WALL-E

Pixar tiene mucho crédito ganado, puede que demasiado. Por ejemplo cuando vi Up por primera vez quede maravillado con ella. Pasado el tiempo solo puedo salvar los 10 primeros minutos, el resto de la película aunque está bien, no llega a superar lo visto en el prologo, aunque no creo que lo intente siquiera. Pero no es una película que gane con el tiempo. No siendo este caso el de WALL-E. La vi en cine, me encanto, han pasado ya unos cuantos años, y el otro día la dieron en televisión a las tantas de la mañana. Me dije, me veo el principio y en cuanto llegue a la nave donde están los humanos me voy a la cama, pensando que me pasaría lo mismo que con Up, pero que va, no pude levantarme del sofá hasta que terminaron los créditos finales y empezó lo siguiente que daban, que ni me fije que era, simplemente me fui a la cama con una sonrisa de oreja a oreja.

Doy por hecho que todo el mundo sabe lo que es el valle inquietante, pero como sé que hay mucho garrulo lo voy a medio explicar de una forma sencilla. ¿Recordáis aquella película titulada Final Fantasy La Fuerza Interior? O aun más cerca, cualquier personaje humano creado en CGI? ¿A que no parecen reales? ¿A que nos provocan cierto rechazo? Ese es el valle inquietante. Son “cosas” tan parecidas a los humanos pero con un algo extraño que nos hace saber que no es real, que es algo falso. Pues bien, en todas las películas de Pixar ese valle inquietante se lo saltan haciendo de los humanos unas caricaturas. Bien, esto no lo veremos en WALL-E hasta la parte final de la película, pero en todos y cada uno de sus filmes se lo saltan así. Ahora bien, en WALL-E el protagonista no es un humano, sino un robot, por lo que el valle inquietante ni existe ni aparece. Y la verdadera maestría de Pixar es dotar a los objetos de características y sentimientos humanos. Y es que WALL-E, el robotito, no deja de ser una caja con dos objetivos de cámara a modo de ojos, y unas orugas a modo de pies. Y aun así actúa mucho mejor que algunos actores cara de piedra como Steven Seagal, Chuck Norris, o similares.

El planeta Tierra es un vertedero, hace 700 años que la humanidad tuvo que coger una nave espacial y largarse echando chispas de aquí. Solo el batallón de limpieza WALL-E quedo en el planeta para ir comprimiendo y amontonando la basura. De los miles de robots solo queda uno de ellos. La soledad, salvo por su mascota cucaracha, han hecho que se convierta en un robotito curioso con un extraño síndrome de Diógenes. Que se le estropea alguna pieza, no pasa nada, almacena partes de otros de sus compañeros (ahora pensado, es como si tuviera miembros y órganos de sus semejantes en las estanterías, algo tipo Matanza de Texas) que puede cambiarse el perfectamente. Asi que sigue años y años trabajando. Su vida es monótona, aparte de trabajar y recargar sus baterías con energía solar, lo único que hace es ver una y otra vez un trozo de Hello Dolly, con Barbra Streisand. Pero un día su rutina cambiara por completo, cuando un robot enviado por los humanos para comprobar la fertilidad de la Tierra, que responde al nombre de EVA, se topa con el pequeño compresor de basuras.

WALL-E quedara prendido de EVA, algo normal después de tanta soledad. Ella, EVA, tiene una misión, y en cuanto la cumple su programación la desconecta a la espera de la recogida por parte de la nave que la trajo a la Tierra. Durante el tiempo que pasa hasta ese momento, WALL-E cuidara de ella, la paseara y le enseñara su mundo. Así que no es de extrañar que cuando la nave vuelve a por EVA, WALL-E la siga hasta los límites del espacio. ¿Es o no es una tierna y preciosa historia de amor?

Al llegar a la nave vemos a los humanos, como se han dejado llevar por su dependencia a la tecnología y a los síntomas de la ingravidez en el cuerpo humano (aunque en la nave si hay una gravedad artificial, así que más me temo que están así por putos vagos) lo que hace un poco de critica a la sociedad  de consumo, y bla, bla, bla….Y aun así esa parte también es muy interesante, porque no se olvida de lo importante de la película, la historia de WALL-E y EVA.

Decía al principio que llegue al final de los créditos, y es que en ellos se nos muestra a modo de distintos tipos de artes (egipcio, griego, romano, renacentista, expresionista….incluso 8Bits) lo que ocurre después de que los humanos vuelvan al planeta. Donde vemos que conviven en armonía con los robots y la naturaleza.

Muy bonita la película y muy bonita la historia de WALL-E, y lo mejor de todo, con el paso del tiempo sigue siendo una película cojonudisima.

