Cultura (muchos me parecen). Fue distribuida por "Columbia Pictures" en salas y en vídeo de alquiler lo hizo a través de "Columbia TriStar Home Video". Material de "major". Sin embargo, cuando años después fue editada en DVD para su venta directa, fue "Filmax" quien se encargó de una edición que, con suerte y si les interesa, podrán encontrar en algún portal de venta de películas de segunda mano.

ÁNGEL DE VENGANZA

Estamos en el Nueva York del año 1981, así que ya conocen los elementos con los que contamos: una ciudad degradada con un índice de criminalidad descontrolado y calles llenas de mierda. Ante semejante panorama, no es de extrañar que la pobre chavala protagonista de este drama cruento, que además de un poco retraída es muda (rarita Zoë Lund), reciba la visita el mismo día, y con apenas minutos de diferencia, de dos asaltantes que la fuerzan sexualmente. Al segundo logra cargárselo y hacerse con su pistola, una que, visto lo visto, dispone de munición infinita. A causa del trauma, la muchacha coge un asco incontrolado a cualquier espécimen humano que disponga de colgajo entre las piernas y, aunque de primeras se dedica a matar a aquellos que lo merecen (chuloputas, ligones infieles, acosadores...), luego, y a la vez que le pilla gusto (mutación producida de un día para otro), también se aficiona a cepillarse a los que, así de entrada y en apariencia, no han hecho nada... únicamente nacen con la testosterona descontrolada. Maldita madre naturaleza, ¡¿por qué, por qué nos dotaste con el don, y la obligación, de esputar la semillita dentro de una vagina, aka las puertas del infierno??.
Es muy fácil caer en dos trampas a la hora de hablar de "Ángel de venganza" (título españolo -no confundir con este otro- para el mucho más molón "Ms.45", "Señora 45"), segundo largometraje del, a veces interesante, a veces detestable, Abel Ferrara -interpretando además al primero de los dos violadores, ¡¡que hijoputa!!- tras decepcionar a medio fandom con "El asesino del taladro" (curiosa, pero poco más). Primero, calificarla de "exploitation" de "El justiciero de la ciudad". O película de justicieros estándar. Hombre, algo hay, sí, PERO para nada hablamos acá de un caso flagrante. De hecho, si yo fuese un crítico de cine serio y sesudo (y no soy nada de las tres cosas), diría que "Ángel de venganza" subvierte los esquemas de esa clase de productos. Para empezar, como digo, no todas las víctimas se han ganado ser aniquiladas (por mucha feminazi ahí fuera que opine lo contrario), una incluso decide quitarse la vida por propia voluntad. Y la protagonista poco tiene de heroica, especialmente con respecto a su destino. El otro error común -tal y como yo lo veo- es encasquetarle el sello de feminista. ¿De verdad?. Vale que en estos tiempos que corren la gente vitorea y aplaude una película en la que una tía revienta a mil machos hasta dejarlos hechos picadillo. Y si, siendo hembra, vas por ahí pregonando tu absoluto odio por el sexo opuesto, nadie te señalará con un dedo acusador. Al contrario, lo aceptarán de buen grado con una sonrisa cómplice. Pero las capas de "Ángel de venganza" son muchas más, y algo más profundas. Es demasiado trágica para "disfrutarla". Y, después de todo, el director y el guionista son dos hombres. ¿De verdad el feminismo acepta que sean un par de penes los que firmen el supuesto título estandarte / decálogo -ochentero, al menos- de su causa? Más sabiendo que, como contaba el mismo Abel Ferrara en entrevistas, cuando le ficharon como director para sendos capítulos de "Corrupción en Miami", él y el respectivo productor acompañaban la charleta con dos señoras putas debajo de la mesa succionando sus respectivos falos. Mmmmmh.
Independientemente de todos estos tejemanejes, y todas estas cuchufleteces, ciñéndonos a "Ángel de venganza" como película, como producto de entretenimiento, la verdad es que funciona. Y muy bien. Pasa volando, tiene sus momentos de intensidad, sus leves sorpresas y un clímax final sensacional situado en una fiesta de disfraces que, por efecto de la cámara lenta y una música tan rallante como maravillosa (implacables esos "golpes de saxo"), se vuelve casi el mismísimo purgatorio.
Muy recomendable.

