LURKERS VERSUS LURKERS

"The Lurkers" pertenecían a la hornada original del punk inglés del 77. Su sonido veloz, enérgico pero melódico y sus letras sobre amoríos y alienación adolescente les valieron la rápida y fácil etiqueta de "Ramones británicos". Parieron algunos pequeños hits como "Shadow" y "Just thirteen" para, como solía ser habitual, chapando los setenta entrar en una espiral de fracasos y dejarlo.
Llegan los ochenta y el punk inglés muta a un sonido más estridente y agresivo. Hablo del periodo en el que "The Exploited", "GBH" y "Discharge" dominaban el cotarro. Y con ellos, la discográfica que apadrinaba a los dos últimos, "Clay Records", quienes se responsabilizaron de los nuevos trabajos que iban a esputar unos "Lurkers" inesperadamente renacidos. ¿Podrían encajar en el nuevo punk? Pues lo intentaron, fichando a un cantante más joven, listo para poner la pose adecuada en las fotos, y ensuciando levemente el sonido. De todo lo parido, destaca un tema titulado "This Dirty Town", con los muchachos sonando algo más cafres y cochinos. El "problema" es que el 90% restante de canciones se alejan de esa fórmula. ¿Resultado? No vendieron lo suficiente. El "punkismo" ochentero les ignoró y dieron carpetazo, hasta que el grupo alemán "Die Toten Hosen" les invitó a participar en un disco tributo al 77, por lo que tocaba reagruparse. Y aquí entra en el cuadro Arturo Bassick, quien ya había colaborado con la banda en su mejor momento, tocando el bajo, pero de modo tan fugaz que apenas nadie le recuerda. No obstante, esta vez vuelve decidido a plantar raíces y ejercer de cantante, aprovechando que el último fichaje abandonó tras ver aniquiladas sus ansias de fama y gloria.
De esta guisa "The Lurkers", época noventera, parieron algunos de sus mejores trabajos: "Wild times again", "Non-Stop Nitropop" o "Powerjive". Ninguno perfecto, pero todos con dos o tres joyas punk-pop realmente adictivas (especialmente el tercero). El que hace cuatro, "Ripped n' Torn", marca la desaparición del último de los miembros originales, el guitarra Pete Stride. Si lo mirabas fríamente era raro, porque en realidad de los primeros "Lurkers" ya no había ni dios. Recordemos que Arturo Bassick no estuvo en esa formación primigenia, así que uno podía tomarse algo mal que se apropiara de un nombre, una marca, que no era suyo/a. Pero bueno, si el resultado de dicha apropiación sonaba tan bien como -con permiso de "Powerjive"- "Ripped n' Torn" -a pesar de su horrible portada-, se podía perdonar.
El grupo sigue adelante, sacando nuevas trabajos -"26 Years", "Fried Brains"- cada vez más previsibles, desangelados y cumplidores con el sonido que su audiencia perezosa podría esperar de ellos a esas alturas. A tan poco honrosa cualidad, toca añadir otra: Corría por Youtube un vídeo sobre un programa matutino de la televisión británica, "The Big Breakfast", donde se recreaba en tono de guasa un concierto punk. Parte del personal implicado salía disfrazado con crestas falsas y bailando pogo frente a una banda del ramo. No hace falta decir que estos eran los "Lurkers" de Arturo Bassick. La verdad es que verlos ahí, apuntándose a una coña tan miserable y repleta hasta las trancas de esa irritante distorsión propia de los medios convencionales cuando retratan alguna movida minoritaria, alternativa o contracultural, resultaba bastante doloroso. Los comentarios que caían justo debajo no tenían desperdicio: Gritos de desaprobación porque aquellos no eran "los verdaderos Lurkers", lamentos echando de menos al cantante original, palabras como "basura", "mierdosos", "vergüenza ajena", "apestan", etc, etc. Pero sobre todo era Arturo quien más recibía. Le acusaban de "apropiación indebida", le echaban en cara que solo había aparecido en un single durante los años dorados de la banda, tocaba fatal y era un arrogante y/o un idiota (AQUÍ pueden sufrirlo).

¿Y dónde andaban los "Lurkers" originales? os lo diré: Pergeñando la formación de un nuevo grupo. Uno con inevitables ecos de aquel que les diera algo de nombre. Pete Stride, Nigel Moore (bajista) y Manic Esso (batería. Howard Wall, el primer cantante de todos, llevaba décadas retirado) resurgieron con un proyecto bautizado "God's Lonely Men". Y "God's Lonely Men" es una de las canciones más emblemáticas de los "Lurkers", así como el título de su segundo larga duración. Sospechoso. Lo habían planeado bien: Iban a disponer de página web, estarían en redes sociales y procurarían llamar la atención de los medios. Y funcionó. Cuando en las entrevistas les preguntaban por qué no habían recuperado su nombre de guerra original, corrían a aclarar que podrían proceder sin problema, ya que no existía atadura legal alguna, pero no les gustaba lo que Arturo Bassick había hecho hasta entonces y querían evitar cualquier clase de asociación.
Sin embargo, es muy difícil forjarse un nombre y ganarse una audiencia. Te crees que empezando de cero con otra movida los fieles te seguirán. Pues no, no funciona así la cosa. Los fans de "The Lurkers" lo eran de estos, no de "God's Lonely Men". Ni de Pete Stride. La respuesta con sus nuevos trabajos fue escasa, así que el guitarrista se tragó el orgullo y decidió rebautizar a la banda como "Lurkers GLM" (siglas de "God's Lonely Men"), por aquello de marcar la diferencia con respecto a los otros "Lurkers".
Tampoco a "Lurkers GLM" parecía irles muy bien, por lo que dieron el paso definitivo y se relanzaron como "The Lurkers". Tal cual. De esta manera, ahora el universo estaba habitado por dos bandas punk iguales pero distintas. ¿Uh?.
Mientras este culebrón se iba desarrollando, los "Lurkers" de Stride -entonces todavía "GLM"- lanzaron un disco, "The Future's Calling", bastante malillo. Se aleja un poco del típico sonido "lurkeriano", evita caminos trillados y los viejos "hits", algo a valorar, pero su aspecto más flojo es, justamente, el cantante. A falta de nada mejor, es el mismo Stride quien berrea y no, no se le da demasiado bien. Tiene una voz pesada y atonal, como si le invadiera el sopor. Inevitable echar de menos el carisma vocal de Bassick. Conscientes de ello, para sus nuevos singles ficharon a una chavala en plan "cantante invitada", la típica pipiola con su perfecto atuendo punkista y que no se cansa de hacer las prototípicas muecas y gestos que se esperarían de alguien que ha visto muchas fotos de lo ocurrido en la Inglaterra de 1977. 