PONYO EN EL ACANTILADO

Hayao Miyazaki en Japón es un dios, internacionalmente también está muy bien considerado, pero en Japón es veneración lo que sienten por él. Todo el que disfruta de las producciones de Pixar le debe mucho a este señor, y es que el máximo responsable de la productora del Flexo que salta sobre una pelota, John Lasseter, es gran fan de Miyazaki. Desde la propia Pixar indican que cuando necesitan inspiración se reúnen para ver una película del Estudio Ghibli. Hay muchas similitudes en los mensajes de los dos estudios, el primero de ellos el tema ecológico. Miyazaki es un hombre de campo, adora la naturaleza, y eso lo podemos ver en todas y cada una de sus producciones, en Pixar por ejemplo, en Wall-e tenemos un ejemplo muy claro, y en Buscando a Nemo aunque no hay un claro mensaje ecologista, si que disfrutamos de la naturaleza en estado salvaje.  El respeto a los ancianos o encontrar nuestro don, o lugar en el mundo, también es algo que tratan las películas de los dos estudios. Con todo esto quiero decir que el Estudio Ghibli y en concreto las ideas de Miyazaki, han influido al mundo de la animación. También coinciden en que las películas pueden ser perfectamente disfrutables por los adultos sin que estos tengan que morirse de asco o pensar que están atentando contra su inteligencia. Y este es un factor muy importante, ya que no por ser una producción animada tiene que estar orientada a los más pequeños.

Para Ponyo en el acantilado, Hayao Miyazaki se curro el storyboard a acuarela, y el motivo era que no deseaba que se hiciera absolutamente nada digital, todo debía de ser hecho a mano por los dibujantes del estudio. En anteriores películas habían utilizado el ordenador para algunas cosas, ya sean animaciones o modelos en 3D, pero en Ponyo se decidió a que todo estuviera hecho a mano y que el ordenador no se utilizara para nada. Esto conllevo a que se tuvieron que realizar 170.000 dibujos para llegar a los 93 minutos que dura la película. El argumento bebe inicialmente de La Sirenita, aunque sería muy simplista decir que esta es La Sirenita de Miyazaki, como decía en el primer párrafo, siempre habrá algún mensaje de amor hacia la naturaleza. Vamos al lio.

Ponyo es una niña-pez que vive recluida con sus hermanas en la casa submarina de Fujimoto, su padre. Fujimoto anteriormente fue humano, pero ahora es un brujo o mago del mar que está tratando de reunir una poción mágica que devolverá al planeta a un estado primigenio anterior a la vida humana. Y es que Fujimoto, no soporta que los humanos estemos contaminando el mar. Ponyo que es curiosa (y cuyo nombre original es Brunilda, en honor a una de las Valquirias, algo que Miyazaki saco de escuchar La Marcha de las Valquirias de Wagner)  se siente atrapada por vivir encerrada junto a su padre. Así que a la primera oportunidad se escapa para ver mundo. Quiera la mala suerte que es arrastrada por una red y metida a presión en un bote de cristal. Es entonces cuando se encuentra con Sousuke, un crio de 6 años que vive en una casa faro. La amista y el amor que se profesan, hacen que Ponyo desee convertirse en ser humano, aunque ello trae maremotos y grandes tormentas. Finalmente el poder del amor resolverá todo.

En la película no es que ocurra mucho, más bien es una pequeña historia de amistad y amor, como ya he dicho en varias ocasiones, pero es tan bonita y tierna, que se puede pasar por alto que su argumento sea bastante simplón. Eso no quita para que los mensajes que transmite la película (los ya citados, ecología, amor, amistad)  sean fuertes y den muy “buen rollo“.

Una preciosa película de animación que merece la pena ser vista. A mí me ha costado 6 años verla, pero nunca es tarde cuando la dicha la película es buena.

Por cierto, me choco mucho que la canción final de la película estuviera cantada en castellano, y es que en este caso la canción es muy infantil, pero aun así muy animada y pegadiza. ♫Ponyo, Ponyo, es una niña pez, del mar ella ha venido, veras que guapa es♫.

UP

Era reticente a ver esta película de "Pixar", todo el mundo me hablaba muy bien de ella, y con la anterior, "Rattatouille", había oído incluso que podría estar nominada al "Oscar" a mejor película (no de animación) y cuando por fin la vi, me llevé un chasco impresionante. Pensaba que con "Up" pasaría igual, todo iba por el mismo camino, tanto las críticas como el público coincidían que era la mejor de "Pixar" hasta la fecha, así que entiendan que haya tardado un poco en verla. Ahora puedo decir que sí, que estamos ante la mejor película de "Pixar" y, probablemente, lo mejor de este año. Eso no quita para que tenga sus pequeños fallitos, pero es una gran gran película.