RE-ANIMATOR 2 (METAMORPHOSIS)

Ya de entrada, esta película cuenta con dos inconvenientes notables. Por un lado, el haber sido facturada durante los años grises del exploitation italiano, concretamente 1989/90. Lo he explicado antes, de cómo esta clase de cine cafre, colorido, sexy e hiper-violento, se fue volviendo más y más insípido, mojigato y telefílmico a medida que nos alejábamos de los ochenta. Por otro, que llegara a España con el falso título con el que llegó y ese pedazo de cartel maravilloso según las incontestables capacidades de E.Sciotti. Muchos ríen entre dientes cuando recuerdan la existencia del falso "Terminator 2" ("Shocking Dark" en v.o.) descaradamente editado en su día por "Century International Films". Lo que pocos parecen recordar es que esa misma compañía fue la culpable del caso que ahora nos ocupa. De hecho, ambas llegaron a los estantes de los vídeo-clubs prácticamente juntas, pero supongo que, por cuestiones de popularidad, fue la otra la que dejó huella. Como tantos (y tontos) otros alquilé "Re-Animator 2 (Metamorphosis)", perfectamente consciente de lo que era en realidad, por supuesto, sabiendo que producía Aristide Massaccesi desde su flamante "Filmirage" y dirigía + guionizaba el legendario, y recientemente fallecido, Luigi Montefiori, es decir, George Eastman (que para la ocasión firma G.L.Eastman). No era la primera vez que el normalmente actor se sentaba en la silla de director (lo hizo durante la confección de "2020 Los rangers de Texas", aunque por trifulcas varias y no firmara en los créditos), pero sí de modo oficial, oficioso e ignominioso. Nunca reincidiría, lo que tampoco sorprende viendo el resultado. ¿Normal? Pues no, porque ya saben lo mucho que suelo reivindicar la trayectoria como escribiente de Montefiori. Suyos fueron los libretos de "Gomia, terror en el mar Egeo" y, especialmente, "Aquarius", ¿necesitan más ejemplos?. Sin embargo, con "Re-Animator 2 (Metamorphosis)" no estuvo muy afinado, la verdad. Es una película cuya existencia carece de todo sentido. ¿Para qué demonios se hizo? Quiero decir, no tiene NADA. Es plana, sosa, con unas dosis de sexo y violencia muy escasas (¿y qué le queda al exploit italiano si le quitas ello? los títulos que se sostienen sin tales adornos pueden contarse con los dedos de la mano de un manco) y, en fin, no sé, cero interés en cuanto a lo que narra.
¿Y qué narra? Pues un científico guapo (con retirada a Christopher Reeve) y ambicioso cree descubrir cómo detener el envejecimiento. Los señores del dineral exigen resultados, así, ante la presión, se usa a sí mismo como conejillo de indias... y lo que de entrada parece todo un éxito, poco a poco va convirtiéndole en un monstruo pre-prehistórico medianamente reptiliano especialmente feliz cuando asesina mujeres y/o mujerzuelas.
Más que a "Re-Animator", esto retrotrae a "La Mosca" de Cronenberg. Incluso un poco a "Viaje alucinante al fondo de la mente", si lo quieren. En cualquier caso, como decía, todo gasta ese aire tan moribundo. Sí, ok, tiene sus mediocres efectos especiales (ojo al bicho del final) y tal, pero que no, macho. Soportable únicamente si le echas voluntad por el cariño que puedan generarte sus artífices (incluida Laura Gemser, encargada del vestuario y que se marca un papelito como prostituta machacada). Lamentable final (otro) para el exploitation ítalo parlante y las respectivas carreras de Massaccesi y Montefiori. Si en estos momentos andan por allí los cielos colaborando de nuevo (aunque seguramente encajen mejor en los avernos), espero y deseo que produzcan algo medianamente mejor que esto.

SANGRE FRESCA (UNA CHICA INSACIABLE)