¿Y qué decía y hacía Arturo Bassick? Pues siguió a lo suyo, recorriendo festivalillos punk mierdosos con SUS "Lurkers". Y cuando le preguntaban por el drama en cuestión, lamentaba que las cosas se hubiesen ido tanto de madre, llamaba hippie al bajista original y comentaba que le parecía injusto el trato que le estaban dispensando sus ex-colegas, especialmente Pete Stride, que en los años noventa, y durante una gira, se negó a seguir con la banda cuando les ofrecieron un concierto en España. Bassick le dijo que él pensaba tirar adelante, el otro alegó que no podría sin su guitarra. Pero Arturo hizo oídos sordos. Consideraba que había mantenido la antorcha llameante durante años y que los "nuevos" "Lurkers" deberían valorarlo (entre otras cosas porque, gracias a los royalties, puntualmente les había proporcionado ganancias).
Confesaré que, en un principio, mi plan era retratar a Arturo Bassick como "el malo" de la historieta. Pero informándome sobre el asunto en redes, leí una entrevista con él donde soltaba unas declaraciones que me llegaron al alma. Las voy a reproducir tal cual porque no tienen desperdicio. La pregunta hacía referencia al mismo punk, a lo que significaba seguir en la brecha tantos años, hasta nuestros convulsos días: "Creo que es sólo nostalgia. Podrías sacar nuevos discos y casi nadie los compra. Incluso los últimos álbumes de "Ramones" sólo vendían 15.000 copias en todo el mundo. La gente únicamente quiere oír cosas viejas todo el tiempo. Cuando tocamos en conciertos, la gente se vuelve loca por las canciones que han conocido toda su vida, mientras que las nuevas reciben un educado aplauso. Muchas de las bandas que escribieron sobre política o en contra del gobierno, ¡no han tenido ningún efecto! ¡Todo sigue igual! Y dicen: "Bueno, todavía hay que decirlo". Básicamente están repitiendo lo que escribieron hace cuarenta años, y no ha tenido ningún efecto, porque los bastardos gobiernan el mundo y siempre lo harán, y la guerra nunca se detendrá porque la paz no hace dinero. La guerra hace dinero (risas). Esas bandas tienen seguidores que piensan como ellos, ¡es como una sociedad de mutuo acuerdo! (Risas). La verdadera razón por la que hay tantas de las viejas bandas de punk que todavía están en marcha es porque se ganan la vida, no por ningún idealismo. ¡También es algo que es muy difícil sacar de tu sistema cuando lo has estado haciendo durante tanto tiempo!". Sensacional. ¿Por qué reproduzco estas líneas? Porque en ellas veo honestidad (con unas gotas de desencanto). Y, ciertamente, no estoy seguro que hubiese mucho de eso en el regreso de Pete Stride y el resto de "Lurkers" originales. Tampoco lo afirmo rotundamente porque, a fin de cuentas, apostaron por un sonido "distinto" y evitaban repetir los viejos temas/sonidos. Pero toda la que liaron con el nombre de la banda despierta mis sospechas. Además del feo que le hicieron a su ex-compañero.

Epílogo: Finalmente, Arturo Bassick desmonta sus "Lurkers" más o menos cuando la pandemia. Se asume esto último como motivador, pero yo creo más en el -mostrado- desencanto consecuente de toda la movida narrada. Vamos, que no querría más mierda y dijo, "¡Hasta aquí!", centrándose a partir de entonces en otros proyectos, como su grupo country (música de la que siempre ha sido muy fan) o ejerciendo de bajista junto a los incansables "999".
Por su parte, los "Lurkers" de Pete Stride lo intentan con un nuevo LP, "Sex Crazy", pero la cosa no rula. He tenido la desgracia de escucharlo y es olvidable de principio a fin. Tal vez creyendo que la causa es su nada carismática voz, fichan como vocalista oficial a la punkilla de postal con la que previamente habían colaborado... pero desde hace unos pocos años no se sabe absolutamente nada de ellos, así que podemos pensar lo peor.
Paradójicamente todo esto solo ha servido para una cosa: Que, a día de hoy, ninguna de las dos encarnaciones de "The Lurkers" siga activa. Sí, claro, es fácil hacer el chiste de que, total pa lo que hacían, mejor así (vídeos deprimentes como ESTE lo demuestran). OK... aunque no deja de ser triste que la razón de los respectivos finiquitamientos sea semejante lamentable culebrón de errores y rencores.

Los "Lurkers" de Arturo Bassick (arriba)
Los "Lurkers" del resto (abajo)