Los diez primeros minutos son para quitarse el sombrero, que te casquen un FIN y te vayas a casa sabiendo que has pagado una entrada de cine por solo 10 minutos pero con los que sales lleno y pleno de la sala. Lo bueno es que después de eso queda mucha peli.
El Sr. Fredickson quiere vivir una aventura que tenía pendiente con su fallecida esposa, así que engancha miles de globos de helio a su casa y se la lleva volando. No se da cuenta que, sin querer, ha arrastrado con él a Russell, un pequeño y regordete boy-scout que quiere ganarse la medalla que le falta, la de ayuda a los mayores. Juntos, Russell y el Sr Fredickson encontrarán un extraño pájaro muy similar al correcaminos, así como un perro cuyo collar le permite hablar. Los momentos que nos da el can son desternillantes, sobre todo cuando se percata que alguna ardilla se encuentra cerca.
No quiero contar más. Hay que verla, no sirve leer sobre ella, en serio, sino la has visto, hazlo. Da igual que no te guste la animación o el 3D. Los temas que trata son muy adultos, la misma esencia de la vida, el envejecimiento, los problemas padre-hijo… pero contados desde un prisma que un niño pueda disfrutarlos y un adulto reflexionarlos. "Oscar" a la mejor película (no de animación) ¡¡¡¡YA!!!!
Lo repito de nuevo, los 10 primeros minutos deberían de ser patrimonio de la humanidad, he dicho.

GLADIFORMERS

Erróneamente se suele asociar una práctica fraudulenta cinematográfica como es el “Exploitation” —porque no es un género, es una práctica…— a una época e incluso a unos países concretos. Y eso es así; filipinos, taiwaneses, italianos y, por supuesto, españoles, hicieron del expolio, la desnudez y el plagio, un arte allá entre los años 60, 70 y 80.

Sin embargo el “Exploitation” es un practica que, si bien igual no genera los dividendos que podría generar en esas épocas, si que sigue llenando la arcas de quienes se atreven a practicarlo, y muestra de ello son  compañías como la archiconocida The Asylum o Tomcat Films, que desde un par de décadas hacen las delicias de los cinéfilos más inquietos, de los más tontos, o de los más ingenuos. Aunque estas películas llegan a nuestras pantallas con cuenta gotas, máxime cuando ya apenas se hacen lanzamientos directos a vídeo con la caída fulminante del videoclub. Es más, con el auge de las plataformas digitales, yo diría que el “Exploitation” es una tendencia con fecha de caducidad, pero tal día como hoy, aún permanece en boga.

Y como es esta una práctica que se aprovecha de la buena fe de los más ingenuos, el campo de la animación es la gallina de los huevos de oro para los “exploiters”. De hecho, durante años Disney ha tenido que ver como empresas del tercer mundo, amparándose en el hecho de estar adaptando cuentos infantiles clásicos en dominio público, plagiaban descaradamente sus personajes y diseños en pequeñas producciones animadas que, con ínfima distribución videográfica (eso sí, de carácter internacional), poblaron las estanterías de los videoclubes mayormente en la década de los 90.  A ese tipo de pequeñas productoras pertenece la película de la que paso a hablarles, “Gladiformers”, perpetrada por la famosa, pizpireta y cutre compañía llamada Vídeo Brinquedo, sita en la ciudad de Sao Paolo en Brasíl.

Vídeo Brinquedo ostenta el honor de ser considerada según las observaciones del periodista Eric Henriksen del  “The Portlan Mercury”, como el estudio de animación más pobre y chabacano de todos los tiempos. Esta apreciación, que puede ser subjetiva (o no), no va muy desencaminada con la realidad, y a la obviedad de sus productos me remito. A nuestro país han llegado en DVD, sin ir más lejos, los plagios de “Ratónpolis” de Dreamworks, o “Ratatouille” de Disney/Pixar bajos los títulos y aspectos de las cintas “Las aventuras de Rataldo” o “Ratatoing”, que muchos padres poco lúcidos podían alquilarle a sus retoños todavía bebés, creyendo que se trataba de la película original a la cual Vídeo Brinquedo expoliaba. Hay más, pero estos son los títulos más recientes y populares.

La táctica de Vídeo Brinquedo es simple; se enteran de cuales van a ser los próximos proyectos de las grandes compañías de animación Hollywoodiense, copian los diseños, intuyen de que puede ir la cosa, hacen la película bajo esas premisas y salen al mercado a la vez que la película original. Esto les puede reportar ventas internacionales de entre 1000 y 3000 copias, un número que es lo suficientemente residual como para que Disney, Pixar, Dreamworks, o quien sea, tome medidas legales (les sale más caros los costes de abogados y juicios que lo que van a sacar por ganar la demanda), pero suficiente como para que los responsables de Vídeo Briquedo renten el producto y se saquen un sueldecillo. Y así llevan ya casi 20 años. Pero créanme, si sus maneras de proceder son interesantes, el ver una de estas películas es una experiencia absolutamente aberrante. En Vídeo Brinquedo, una vez tienen un producto que vender, el resultado es lo de menos, así que prima la ley del mínimo esfuerzo y no nos venden una sucesión de fotografías una detrás de otra, porque no pueden. Llamar animación a esta bazofia es un insulto para ese arte y esa industria.