Hace unos días gocé como un enano viendo "Michael", el biopic sobre Michael Jackson. Que sí, lo digo en serio. Una entretenida epopeya de dos horas que pasan volando. Da igual si el prota de la historia te mola o no (mi caso), la peli funciona como tal y eso es lo que importa. Obviamente, uno de sus pasajes se centra en la confección de "Thriller". Incluso vemos brevemente a un sosías de John Landis (y a otro de Rick Baker). Que lo sitúen tan de refilón tal vez obedezca a que, hoy, el otrora exitoso cineasta ejerce de oveja negra. Ya lo fue en los ochenta a partir de la movida de "En los límites de la realidad", y siguió siéndolo en los noventa y dos mil. Pero ahora, con el despuntar del Wokeismo y la caza de brujas imperante, esa mala prensa ha escalado muchos peldaños y si ya era malo entonces, ahora es el demonio (incluso ni tan siquiera sale en la ficha de "la secre"... laméntense por el pobre extra que le confiere vida).
Fue desconcertante recordar esa versión de un Landis pletórico y surfeando la cresta de la ola (gracias a "Michael") para, escasamente un día después, encontrarme con el otro, el decadente, incapaz de recuperar su buena estrella por mucho que lo intentara (la peli reseñada). Apenas habían pasado diez años desde la realización de "Thriller", curro que le fue adjudicado gracias a lo mucho que Michael Jackson disfrutó con la, hasta entonces, primera y única incursión de John Landis en el terror (mezclado con una comedia muy relativa), "Un hombre lobo americano en Londres". Justo por eso, cuando a principios de los noventa anunció que, por fin, regresaba al género / formato, los "fans" tuvimos claras dos cosas: Uno, aquella era una ocasión especial y, dos, el tipo debería estar muy muy desesperado como para intentarlo de nuevo con la fórmula que tanto le había funcionado en el pasado. La diferencia es que esta ocasión cambiábamos hombres lobo por los siempre aburridos vampiros. El invento respondería al título de "Innocent Blood" (aquí "Sangre Fresca (una chica insaciable)". En Australia "Un vampiro francés en América", ¡¡ja!!) y todos los medios especializados se hicieron eco de ello, empezando por "Fangoria" (incluida su entonces ya activa hermana española). Y así, de lejos, la premisa era prometedora, tenía potencial: Una vampira de buen corazón únicamente ataca a gente mala, en este caso mafiosos. Siempre procura pegarles un tiro a posteriori para, así, evitar que revivan convertidos en parte de su especie. Pero un día, y por sendas movidas, no logra dar el toque de gracia a su nueva cena, nada menos que un capo de lo más poderoso y malvado. Inevitablemente, este regresará de la muerte con nuevos poderes y decidirá convertir en vampiros al resto de su "famiglia" para, asín, hacerse invencibles. Por supuesto la vampira, con ayuda de un policía / interés amoroso, le parará los pies.
John Landis contaba con todo lo necesario para lograr un pleno. Su, como digo, vuelta al género con el beneplácito de todo el "fandom". "Warner Brothers" abrazando el proyecto. Un reparto de primera, con la francesita Anne Parillaud, caliente aún de "Nikita, dura de matar", en lo que se prometía su deseada incursión Hollywoodiense -sale en pelota picada nomás arrancar el film-, seguida de nombres del calibre de Anthony LaPlagia (el poli / interés amoroso), Robert Loggia (algo sobreactuado), Angela Bassett, Don Rickles y los habituales de cualquier peli con mafiosos que se precie, David Proval, Rocco Sisto + Chaz Palminteri. Un montón de cameos guapos (Tom Savini, Sam Raimi, Frank Oz, Dario Argento, Forrest J. Ackerman, Michael Ritchie....). El inevitable chiste privado habitual de "See you next Wednesday", efectos especiales punteros y sendas referencias cinéfilas, todas vistas a través de televisores y algo cansinas en su insistencia. Sin embargo, "Sangre Fresca" fracasó, en todos los aspectos y sentidos. Fue un hostiazo tremendo, el "fandom" le dio la espalda, la Parillaud entró en el cine yanki por la puerta de atrás y John Landis tampoco recuperó el brillo perdido, ni la buena prensa.
Pero ¿¿por qué?? ¿¿qué falla?? Pues no sabría decirles... no soy tan ducho en estas lides, aunque afirmo sin despeinarme que es una película aburrida de cojones. Carece de ritmo y dinamismo. Las escenas de acción -pocas, por cierto- no hacen vibrar. La química entre la pareja protagonista es inexistente. Incluso su escena de sexo resulta incómoda de ver. Y todo ello rematado por un abuso de diálogos y la continua sensación de estar ante algo muy atropellado, patoso, sin foco ni finalidad. Tal vez Landis dudó por donde tirar (¿terror, comedia, thriller?) y, al final, al no quedarse con ninguna opción, ni mezclarlas inteligentemente como hiciese con la del licántropo desubicado, pues el plato supo a nada, a vacío. Habría que ver cuanta culpa de ello tuvo el guionista Michael Wolk, quien no había escrito nada previo, ni lo haría a posteriori.
En realidad lo único bueno de todo el desastre es una escena de efectos especiales cortesía de Steve Johnson, en la que un Don Rickless vampirizado se tosta al sol de forma espectacular (hacer notar que Linnea Quigley aparece como enfermera chillona. Aunque seguramente se deba a que en esos días era pareja de Johnson). Tampoco podemos pasar por alto la agradecida y generosa cantidad de tetas, destacando especialmente -por dimensión- las de la actriz porno Teri Weigel.
"Sangre Fresca" es una película absolutamente fallida y olvidable. Si les apetece, en su día publicamos los respectivos fotocromos.