LAST HOUSE ON DEAD END STREET

Terry Hawkins es un malote. Para que nadie lo ponga en duda, viste de negro y lleva chupa de cuero. Además, acaba de salir de prisión y está tan enfadado con la sociedad que únicamente piensa en castigarla. Para ello se decantará por una herramienta peculiar, el cine, mostrándole al mundo algo que jamás ha visto ni podrá olvidar. Así, convence a una panda de mindundis que se unan a su causa (reminiscencias del caso Manson). Monta un plató en un edificio abandonado e invita a varios integrantes del más barriobajero porno que, sin saberlo (pero sabiéndolo nosotros), serán los protagonistas de esa película que Hawkins tiene en mente y, previsiblemente, responde a las maneras del llamado cine "snuff" (useáse, aquel que muestra crímenes reales).
No hubo en los noventa (finales) / dos mil (inicios) una película más ignota, misteriosa, "cult" y buscada que "Last house on dead end street". Todos los fanzines (especialmente si eran yankis) hablaban de ella sin conocimiento real, entusiasmados por lo que "habían oído" y, por tanto, incrementando su leyenda negra. Algunos incluso pensaban que el "snuff" mostrado en sus fotogramas era real. Los foros de internet dedicados al horror y aledaños no paraban de hablar de ella hasta que, un día, un señor de mediana edad llamado Roger Watkins llegó a esos mismos ciber lugares para anunciar que él era el director... bueno, el director, guionista, protagonista y lo que le echaran. Hubo quien de entrada dudó, sobre todo porque "Last house on dead end street" venía firmada por "un tal" Victor Janos (y encabezada actorilmente por "otro tal" Steven Morrison). Pero sí, Watkins era el genuino y verdadero culpable oculto tras aquellos falsos nombres. Confirmado pues el asunto, el hombre ganó protagonismo y comenzó a ser entrevistado en fanzines ("Ultra Violent" o el "Neon Madness" de Andy Copp), además de acudir a sendas convenciones y ver como su película conocía tardía revalorización y era editada en dvd por alguna compañía modesta dedicada a esta clase de escoria audiovisual. Pero ¿¿cómo comenzó todo??.
En 1973 Roger Watkins era un estudiante de cine neoyorquino de tan solo 22 primaveras, toda una ristra de cortos amateurs previos (comenzó a los diez añitos), loco por debutar en el cine comercial y, sobre todo, epatar. Así, lió a una panda de colegas (muchos estudiantes como él), pilló una cámara de 16mm, 1.500 dólares y comenzó a rodar "Cuckoo clocks of hell" (¿?). Puesto que su intención consistía en llamar la atención a cualquier precio, decidió tirar de elemento "shock" a todo trapo. A lo largo del film veremos imágenes reales de un matadero, violencia y crueldad a espuertas, algo de tetas (algunas muy apetecibles, como la chavala que se baña en cueros, con pinta de ser una filmación totalmente casera) e ideas tan absurdamente descabelladas como aquella en la que una mujer blanca se pinta la cara de negro, con los labios en plan "El cantor de jazz", y, arrodillada, es atizada látigo mediante por un desaprensivo. Provocación al cubo. Claro que estamos en los setenta, y como la panoja escasea, Watkins tira de lo obvio, personas hablando y hablando. Planos largos en los que poco ocurre y banda sonora minimalista a base de ruidos y efectos de sonido. No es hasta el clímax final donde, ahora sí, el asunto "truculentoso" gana enteros y, vale, hay cierto despliegue de mala leche, especialmente con la escena de la muchacha mutilada en la camilla u otro de los instantes "célebres" de la película, el productor porno obligado a chupar cual falo la pata de una cabra surgida de la bragueta de una mujer destetada. Luego, le taladran el ojo, ¡ea!.
Con toda su tremenda tosquedad, en algunos casos muy efectiva a la hora de transmitir malrollismo y sordidez, a la peli le costó lo suyo encontrar distribuidor. Roger Watkins contaba posteriormente que en los primigenios pases provocaba huidas masivas del personal, incluso peleas en platea. Mmmmmh, bueno, habrá que creerlo. En cualquier caso no se comercializó legalmente hasta 1977 bajo, primero, el título de "The Funhouse" (como la -posterior- película de Tobe Hooper. De ahí que algunos carteles tardíos echaran mano del niño deforme de esta para meter en los posters de aquella) y, finalmente, el más famoso y oficial de "Last house on dead end street" (supongo que en espera de sacar suco del éxito de la razonablemente parecida "Last house on the left", a la que incluso manga el slogan). Eso sí, con las escenas violentas algo tamizadas (según su director, la versión íntegra es mucho más extrema) y una voz en off en los créditos finales impuesta, desafortunada y fuera de lugar que nos anuncia la captura de los criminales por parte de las autoridades. Tampoco así la cosa terminó de rular, y Roger Watkins, casado y con un retoño en camino, se vio obligado a aceptar la oferta para dirigir pornografía (esta vez bajo el alias de Richard Mahler), asunto en el que centraría el resto de su trayectoria... o casi. Es cierto que no debe sorprendernos el absoluto oscurantismo en el que vivió sumido durante décadas. Digamos que, hasta cierto punto, él mismo se lo buscó. Ya han visto que firmó su primer largometraje con seudónimos. Idéntica treta utilizada luego durante su tránsito por el cine de mete-saca. Sin embargo, entre medias se salió para rodar otra de terror, "Shadows of the mind", cuyo traumático rodaje le llevó a, primero, firmarla como Bernard Travis (no fue hasta 2005 que se descubrió el pastel) y, segundo, seguidamente liarse con una comedia en la que contaba, justo, las trifulcas de aquel rodaje accidentado. "Spitoon" se llamaba y si no la han visto es porque el resultado final disgustó tanto a Watkins que decidió destruir el negativo antes de que se hicieran copias, ¡¡ja ja ja!!, ¡¡alma de cántaro!! así ¿¿cómo iba nadie a saber de tu existencia?? ¡¡que mala es la severa autoexigencia!!
¿Cambió mucho el panorama tras el renacer de "Last house on dead end street"? No mucho. Watkins anunció sendos nuevos proyectos que jamás llegarían a ver la luz del día ("Hobo Floats" y "Darkness at the edge of town") y, precisamente de la mano de Andy Copp (y Fred Vogel, de los "August Underground"), co-escribió un posible guion para "Last house on dead end street 2" que nunca se produjo. Entre otros motivos porque Roger Watkins palmó. El mentado libreto terminaría siendo editado en e-book, por si a alguien le pica la curiosidad y el sobaco.
Centrándonos ya del todo en la película reseñada, pues bueno, no deja de ser una curiosidad a la que, si le echas paciencia, se le puede dedicar un ratejo. Es aburrida, sí. Es cutre, también. Y las escenas sangrientas desde luego no son tan verosímiles como para plantearse la idea del "snuff" genuino. Pero tiene sus aciertos estéticos, sus momentos intensos (sobre todo gracias al sonido) y esa amoralidad + misantropía + nihilismo tan radicales y que tanto ponían a los fanzineros del periodo. Por supuesto Watkins, declarado fan de Luis Buñuel, justificaba todo ello con verborrea intelectualoide y "arty", otorgando a su producto puramente "exploiter" atributos más elevados de los que realmente le pertocan ("mi pretensión era chocarte y hacerte pensar" decía, sí... ¡en la lista de la compra!)... pero ya sabemos como funcionan estas movidas, igual que el hecho de que, una vez superada la "fiebre" respecto a "Last house on dead end street" -y una vez disponible para ver y saciada la curiosidad morbosa- rápidamente regresó al cajón de las olvidadas.

HAZLO POR MÍ

Los noventa fueron la década en la que se puso de moda el thriller erótico. "Instinto básico" tuvo un tirón increíble y, por supuesto, generó montones de imitaciones y exploits.
"Hazlo por mí" no es exactamente una imitación, pero se adscribe -a la española- a un género ya en desuso; es decir, un poco chabacano e indefectiblemente pobretón, teniendo siempre muy presente el arquetipo de la rubia cachonda que utiliza sus atributos sexuales para conseguir sus objetivos, volviendo completamente loco a todo el personal masculino.
De esta forma, Ángel Fernández Santos pone en marcha, intuyo que con palos y piedras, un thriller de ese corte encabezado por actores y actrices que, a día de hoy, quizás por la edad, ya no se dejan ver mucho en el cine, pero que en 1997, año de rodaje de la película, eran auténticas cabezas de cartel.
El caso es que se cumplen 30 años de su estreno y, si en el momento nos pudo parecer un thriller correctito, el paso de los años la ha hecho envejecer mal y ahora resultan mucho más visibles todas sus carencias. Pero, en resumidas cuentas, y teniendo presente cómo está el cine español estos días, "Hazlo por mí" resulta un entretenimiento eficaz que únicamente se ve lastrado por unas interpretaciones un tanto desfasadas que hacen que bordee la comedia involuntaria, así como por cierta crueldad por parte de algunos personajes que, de puro exagerada, también provoca la hilaridad (hay un bofetón a un niño pequeño, con sangrado incluido, que es de juzgado de guardia).
Por lo demás, tenemos a Cayetana Guillén Cuervo en su máximo esplendor físico, guapísima con su corte de pelo a capas —muy de los noventa—, como una femme fatale que roza la psicopatía; a Nancho Novo como un camello macarra muy poco convincente; a Carlos Hipólito como hombre de negocios y padre de familia (un papel muy Carlos Hipólito), y a Eulalia Ramón como la abnegada esposa que va dándose de topetazos con los cuernos contra los alcornoques. Mención especial merece la banda sonora, compuesta a partir de músicas de ascensor y "easy listening" de librería, a base de sintetizador noventero (aunque hay créditos para la música en el rodillo final, no sé si pertenecen a las tonadillas a las que me refiero). Es horrorosa y hace plantearse si no hubiera sido mejor dejar esas escenas sin música o pagado los derechos de cualquier otra canción cuando, en una escena, Nancho Novo bailotea algo que suponemos que es rock o heavy metal, pero en realidad se asemeja más a la programación «Foxtrot» de los teclados "Casio".
De este modo tenemos a una pija buenorra y rubia que va asiduamente a visitar a un macarra a la cárcel. Y, cada vez que va, folla con él. Por otro lado, conoce al propietario apocado y banal de una boutique, al que le intuye pasta por un tubo, y se enrolla con él, conduciéndolo a un enamoramiento pasional. Cuando su novio, el macarra, sale de la cárcel, ambos urden un plan para sacarle la pasta al de la boutique. Este consiste en convencer al pobre hombre de fingir el secuestro de su hijo para así pagar las deudas que la chica arrastra de su vida anterior, sacando los millones que precisan del suegro de aquel. Si todo sale bien, se irán los dos a vivir en paz  su romance y sin dolores de cabeza. Pero, por supuesto, la cosa se va de las manos hasta rozar lo ridículo.
Sin más, como ya digo, si pasamos por alto todas las cutradas, que son muchas; las sobreactuaciones, que son unas cuantas; y un par de momentos de transición bastante aburridos, tenemos una película que, para echar un rato, alcanza y sobra. Entre otras cosas porque el guion, firmado por José Miquel Hernández Gascón, es bastante solvente, aunque necesitaba, sin duda, una producción con más dinero del que se le echó.
Del tándem responsable de esta película poco más se supo. Ángel Fernández Santos dirigió otra más, si cabe más ignota que esta, "Catarsis", y lo mismo pasó con el guionista Hernández Gascón, que posteriormente firmó el guion de una TV movie titulada "Mar Rojo". Y Sanseacabó.