Así, me enfrento a esta “Gladiformers” que sin salirse de sus parámetros, se aprovecha del tirón que tiene la franquicia de “Transformers” gracias a las adaptaciones de Michael Bay, y los de Vídeo Brinquedo se marcan  una de robots transformables y gladiadores cuyo visionado es, sencillamente, insoportable.

El argumento cabe en un billete de metro; en un coliseo metálico, varios robots transformables pelean entre sí mientras sueltan soflamas y amenazas. Y ya está.

Cualquier cosa que yo pueda reseñar no puede hacer justicia a semejante trozo de mierda, así que lo mejor es que busquen la película, vean tres minutos y se hagan a la idea de que el resto de la película no es más que una extensión de esos tres minutos.

Lo único que se ve en ella son  movimientos de cámara de 90 o 180 grados en los que vemos el diseño de robot mientras este explica que hace allí y por lo que combate, todo en off porque los robots no tienen boca, ergo, están pensándolo, no diciéndolo. Y no hay más que cortar.  Eso es todo lo que se ve. Es tan inenarrable que no me veo capaz de explicarlo de forma escrita, hay que verlo.

El caso es que, tras saber de la existencia de esta película, exigí a Aratz, que era el poseedor de una copia, que me la regalase, ya que una cosa así es digna de ser coleccionada. Y accedió gustoso a hacerme el regalo. No contento con eso, me senté a verla. Y cayó entera. Y además, les digo una cosa,  es tan bizarra, desganada, gandúla e incompetente esta película, que me la vi sin pestañear, y sin aburrirme especialmente. Pero que los de Vídeo Brinquedo no cuenten más conmigo.

El gañan que se acredita la autoría de esta basura, se hace llamar Marco Alemar, y además de esta, ha realizado dirección para otras películas de la compañía como puedan ser “Pinocchio”  y “BR Futebol” que es el plagio en animación 3D del animé en 2D “Campeones”, ya saben, Oliver y Benji. Y para de contar.

Por otro lado, la bonita carátula que hace pensar que lo que vamos a ver es mejor de lo que realmente es, debió hacerles vender a los de Vídeo Brinquedo bastantes DVDs porque lo cierto es que un par de años después salió una secuela “Gladiformers 2”, que intuyo, es una simple variación de imágenes de la primera.

Ver para creer, oiga.

ENREDADOS

Antes de comenzar con la reseña propiamente dicha quiero aclarar una cosa, con las películas de Pixar y Disney siempre se dice que la última es la mejor, la gente las encumbra con una facilidad pasmosa y puede que nos dejemos cegar por la novedad. Pues bien, en este caso va a ser igual, pero es que además es verdad, esta es la mejor, me dejé cegar por ella, pero es que, joder, se lo merece. Es super divertida y tiene un ritmo endiablado, por esto último creo que es de lo mejorcito de Disney en la actualidad. Sí, mejor que "Toy Story 3" (de Pixar, ya lo sé) que, por momentos, se me hizo pesada, o mejor que "Up", porque los diez minutos iniciales son insuperables y luego va de más a menos.

Una gota de sol cayó en la tierra convirtiéndose en una flor mágica. Una mujer de la zona llamada "Gothel" la encuentra y descubre que cuando le canta a la flor, esta tiene poderes mágicos para curar o incluso devolver la juventud. "Gothel", que es muy egoísta, la esconde para ella y acude cada ciertos años a cantar y así volver a ser una mujer joven y atractiva (menuda milf está hecha). Pasado un tiempo, el reino anuncia una buena nueva, la reina está embarazada. Pero una terrible enfermedad pone en peligro tanto al bebé de su vientre como a ella misma. Solo la flor que salió de la gota de sol podrá curarla. La guardia de palacio la encuentra, elaboran una medicina y la reina salva su vida y la de su hija, "Rapunzel". "Gothel", que no es tonta, entra a hurtadillas para ver a la niña. Al cantarle la misma canción, el pelo de cría brilla como la flor y tiene sus mismos poderes mágicos. "Gothel" decide llevarse un mechón, pero cuando se corta el pelo pierde su magia y se vuelve moreno. Así que, sin pensárselo dos veces, "Gothel" coge a "Rapunzel" y se la lleva lejos, a una torre escondida en la que niña pasará el resto de la vida... hasta que conozca a su príncipe azul y bla, bla.

Como película de Disney que es tiene canciones, no llegan al nivel de excelencia de "Aladdin" o "La Bella y la Bestia", pero están simpáticas. Por ejemplo, la canción "Mamá sabe" me recordó un poco a la de "Cruella De Vil" de su respectiva película, y la que habla sobre alcanzar tus sueños, desarrollada en una cantina, es descacharrante y con mucho ritmo. La película también tiene romanticismo. No es muy baboso, así que hombres rudos que solo véis películas de asesinos y criaturas del averno, no os asustéis, no pasa nada, podéis ver "Enredados" y al salir seguir poniendo los cuernos en el corazón al saludar a un hermano del metal, no se encogen los testículos ni nada de eso. También hay secundarios graciosos personificados como animales, en este caso un camaleón y un caballo. Con el camaleón te descojonas, con el caballo también. Ninguno llega a caer mal, así que otro punto para "Enredados".

LA FIESTA DE LAS SALCHICHAS

“La Fiesta de las Salchichas” que tan buenas críticas ha cosechado, no es más que el caprichito del tandem formado por Seth Rogen y Evan Goldberg para realizar, junto a todos sus amigos ricos y famosos, una película de animación 3D en la que poder meter chistes de pollas.

A tales efectos y ante lo bizarro de la propuesta, al ser una película de animación con sexo explícito, se ha tenido que crear una nueva categoría para clasificarla en los USA, que es la categoria “C” para mayores de 17 años. Vamos, que los niños no pueden verla.

Miren ustedes que me gusta a mí la escudería Rogen/Goldberg, el humor que practican  y casi todas las películas que han realizado –o protagonizado en el caso de Rogen-, mire que me gusta el elenco que les secunda compuesto, prácticamente, por el mismo elenco que componía “Juerga Hasta el Fin”. Miren que fui al cine a ver “La Fiesta de las Salchichas” con predisposición; tenía todas las de gustarme. Pues me ha parecido una película absolutamente espantosa. Sin embargo, y no se muy bien por qué puesto que en referencias anteriores para el lucimiento de estos cómicos se les ponía caer de un burro, tanto la crítica como el público, han sido benevolentes con esta película que me ha parecido una mierda como un templo.

Y es que sobre el papel la cosa pintaba de maravilla; una película de animación con esta panda, que parodia las películas contemporáneas de Disney, Pixar, Dreamworks, etc, que se mofa de ellas, y con unas cotas de incorrección política tan altas como cabía esperar. Esto es así… durante los primeros minutos de la película y, sobretodo, en el excesivo y desopilante final, que no spoilearé, pero que es horroroso, y lo es, tan solo por la intención de transgredir al máximo. En su afán por pasarse, se concibe una cosa muy poco graciosa.

Ahora ¿Por qué esta puñetera mierda ha caído en gracia? Muy sencillo; porque no es más que aquello que en un principio parodia. Una película de animación al uso, infantil, ñoña, con unos valores y una moralina barata que no dista en absoluto de lo que se está haciendo para un público infantil, pero con chistes subiditos de tono. Y no ofende porque todo ocurre entre perritos calientes, patatas, panes de pita y alimentos. Y por eso ha funcionado. En defínitiva, que es como si a “Del Revés” le metes chistes de follar.

Cuenta la historia de los productos de un supermercado que creen que cuando salgan de allí, porque alguien les haya comprado, van a vivir en el paraíso. Cuando por fin les compran, el carrito de la compra en el que van tiene un accidente, un tarro de mostaza que ha sido devuelto al supermercado les habla de los horrores que hay fuera del supermercado, intentarán escapar de tan virulenta sensación.

Mucha pirotecnia, mucho correr para aquí y para allá, pero resulta hasta confusa. De hecho, me costó pillar el argumento. Pero al público le da igual, porque como ven a una salchichita diciéndole a un panecillo que quiere penetrarle, se echa la risotada y listo.

Muy mala. Y una decepción, ya que quedé cautivado con el trailer. Viéndola, me di cuenta de que todo lo bueno que pudiera tener la película, efectivamente, está en ese trailer.

Para dirigir se ha contratado a Conrad Vernon director de “Shreck 2” y “Madagascar 3” y Grez Tiernan, que es muy popular por ser el director de unos dibujitos animados horribles sobre una locomotora a la que le pasan montones de cosas. Todo francamente espantoso.

LOS FOTOCROMOS DE "NIMH, EL MUNDO SECRETO DE LA SEÑORA BRISBY"

Siempre mantuve que odiaba el cine de animación. No es del todo cierto. Adoro el Cartoon clásico, si bien es cierto que odio profundamente los universos Disney, Pixar y Dreamworks. Sin embargo, y surgido de esa escuela, no me desagrada del todo Don Bluth. Así que les dejo con los fotocromos de una de las películas de animación que no me  hacen vomitar: Los de "Nimh, el mundo secreto de la señora Brisby".

DOC HOLLYWOOD

Película para lucimiento de un Michael J. Fox que ya aquejado por el Parkinson, springta sus ultimos años sin temblores para rodar tanto como puede. 

De ahí, y hecha totalmente a su medida, este “Doc Hollywood” que adapta la novela de  Neil B. Shulman “What? Dead Again?”.

En ella, un recién licenciado en medicina decide viajar a Los Angeles con el fin de trabajar allí como cirujano plástico, cargando con su consiguiente conflicto moral, al no considerar del todo la cirugía “Medicina de verdad”. El caso es que durante su periplo en automóvil, al entrar en el pueblecito de Grady, este tiene un accidente que causa unos cuantos desperfectos, por lo que el juez local  le condena a ejercer como médico del pueblo hasta que pueda pagar los desperfectos con sus servicios. Cuando las fuerzas vivas le tientan para que se quede allí a trabajar como médico por una miseria comparada con lo que ganará como cirujanos plástico en Los Angeles, aparecerá una conductora de ambulancia en escena que, quizás, haga a este médico engreído y petulante cambiar de opinión.