CAOS EN ALTA MAR

Indudablemente los noventa fueron una década de oro para Chris Elliot. Y todo a raíz de su gran éxito televisivo, la serie "Get a life! / Búscate la vida" donde, a base de humor eminentemente absurdo, interpretaba a un auténtico cretino que era tan fácil apreciar como detestar. Justo, uno de los fans irredentos del producto respondía al -sobrevalorado- nombre de Tim Burton, por entonces en la cresta de la ola. Tal fue así, que se decidió a rodar un vehículo de lucimiento en formato largometraje para el ahora demandado Elliot. Le encargó un guion a él y a Adam Resnick, co-creador y escribiente habitual de "Get a life!", quienes, básicamente, confeccionaron algo así como un capítulo más extenso de lo normal en el que un personaje igualmente cretino iba a vivir surrealistas aventuras de regusto Burtoniano, a base de muchísima fantasía... aunque, eso sí, llevadas al terreno de la comedia excéntrica. La cosa andaba ya sobre ruedas cuando Burton recibió la oferta para dirigir su mejor película, "Ed Wood", y no pudo resistirse. Decidió abandonar... a medias. Finalmente quedó como co-productor, cediendo las riendas de la dirección a Resnick. Pero eso no importa, porque el film en cuestión, "Cabin Boy" (fantásticamente titulado en España "Caos en alta mar"), rezuma Timburtonismo por todos sus poros... al lado, claro está, del inevitable Chriselliotismo.
Un niño rico, tremendamente gilipollas y detestable, termina formando parte de la tripulación de un sucio pesquero compuesto de marineros paletos. Sin quererlo ni beberlo, se adentrarán en una especie de triángulo de las Bermudas repleto de peligros que, de paso, servirán al imbécil del protagonista para ganarse el respeto de sus compañeros, encontrar el amor y, de paso, madurar.... más o menos.
He leído varias reseñas donde se compara "Cabin Boy" con "El motín del Caine" o "Moby Dick". Sin embargo, incomprensiblemente ninguna hace alusión a, creo yo, influencias mucho más lógicas dada la presencia de Tim Burton y, esencialmente, la trama: las aventuras de "Simbad". Incluso "Jasón y los argonautas". ¿Por qué lo digo? pues porque, comedia a un lado, el film gasta un buen chorro de pura fantasía aventurera con criaturas monstruosas (animadas por un stop-motion muy Harryhauseniano), gigantes amenazadores (en este caso, y de forma hilarante, presentado en la forma de un correcto vendedor de electrodomésticos, ahí con traje y todo), sensuales mujeres de seis brazos, una isla misteriosa... en fin, que sí, que la sombra del director de "Eduardo Manostijeras" o, sobre todo, "La gran aventura de Pee-Wee" (con la que, de manera muy velada, podríamos hacer conexiones, como el hecho de tratarse del traspaso a la gran pantalla de un exitoso y televisivo comediante extravagante), es muuuy alargada. Por su parte, Chris Elliot aporta todo lo demás, un sentido del humor increíblemente estulto, delirante y ridículo que, sin embargo, funciona. A ver, la película no es un dechado de genialidad, pero desde luego entretiene, hace reír, incluso sorprende, en parte gracias a que a duras penas alcanza los ochenta minutos (choca saber que en una primera versión era más larga, pero los implicados -una "Touchstone Pictures" muy descontenta con lo que se llevaban entre manos- decidieron animar el ritmo quitándole escenas. Tuvieron que ser muchas dada la ajustada duración final).
El reparto viene cargadito de caras familiares y algún cameo curiosísimo: Brian Doyle-Murray (en "Get a life!" interpretaba al antagonista de Chris Elliot, su vecino ex-policía), Brion James, Melora Walters (con un currículum donde localizamos títulos de solera como "El club de los poetas muertos" y "Magnolia", pero lo que me ha llamado la atención es que pudo montárselo para salir también en "Ed Wood" y, previamente, se había dejado ver por "America's Deadliest Home Video", debut en la dirección del "amigo de este blog" Jack Perez), Mike Starr, un sorprendente Russ Tamblyn (a pesar de que el subproducto era entonces su terreno natural, tuvo algo de relumbrón durante los noventa gracias a "Twin Peaks"), David Letterman (el famoso presentador de "Late Night", donde Chris Elliot y Adam Resnick tenían plaza fija), Alfred Molina y Ricki Lake (otorgando mucha vida al mascarón de proa del barco pesquero e irreconocible tras la abundante capa de látex).
"Caos en alta mar" fue un señor fracaso allí en los USA. Era demasiado extraña para satisfacer a un público amplio. Al resto del mundo llegó en formato vídeo y Elliot rara vez volvió a ser fichado como protagonista. Pero sí resultó un buen secundario en comedias de éxito como "Vaya par de idiotas" y "Algo pasa con Mary", de los Farrelly, la horrorosa "El profesor chiflado 2" o "Scary Movie 2", donde se marcó un papel icónico como el siniestro criado de mano deforme (retomado recientemente en la chorrísima nueva entrega de la franquicia) y, más o menos, ahí ha seguido desde entonces. Por su parte, Adam Resnick quedó tan tocado que no volvió a intentarlo como director, centrando totalmente sus capacidades en darle a las teclas. Suyos son los libretos de "Combinación ganadora" y "Smoochy".

THE WITCH WHO CAME FROM THE SEA

Es indiscutible que en los setenta Norteamérica vivió un momento de esplendor cinematográfico. Se parieron grandes obras maestras que todos conocemos, y no hay tu tía al respecto. Cuando una película era buena entonces, era cojonuda. Lo que se tiende a olvidar, a ignorar, es que también las había malas. Y cuando una película era mala en los setenta, se tornaba espantosa, gracias en parte a una serie de tics, formas y maneras que no han sobrevivido para nada al paso de los años y, consumidas ahora en todo su esplendor, son absolutamente irritantes. La cosa empeora mucho al meternos en el terreno del "exploitation" y, más jodido aún, uno con ciertas pretensiones artísticas y/o autorales, muy recurrentes en aquella década.
Yo mismo me refería a "The witch who came from the sea" como "la película de terror de Matt Cimber". Es decir, piqué como un tonto. Esto no es de terror, como mucho es thriller, y el título + el cartel (una ilustración de Frank Frazetta que previamente había sido portada para la revista "Vampirella") son puro gancho para... eso, tontos. Da la sensación que Cimber quiso radiografiar la locura de una mujer herida (disfrazándola de género, por aquello de hacerla más vendible), pero no disponía del talento suficiente para abordar el lado dramático del asunto sin caer en el ridículo o la comedia involuntaria, porque haberla, hayla. Mis momentos favoritos serían los siguientes (en sus versiones condensadas): "El asesino de los dos jugadores de fútbol no ha sido una mujer", "¿Quién entonces?", "¡Maricones!", "Pero no puede ser, eran dos jugadores de fútbol", "Todos los jugadores de fútbol son maricones". O esta otra gran afirmación (vomitada entre lágrimas): "El médico dice que tendría que llevar gafas, ¡¿qué se cree que soy, una hippie?!". Semejantes joyas literarias vienen de la mano del responsable del libreto, Robert Thom. Resulta trágico descubrir que, entre sus muchos guiones, figura una cosilla tan entrañable como "La carrera de la muerte del año 2000". ¡¿Qué te pasó, Robert?!. Tal vez influya el hecho de que la absoluta protagonista de "The witch who came from the sea", Millie Perkins, fuese su señora. Mmmmmh, ¿¡quién se dejó cegar complaciendo el capricho de quién?!. Perkins había sido Anna Frank en la primera adaptación al cine de su famoso diario fechada el año 1959. Tal vez por eso resulta chocante verla acá haciendo semejante rol y mostrando en varias ocasiones unas poco llamativas ubres -lo que vuelve a sorprender sabiendo que su pareja andaba metida en el fregao-. Hay quien asegura que es la mejor actriz del film, pero pa mi que se pasa un poco, lo que reafirma mi teoría de que este era un capricho personal de pura auto indulgencia (no siempre maligna, pero a veces -como es el caso- sí). Volveríamos a ver a doña Perkins en títulos tan curiosos como "Jake Speed, la aventura de África", "Necronomicón" o el "Wall Street" de Oliver Stone -al lado de otra personaja singular, la Monique van Vooren de "Carne para Frankenstein"-. Acompañando a la muchacha están el todoterreno Lonny Chapman, la veteranísima Vanessa Brown (con varios clásicos en su haber situados durante los años dorados de Hollywood) y tres figuras intensamente relacionadas con la vertiente más renegada de nuestro cine favorito: Stan Ross interpretando a un siniestro tatuador llamado "Jack Drácula", volveríamos a verle como siniestro enterrador en "Detectives casi Privados". Roberta Collins, con un curriculum impresionante repleto de "exploitation" de los ochenta pabajo, donde destacan unas cuantas películas "wip" -como "Caged Heat!" de Jonathan Demme- o la misma "La carrera de la muerte del año 2000" (vamos, que ella y el guionista/sufrido marido de la prota, se conocían). Pone la guinda todo un "mostro" del calibre de George "Buck" Flower.
"La bruja que vino del mar" (traducción literal del título) sería algo asín como un seudo-culebrón en torno a una chorba sexualmente abusada en la infancia por su padre (con escenas no super gráficas, pero sí algo más valientes de lo que sería habitual... ¡estamos en los setenta, baby!). Ello la induce a sufrir visiones en las que se lía con machos idealizados para, seguidamente, castrarlos (en un momento dado se sirve de una maquinilla de afeitar... ¡¡eso es capacidad!!). El problema viene cuando al día siguiente esos mismos crímenes han ocurrido realmente. ¿¿Es ella que mata de forma inconsciente, es otra persona o es la puñetera furcia natatoria, que dirían "Monty Python"??. Todo servido al peor modo de los setenta, en su estética tirando a mundana, las/los características/os vestimentas y peinados (capaces de provocar conjuntivitis), sobre dialogada mediante interminables balbuceos en torno a cuestiones tontísimas + carentes de sentido y, como supuesta obra con pretensiones que en el fondo es, un montón de situaciones absurdas. Vamos, casi una parodia de lo que podría considerarse arte y ensayo. Habrá algún pazguato que la califique de "alegato feminista"... no se engañen, esto viene parido por machos de notoria mentalidad "exploitativa". El final se supone trágico, de llorar, pero lo único que consigue es aliviarnos tanto dolor y sufrimiento.