Una comedia ligera que datada en 1991, ya vaticinaba lo que la comedia iba a ser en los noventa; una sosez. Ahora, quizás ya la nostalgia hace mella en mi psique a favor de “Doc Hollywood”, o bien, al ir estableciéndome en la mediana edad, esto propicia que productos que ni fu, ni fa, acaben pareciéndome simpáticos y agradables, y en consecuencia, entretenidos. Y es que, fan como era yo en la época de Michael J. Fox, acudí en su momento al cine a ver este estreno, decepcionándome –y mucho- tras su visionado. Me pareció un folletín tremendo. Sin embargo a día de hoy la disfruto como lo que es; una pequeña comedia para señoras de 50 años, con un toque de romanticismo, con un humor completamente aséptico que no ofende ni al más propenso, y con muy pocas pretensiones. Una película del montón, sin más, visible y correcta que no cambiará la vida de nadie que la vea… Excepto la de los gerifaltes tras la “Pixar”. Ya es oficial, y así ha sido casi reconocido por sus artífices, que la película “Cars” es un plagio en toda regla de “Doc Hollywood”. Un plagio descarado además, siguiendo el cochecito protagonista todos los pasos que sigue J. Fox en la película. Debieron pensar sus artífices que “Doc Hollywood” no la había visto nadie, y que en caso de que alguien lo hubiera hecho, no se daría cuenta de que la historia de los cochecitos es exacta a esta. Como fuera, tras el descubrimiento de plagio, el asunto no tuvo mayor relevancia, y sirvio para, en cierto modo, darle una segunda vida a la película que nos ocupa. Olvidada como estaba, para que el público volviese a hablar de ella.

Y sin más.

Junto a Michael J. Fox tenemos en papeles secundarios a una cargante Briget Fonda que está para matarla, y a un metódico Woody Harrelson que aún no había despuntado del todo y que hace ostentación de una gran fuerza interpretativa dando vida a una especie de redneck analfabetoíde en una composición que luego daría sus frutos en otras películas posteriores.

Dirige la cinta Michael Caton-Jones, popular por haber dirigido después “Vida de este chico”, o mejor aún, “Instinto Básico 2”.

I SPIT ON YOUR GRAVE (2010)

Enésimo remake en plan (semi) mainstream de película salvaje y setentera adscrita al subgénero de “violación y venganza”, cuya baza fuerte es la crudeza de sus imágenes realzada por la falta de medios. En este caso se remakea la famosa "La violencia del sexo".
Ya saben, una jovencita se va a unos bosques de la América profunda a hacer no se qué, cuando unos “rednecks” la cogen por banda y la violan y apalizan brutalmente. Hasta el sheriff se apunta al atracón de sadismo. Más muerta que viva, la joven logra escapar, y tras unos días, vuelve hecha una fiera, para eliminar uno a uno a sus agresores, retrasado mental incluido.
Normalmente, este tipo de remakes suelen cagarla con el reparto; los violadores, son en exceso guapos. Aquí, no ocurre como en el remake de "La última casa a la izquierda", en la que los agresores son poco menos que top models masculinos. Incluso el que hace de sheriff, y el retrasado mental, están bastante logrados, pero sí es cierto que les falta un poco de sordidez y mala baba a esos rostros. Una vez superadas estas cuestiones, y analizando la película globalmente, he de decir no solo que es una gran película, si no que supera, de largo, la gran bazofia que es la original, eso comparando. Si lo tomamos como título independiente, la cosa es aún mejor.
La historia está muy trillada, así que la única forma que tienen los responsables de volver este producto atractivo es pasándose tres pueblos, y esa es su baza fuerte; que es más bruta que un arado. Durante las escenas de violación, tan gráficas y despiadadas, el espectador siente desasosiego y mal rollo, porque no se cortan un pelo; Los paletos arrodillan a la chica y, en planos súper largos, le obligan a mamar una pistola y una botella como si fueran una polla. A eso, añádanle la obsesión de uno de los violadores con los dientes de la chica, por lo que no hace más que pedirle que se los muestre para simular arrancárselos con los dedos.
Obviamente, se consigue que estos tipos nos caigan mal. Pronto el espectador se posiciona al lado de la chica, y espera la justa venganza. Y ahí la cosa gana enteros. Los niveles de sadismo, y los métodos de tortura que emplea la jovencita, dejan los empleados por los violadores al nivel de una peli de "Pixar". No voy a “espoilear”, pero el festival de sangre y salvajadas que nos propone la venganza femenina de "I spit on your grave" es de lo mejorcito y más brutal que vamos a poder ver en una película mainstream de estas características.
Técnicamente, los movimientos de cámara frenéticos, los bosques de seco follaje, las botazas "Timberland" que lucen los violadores, las canoas y las cabañas de madera, ayudan a que nos metamos en la película, y la vivamos. No me lo esperaba, y he quedado súper satisfecho con este visionado. Eso sí, misóginos, absténganse de verla
Le da mil vueltas a la original.
Dirige Steven R. Monroe, hombre orquesta en labores cinematográficas (ha hecho de todo en todo tipo de productos), que entre sus películas destacaría "Al acecho" y "Ogre". Lo que son las cosas; en la reseña de esta ultima despreciaba su labor como director. Hoy me parece cojonudo. No se la pierdan.