JAULA SIN TECHO

Ted Post, proveniente de la televisión, es un director que no deja de resultar curioso debido a la carrera que llevó, trufada de capítulos sueltos de series de éxito, amén de incursiones en la gran pantalla tan notorias como “Regreso al planeta de los simios”, “Harry el fuerte” y otras de corte más artesanal y tirando a cutre, como “Los valientes visten de negro”, cinta independiente que, gracias a pequeños pases en cines remotos, consiguió finalmente una distribución que pondría a Chuck Norris en el firmamento de las estrellas, o la que hoy nos ocupa: “Jaula sin techo”, que, de malsana y bizarra que es, por momentos adquiere tonos paródicos.
Cuenta la historia de una familia bastante turbia (posiblemente endogámica), compuesta por una matriarca, sus dos hijas (unos putones) y un hijo de unos veintipocos años con un severo retraso mental que no ha evolucionado intelectualmente desde que nació. De esta manera, su madre le pone trajecitos de bebé, lo acuesta en una cuna y, durante el día, lo mantiene en un parque infantil con barrotes.
Un buen día llega a la casa una asistenta social que, por un lado, intenta conseguir que el muchacho evolucione mentalmente y, por otro, se huele que este no ha crecido por algún asunto turbio que se traen entre manos su madre y sus hermanas. Por ello, sus visitas al hogar de la familia son frecuentes, hasta el punto de que acaba obsesionándose con el “bebé” y el resto del clan, tomando la historia giros inesperados.
No está nada mal esta película.
Y, aunque tiene toda la pinta de ser un exploitation destinado al circuito de cines marginales, en realidad se trata de un film de presupuesto modesto surgido de manera independiente. El hecho de que la dirija un artesano como Ted Post no es más que una circunstancia. Y es que el guionista, Abe Polsky, que ya tenía el libreto escrito, anduvo detrás de Post cerca de un año. Este rechazó hacer la película porque le resultaba demasiado oscura y extraña, y no se veía con ganas de ponerse al mando de semejante cosa. Sin embargo, cuando el proyecto estuvo más avanzado, aceptó, convirtiendo “Jaula sin techo” en una película de culto, principalmente gracias a su dirección.
Durante lustros, popes del cine chungo han añadido este título a sus interminables listados de películas “tan malas que son buenas”, aunque en más de una ocasión han tenido que desestimarla, alegando que extraña es un rato, oscura y bizarra también, pero que, en absoluto se trata de una película incompetente o mal hecha, a tenor de su guion bien resuelto y de una dirección artesanal, pero efectiva. En consecuencia, roza ese umbral, pero ahí anda, con un pequeño culto de cinéfilos finos que la reivindican.
Por otro lado, las risas que pueda provocar no vienen de una posible comedia involuntaria, sino del fino (y negrísimo) sentido del humor de sus artífices, volcado sobre todo en la interpretación del trío femenino protagonista y en la del actor David Mooney, quien dio vida al retrasado mental no evolucionado y estancado en bebé, no sin cierta sorna y rozando por momentos lo ridículo. Para componer su personaje, investigó y observó a niños con deficiencias mentales en varias instituciones para, posteriormente, incorporar sus gestos y actitudes a su interpretación (digo yo que tendría que haber observado bebés, pero bueno...), llevándola al paroxismo. Asimismo, antes de que la producción eligiera a Mooney, un jovencísimo John Travolta hizo una prueba para optar al papel, pero fue rechazado de facto.
La copia que yo he visto estaba doblada, pero conserva los sonidos de bebé reales que emite David Mooney en la versión original. Existe una primera versión con sonido directo, pero, en algún momento del montaje la pista original se perdió y el actor tuvo que doblarse. Por ello, se optó por insertar sonidos y llantos de un bebé real, logrando un efecto aún más inquietante del que ya transmite de por sí. Además, para reforzar la sensación de infantilismo, durante el rodaje Mooney se afeitaba todo el cuerpo, detalle que, sin embargo, pasa completamente inadvertido mientras vemos la película.
En definitiva, se trata de un film, sobre todo, curioso; por momentos desasosegante y puro género setentero que, pese a un par de instantes un tanto tostón, se disfruta perfectamente porque es un catálogo de excentricidades por parte del bebé, de las dos hermanas putones y de la madre que los parió a todos. Y eso por no hablar del estupendo girito final que, al menos yo, no me esperaba ni por asomo.
"Jaula sin techo" no parece haberse estrenado en los cines de nuestro país en su momento. Tampoco recuerdo una edición en VHS, pero sí apareció en la era del DVD en desastrosas ediciones piratas, y la “oficial” fue uno de esos DVD que regalaba la revista "Tiempo". También hubo una edición en Blu-ray de origen pirata hace no mucho, pero, salvo por estas, parece que todos los estamentos la consideran una película menor, casi televisiva y tirando a chunguilla. Pero eso es porque no se molestaron en verla.

ZOMBIE NATION

Dicen que está feo hablar mal de los muertos.... a menos que el cadáver responda al nombre de Ulli Lommel y en vida hubiese hecho "Zombie Nation", una película racionalmente indefendible. Sería un esnob si comenzara a meterle medallas... pero tampoco procederé como todos esos gacetilleros cuadriculados, clones unos de otros, más tontos que una piruleta y carentes de imaginación, dedicados en cuerpo y alma a destruir desde la detestable arrogancia cualquier película "diferente / modesta / peculiar" solo porque no encaja en el / su "status quo", su visión convencional de las cosas. Intentaré ser justo y ecuánime, con las medidas dosis de sal y pimienta... aunque, como decía, cueste mucho no tener algo de tirria a Ulli Lommel, sobre todo si, como yo, has cometido el error de leer algunas de sus entrevistas. Recuerdo en particular una donde se defendía de aquellos que le atacaban por haber plagiado las escenas de derretimiento del personal en "En busca del arca perdida" para el desenlace de su "Terror en Devonsville". Él aseguraba que dicha supuesta mimetización tenía un motivo, un por qué transgresor que consistía hacer recordar a su audiencia la existencia de la otra película y, en el trajín, empujarle a reflexionar y, así, abrirle los ojos respecto a la "maldad" implícita en aquella, uséase, el clásico de Steven Spielberg. Y cuando Lommel habla de "maldad" se refiere tanto a la naturaleza industrial / corporativa del film como, y esto va en serio, un supuesto mensaje para-nazi oculto en sus disfrutables fotogramas. Amigo, no he visto jamás un modo más rastrero, patético y pretencioso de justificar la falta de imaginación... los cero escrúpulos... la incapacidad de uno y el vil oportunismo "exploitativo". Y no se queda ahí el hombre, básicamente recorre a idéntica treta cuando le preguntan sobre el sospechoso parecido de su "Satanás, el reflejo del mal" con "La noche de Halloween". En fin. Por cosas así, y muchas otras, uno no puede evitar sentir algo de asco hacia Ulli Lommel. Sin embargo, en el otro lado está su peculiar naturaleza, su condición de extravagante personajillo de quinta regional con cierto bagaje no exento de interés. Y de ahí que, en ocasiones, sea capaz de meterme entre pecho y espalda alguno de sus furruños audiovisuales. Concretamente, "Zombie Nation" fue rodada justo tras una etapa, situada especialmente entre segunda mitad de los ochenta y los noventa al completo, en la que Lommel, muy desencantado, se limitaba a cumplir con la papeleta y rodar desganadamente productos impersonales de acción y/o fantasía. Así que pilló la reseñada con ciertas ganas. Por año (2004 / 2005) se sitúa justo justísimo en la frontera en la que este "auteur de la inmundicia" le coge gusto a la mini-DV con la excusa de la libertad creativa y se pasa estrictamente al vídeo, terminando de destruir su ya de por sí maltrecha filmografía aunque, eso sí, pasándolo de putifa en el trayecto. Cabe señalar que, al contrario del rumor, "Zombie Nation" está filmada en 35mm. ¿La última, tal vez?. Por supuesto, se lanzó en pleno despegue de la moda zombie y, sí, apenas cuenta con estos en la trama. O, al menos, no como los entendemos hoy en día (y muchísimo menos cómo lucen en el cartel). Eso, y otras cosas que veremos a continuación, fueron las que detonaron el apasionado odio que "Zombie Nation" despierta entre el siempre obtuso fandom.
Así, de entrada, el film gira en torno a un policía de pasado turbio que, aprovechando su condición, secuestra mujeres atractivas, las lleva hasta un almacén de muebles semi-abandonado donde las manosea, tortura y mata para, seguidamente, enterrarlas. Su compañero de patrulla es consciente de ello y quiere denunciarlo, pero teme las consecuencias, sobre todo porque el comisario jefe respalda al criminal con placa. Digamos que, hasta aquí, la peli se desarrolla cual thriller medianamente convencional. Inevitablemente pobre en su acabado, patoso en su montaje y de apariencia acartonada, artificial. Hablaba arriba del almacén en plan "Ikea" donde el psycho cop se lleva a sus víctimas... bien, es evidente que también allí se construyeron los decorados del apartamento del poli bueno, donde mantiene conversaciones tortuosas con su pareja y, sobre todo, la comisaría al completo, increíblemente cutre, ahí con paredes peladas, tuberías por todas partes y los mismos muebles que hemos visto previamente dispuestos para la venta. A pesar de todo, vamos sufriendo el asunto y tampoco es que nos induzca al arrancamiento de ojos.
De pronto hay un salto de tiempo y pasamos a presenciar un incomprensible ritual vudú donde tres negras echan líquidos pringosos sobre una pava joven. Seguidamente, esta cae en las zarpas del poli chungo. Sin embargo, una vez muerta y enterrada, volverá de su tumba para vengarse. Ok, entendemos que es el vudú aplicado el que actúa pero, entonces, ¡¿por que en esa resurrección la acompañan las restantes señoritas asesinadas?!... mmmh, bueno, vale, da igual, que actúen. ¿Y cómo actúan estas zombies escasa y lastimosamente maquilladas? pues como quien se rejunta con sus amigas para ir de despedida de soltera, solo que en lugar de comprar pollas de plástico se las arrancan a los machos que, gracias fortuna, encuentran en medio de desérticos parajes normalmente inhabitados. Y así, poco a poco, se van aproximando hasta la guarida de su asesino. ¿Y qué hace este mientras? recibir la visita de, primero, su padre (cameo para David Hess) y, segundo, un estrambótico doctor interpretado por un desatado Ulli Lommel que, se supone, está ahí para curarle los traumas, pero en realidad únicamente esputa un montón de incongruencias y luego desaparece. Tan inútil narrativamente como la presencia del progenitor. Por supuesto el criminal sigue igual de loco, aunque no tendrá tiempo de matar a otra mujer, las zombies llegan hasta su escondrijo, que ahora es un ¡¿yate?!, y allí se lo cargan, tirándolo al mar. Luego, visitan la comisaría con pinta de okupa, despachan a los allí presentes y, ojo al dato, terminan enfundándose sus uniformes policiales, posado con sonrisa profident incluida. De mientras, el psicópata regresa de la tumba acuática a ritmo sonoro del famoso "Yaketi Sax" de "Benny Hill" (en evidente intención de hacerle la peineta al sufrido espectador, lo que recuera a esta otra guasa).
Bien, analicemos todo ello. Tal y como yo lo veo, es descarado que Lommel se aburrió rodando la primera mitad y para la segunda quiso desquitarse. Diría incluso que la improvisó tal y como le salió de la patata. ¿En nombre de la diversión y el gozo? No, en nombre del arte, porque el zineasta siempre ha dejado claro que él de director de terror y tal, nada, que es un artista dispuesto a coquetear con el género puro, la explotación, para así vender el producto final, pero que lo suyo queda a distancias kilométricas del llamado cine comercial. Ya. La cuestión acá es que, al terminar "Zombie Nation", no cabía en mí mismo. Confundido, desconcertado. ¿Pero qué ha sido esto?. Rápidamente entendí por qué era tan detestada... pero también reconozco que esbocé una sonrisa y pensé "Hostia, que hijoputa el kraut... ¡mola!". Sí, mola. ¿Por qué no? Mola que Ulli Lommel decidiera tirarlo todo por la ventana y, libre de ataduras, hacer lo que le vino en gana. Descojonarse un poco del asunto. Delirar a antojo. Así que, palante. ¡Enga!. Me gustó sentirme agredido sensorialmente, recibir ese hostiazo en todo el careto. Y retumbó, porque los días siguientes todavía pensaba en "Zombie Nation". Y no es que sea una gran película, una obra de arte, culto o lo que quieran llamarla... ¡para nada! es una mierda muy tocha, pero apruebo que su director procediera como procedió. Lo aplaudo. Coño, hay otros que hacen lo mismo y les comen el culo incondicionalmente, como Jesús Franco, por ejemplo. Y no lo digo por decir. Lommel actuó para él y quedó maravillado viendo como rodaba tres películas a la vez en un mismo pasillo durante apenas cuatro horas. Le marcó tanto que, en fin, decidió aplicárselo.
Otra razón por la que elegí ver "Zombie Nation" consistía en poner luz a un misterio o, literalmente, rostro a una persona. Leí que el infame director de cine malrollero Marian Dora se marcaba un papelito, casi un cameo, motivado por su condición de productor ejecutivo al lado de otro que tal bailaba, Castern Frank. El caso es que el culpable de "Melancholie der Engel" aparece.. no exterminando moscas a mazazos, no, en este caso ejerce de enfermero tarado, empujando una silla de ruedas. Y que se oculte tras el seudónimo de M.D.Botulino, ayuda poco (especialmente por las siglas). Es más, he decidido sacar una captura del muchacho que les dejo aquí cerca. Ahora, sumen veinte años a esa faz y, si un día, de paseo por las germanias, lo reconocen, le dan un par de guantazos de parte de "Aquí Vale Todo", gracias (y si resulta que nos equivocamos de persona, luego se disculpan amablemente).

CITIZEN VIGILANTE

Vaya por delante que no tengo nada en contra de Uwe Boll. Desde luego tampoco digo que sea un gran cineasta, pero ¿¿el peor de la historia?? ni de coña. No lo pienso ahora, ni lo pensaba / proclamaba cuando era moneda común y medio fandom, cual corderito, se apuntaba al linchamiento alegremente. Todo ello convirtió al alemán, muy lógicamente, en un filmmaker enfadado y frustrado, cosa que repercutiría en las siguientes películas que hizo, donde se despachaba a gusto con el personal. Eran títulos hasta las trancas de misantropía y muchísimas ganas de tocar los cojones. Y eso es exactamente lo que volvemos a ver en esta "Citizen Vigilante". Calculada al milímetro para cabrear a aquel que se preste. ¿Y lo ha conseguido? Sin duda... claro que, tal y como anda hoy día el patio, no le ha costado mucho.
Hay un justiciero en la ciudad. Acaba con todos aquellos que han cometido alguna fechoría y se han librado del enrevesado brazo de la ley. El pueblo lo adora. La policía lo persigue. Hasta aquí bien, lo normal. ¿¿Una nueva de ciudadanos cabreados que se toman la justicia por su mano?? ¿¿pero cuántas hay de esas?? Sí, sí... eso es exactamente, solo que Uwe Boll puede meterse la medallita de haber procedido haciendo gala de cierta originalidad. Quiero decir, no se limita al rollo del tipo corriente al que le es asesinada la familia y clama venganza hasta que consigue acabar con el culpable. No. En "Citizen Vigilante" este existe desde buen arranque, y en ningún momento nos explican sus orígenes. Simplemente lo hace porque, cree él, es lo correcto. Y, además, no es un héroe. A su lado, "Paul Kersey" era el "Capitán América". El justiciero de "Citizen Vigilante" viene cargadito de materia oscura y actitudes que, hasta cierto punto, se contradicen con su supuesta cruzada. No tiene problema en matar a un inocente si lo considera necesario. Tampoco hace ascos a disparar a sus víctimas por la espalda, cobardemente. Le gusta ir de puterío, por puro placer, y llenar los bolsillos de ese lumpen que tanto detesta. Y lo mismo con la policía, poco importa que compartan objetivo, si debe reventar unos cuantos maderos, lo hará. Pero más que a estos, mafiosos y/o narcos, hay una casta a la que nuestro anti-héroe detesta por encima de todas las cosas, y señala como directa causa de todos los males de la civilización moderna: los inmigrantes (aunque, paradójicamente, él mismo lo sea ¡¿?!). Y es ahí, my friends, donde "Citizen Vigilante" se ha ganado la fama de racista, nazi y todo el catálogo habitual. Boll muestra, sin vergüenza, ni sutilidades, ni culpa, ni mojigatería alguna a los que "vienen de fuera" como los malos, los que merecen pagar y.... joder si pagan. Hollywood suele proceder igual, pero siempre de modo tamizado e incorporando como comparsa del prota a un personaje secundario / positivo de idéntica nacionalidad que el villano. Bien, no es el caso de esta película.
Por evitar estropearles la fiesta me morderé la lengua, pero si son capaces de aguantar pacientemente lo que, así, en general, son 90 minutos bastante plomizos, cutrones, a base de esa fotografía digital desaboría, fría y fea tan propia del cine barato de hoy y repleta de chapas moralizantes por boca del protagonista (de verdad, menuda turra gasta el colega... en un momento dado incluso arremete sutilmente contra los que ven cine gratis... ¡ups!), serán testigos del clímax final más demoledor, salvaje, brutal (no en lo gráfico de la violencia.... aunque tampoco se queda manca) y "cierra-ojetes" que he visto en años. De verdad, alucinante.