GNOMEO Y JULIETA

Nueva revisión del clásico de William Shakespeare Romeo y Julieta, solo que esta vez contada a través de enanitos de jardín y con música de Elton John. La película en su momento paso casi desapercibida en nuestro país, lo más seguro debido a una escasa campaña de marketing. Y es que no es de Disney, Pixar o Dreamworks, sino de Touchstone , que comparada con las otras tres no tienen la misma capacidad para gastarse los cuartos en publicidad.

La señora Montesco y el Señor Capuleto son dos ancianos vecinos que se llevan a matar. Sus casas están pegadas, pero si una basa toda su decoración en el color rojo, el otro en el azul. Así en sus jardines, los enanitos que los decoran tienen también esos diferentes colores. Cuando ellos se van a trabajar (o a lo que sea que hacen) los enanitos cobran vida como si fueran los juguetes de Toy Story. La rivalidad que se tienen los vecinos también la tienen estos enanitos, así que se están todo el día peleando y haciendo putaditas unos a otros. Cierta noche, Julieta, la hija del jefe de los rojos, los Capuleto, sale de su jardín para ir a uno vecino donde hay una orquídea muy especial, la quiere para decorar el feudo de su familia. Gnomeo que en esa misma noche tenía previsto hacer una jugarreta a sus vecinos, tiene que escapar llegando al mismo jardín abandonado donde se dirige Julieta. Allí se encuentran y como van camuflados para no ser reconocidos, se enamoran. Aunque al descubrir que son de las familias rivales, no les importa y querrán seguir adelante con su noviazgo aunque tengan que verse a escondidas.

El resto de la historia todos la conocéis, pero aquí acaba todo con final feliz, que no olvidemos es una película orientada al público infantil. En nuestro país nos perdimos las voces originales, como siempre ocurre al estar dobladas (pero ojo, que tenemos de los mejores dobladores del mundo, sino los mejores) pero es curioso ver quienes ponían las voces en la versión original. Para Gnomeo ponía la voz James McAvoy (Xavier en X-Men Primera Generación) Julieta es Emily Blunt (El hombre lobo, la de Benicio del Toro) y en otros papeles tenemos a actores y actrices tales como Michael Caine, Jason Statham, Maggie Smith e incluso a Ozzy Osbourne. Lo que llama la atención de la película es su banda sonora, que en este caso esta orquestada por Elton John, con algunos de sus hits más famosos como “Hello, Hello” junto a Lady Gaga, “Crocodile Rock” con Nelly Furtado, o su archiconocidisima “Don´t Go Breaking My Heart” que canta a dúo con Kiki Dee.

Entretiene, esta simpática y tiene una banda sonora que consigue sacarte más de una sonrisa. Para ver esos días en los que estas feliz, y si la ves con críos al lado no se aburrirán y tu tampoco.

EL VIAJE DE POPEYE

Con motivo del 75 aniversario de Popeye, el estudio Claymation puso en marcha el proyecto de realizar un  mediometraje sobre el mítico personaje para su estreno en televisión. Pero el proyecto tiene que ser abortado cuando, irremediablemente, el estudio se vio en bancarrota. Pero el 75 aniversario estaba ahí, y la gente de Mainframe Entertainment se hizo cargo de ese proyecto, que sería distribuido nada menos que por Lions Gate. Se trataba de hacer un especial televisivo  en unos tiempos en los que se renegaba de la animación tradicional en pro de la animación 3-D. Y así, contratando al director Ezequiel Norton,  y con un presupuesto que no daba para las calidades de lo que Pixar o Disney estaba haciendo en cine, se le hizo el peor homenaje que se le podía hacer a un personaje más grande que la vida. Casi mejor, si no se hubiera hecho nada.

Resulta muy duro tras ver los cortometrajes de la factoría Fleischer, e incluso los posteriores, incluídos los de Hanna – Barbera, ver un mediometaje como este, que no solo es que tenga una animación de lo más cutre y fea, sino que hace gala de una falta de originalidad abrumadora, así como la incorrección política implícita en todo Popeye aquí brilla por su ausencia, hasta tal punto que Popeye y Brutus, son amigos.

El argumento es tan soso, como que Popeye, junto a su amigo Brutus, Olivia y Cocoliso, se echan a la mar en busca del padre de Popeye que ha desaparecido, por lo que tendrán que sotear los peligros y los órdagos que les echa la malvada bruja del mar. Así de complicado.

Un absoluto mierdote a todos los niveles y una falta de respeto para los personajes creados por Segar, máxime cuando un producto que requería un mínimo de cariño y de dinero en la producción, está realizado de la manera más económica posible, y sin ganas, por una panda de ineptos. Por otro lado, como la película está destinada al  público con menos criterio que existe, que son los niños, eso les sirve como excusa para cometer el crimen que han cometido. Porque, es que estéticas o tipos  de animación aparte, esto es un aburrimiento solemne, cosa que no fue Popeye, ni tan siquiera en aquella serie tan mala que fue “Popeye y su hijo” a finales de los ochenta y los albores de los noventa.

Dando la voz a Popeye, tenemos a Billy West, reputado actor de doblaje que, surgido de la radio, del staff de los programas de Howard Stern, admite que esta película fue el trabajo más duro de su carrera, porque hacer de Popeye y que le quedara bien, le dejó la garganta bien jodida, para que luego el resultado final del especial 75 aniversario, fuera esta porquería.

Un asesinato, eso es lo que es esta peli.

SESIÓN DOBLE: LA HABITACIÓN + LA FIESTA DE LAS SALCHICHAS

LA HABITACIÓN: Y yo que no le hice ni puto caso a esta película cuando se estrenó. Sería por el soso título que, además, confunde con otras tantas "Rooms" como hay, destacando ya saben cual de ya saben quien. Y es una pena, porque vista ayer, tele mediante, me llevé una grata sorpresa.

Una pareja enamorada se instala en una vieja casa en la que, años atrás, hubo un misterioso crimen. Suena trillado sí, pero esperen. Haciendo limpieza, localizan una habitación oculta en la que se cumplen deseos. Pidas lo que pidas, te lo da. Aunque cuesta un poco creer lo rápido que los protagonistas lo aceptan, no pierden el tiempo. Venga dinero, venga lujos y excesos. Lo lógico. Sin embargo, tenerlo todo puede llegar a ser aburrido. Y una de las carencias más notables de la mujer hace acto de presencia: un hijo. Según los médicos no puede tenerlos así que, ¿qué hace? Pues recurrir al habitáculo mágico... ¿o maldito?. ¿Es pues una película de niño chungo? Tampoco exactamente. "La habitación" viene cargadita de giros muy ingeniosos. Una trama bastante original, muy bien hilvanada y que acumula sorpresa tras sorpresa, buena idea tras buena idea, hasta el desenlace. Cada vez que crees que ya sabes por donde irá, o comienzas a aburrirte, zasca!, todo da un vuelco notorio. Me flipa eso de poder pedir a la habitación que te construya un bosque enterito, sin salir de la misma. Imaginen las posibilidades. Ya puestos, que sea una ciudad con sus habitantes o, ¿por qué no?, un universo nuevo. Fascinante.
Protagoniza el sarao la monina Olga Kurylenko. Dirige Christian Volckman.
Está un rato chula, sí.

LA FIESTA DE LAS SALCHICHAS: Pues no tenía previsto comentar esta en el blog pero, mira, me ha sobrado espacio, así que voy a por ello. Era un día extremadamente gris en el que andaba yo de una bajona terrible. En eso que, haciendo zapping desganadamente, me cruzo con "La fiesta de las salchichas". De entrada, mi impulso es cambiar de canal. Resulta que, desde que se estrenó, llevo evitándola. La incursión de Seth Rogen en su confección y el hecho de ser una de esas películas de humor cafre y políticamente (casi)incorrecto pasado por el tamiz del mainstream y, además, en dibujos animados estilo Pixar, me da pereza. No porque no me gusten estos, ni mucho menos, sino porque me irritan los productos desesperados por ofender.
Sin embargo, lo que veo me parece curioso. No cambio de canal. También es cierto que, hoy por hoy, tolero un poco más a Rogen, así que decido darle una oportunidad. La pongo desde el principio y... joder, pues para cuando acabó mi carácter agrio había desaparecido por completo. El cuerpo se me llenó de positividad gracias a lo bastante que me reí, y lo bien que lo pasé. Sí amigos, "La fiesta de las salchichas" me arregló el día. ¿Cómo iba a decir algo malo de ella? Seguramente consumirla sin sentir simpatía por sus artífices, ni esperar nada, contribuyó (justo lo opuesto que, creo yo, le pasó a mi compañero Víctor según la reseña publicada en su día)
Encima, la trama es original. Los antropomorfos productos de un supermercado viven convencidos que, cuando los dioses -los humanos- se los llevan a casa, es para darles una vida mejor. La salchicha protagonista descubrirá la cruda realidad y decidirá organizar una revolución.
Muchos tacos, pero mogollón, una nada velada crítica a toda suerte de religiones, un poco al consumismo, gore raro y sexo a raudales en la parte final. Además, en un momento dado suena la maravillosa "True" de "Spandau Ballet". ¿Se puede pedir más? Muy entretenida.