Así, de esta guisa, Uwe Boll se marca una de justicieros urbanos perfecta para el momento que vivimos. Esta clase de material siempre ha sido polémico sin importar las yagas en las que metía el dedo. Durante los setenta fueron unas, en los ochenta otras y... ahora son las que son. Y el cineasta presiona a gusto, con saña. Sin embargo, las preguntas del milloncejo son unas cuantas: ¿¿nos la/lo podemos tomar en serio?? Boll, como decía, no deja de ser un provocador, y un exploiter, ¿pecamos de tontos si nos enfadamos viendo "Citizen Vigilante" y luego corremos a echar la bilis en la red?? ¿¿no le estamos siguiendo el juego?? ¿¿tiene sentido que, como justiciero que extermina violadores de menores, haya fichado a un actor cancelado por, justamente, acoso sexual y demás zarandajas turbias como es Armie Hammer (quien asegura arrepentirse de haber participado en el film... ¡chaval, no das una!)?? ¿¿nadie se ha preguntado por los actores que dan vida a "los villanos", todos de su respectiva estirpe??, ¿¿aceptaron por dinero o porque Boll les vendió la moto convenientemente?? ¿¿y qué me dicen de ese Juez de nombre Reinhold, osea, Judge Reinhold?? ¿¿un chiste?? ¿¿y no es absurdo que un supuesto misántropo se curre toda una película para denunciar la escasa protección y justicia aplicada a la sociedad... de verdad esta le importa tanto?? Detalles así dan más alas a la teoría de que el pifostio al completo no es más que un plan premeditado de Boll destinado a alterarnos los flujos, pero, en tal caso ¿¿cómo tomarse la dedicatoria final pre-créditos?? ¡¡ni idea!!.
En fin, sean ustedes los que saquen conclusiones ideológicas y morales de "Citizen Vigilante". Yo, repito, solo puedo decirles que es una cosa mediocre y aburrida... pero con unas maneras contundentes, llamativas y, sobre todo, considerando el panorama cinematográfico moderno, valientes y refrescantes. Menos es nada.
Como curiosidad, mentar la presencia de Olaf Ittenbach encargándose de los efectos de maquillaje. Suyos son los pocos pero generosos momentos gore de la peli, algunos tan exagerados que provocan la risotada.

PSYCHO KILLER

Un asesino recorre las carreteras de Estados Unidos dejando decenas de cadáveres a su paso. No es uno cualquiera, gasta unas maneras altamente despiadadas y brutales, adora a Satanás y escucha black metal, está mazao, con el cuerpo repleto de tatuajes y lleva una máscara anti-gas muy "cool". Nacido para rellenar "blisters", no lo duden. Es tan tan perfecto en su encarnación malvada, que parece de comic, casi un "cartoon" y, de hecho, su apodo encaja a la perfección: Sádico Satánico en la versión española, Satanic Slasher en la original. Sorprende incluso un elemento tan "pulp" en medio de una peli / trama tan seria... sin embargo, pal caso, nos viene la mar de bien. No molesta. Es uno de los muchos efectismos SALUDABLES, casi liberadores, en una época en la que, se supone, el terror de cierta calidad debe alcanzar cotas más elevadas. En cualquier caso, nada más arrancar la película, Sádico Satánico se carga a un policía de carretera delante de los ojos de su compañera y santa esposa. Naturalmente a la muchacha le queda un trauma de aúpa, así pues decide perseguir al asesino, guste o no a sus superiores, para pararle los pies de una maldita vez. La gracia añadida es que Sádico Satánico no se limita a ir de acá pallá matando peña... tiene un plan, uno tremendo, y que, si funciona, expandirá la destrucción a nivel masivo (en nombre de Satán, of course).
"Psycho Killer", fechada este mismo 2026, es una de esas que te pones pensado que vas a ver morralla, lista para coger el sueño, y nada más darle al "Play" te descolocan el logo de "20th Century Studios" y, sobre todo, el nombre del guionista, Andrew Kevin Walker, quien en los noventa anduvo muy de moda tras firmar el libreto de la excelente y todavía influenciable "Seven" (o "Se7en", según su nivel de "hipsterismo"). Rápidamente se le encasquetó el cine sórdido de asesinos en serie como especialidad, cosa a la que él mismo contribuiría firmando otra de mis favoritas de la década, "Asesinato en 8mm". Luego sí, se alejó un poco de ello a lo largo de los años pero nunca perdiendo capacidad, como bien demuestra su todavía reciente colaboración con David Fincher, la estupenda "El Asesino". No obstante, con "Psycho Killer" (por lo visto originalmente pergeñada en el 2007)  Walker retoma las maneras más efectistas y gran guiñolescas de aquella primera etapa, es decir, su especialidad, donde indiscutiblemente se mueve como pez en el agua. E igual que hay "películas de director", "películas de productor" y "películas de actor (léase, estrella)", lo que aquí tenemos claramente es una "película de guionista", porque, la verdad, el resto de la peña implicada poco importa. La dirección recae sobre Gavin Polone, quien debuta con su primer largometraje en esas lides, aunque como productor ha parido títulos de cierta solera, entre ellos "Asesinato en 8mm". La actriz protagonista es Georgina Campbell, a la que vimos en "Barbarian", y, justo, uno de los productores de aquella -y de la más lograda "Weapons"- también mete mano en la reseñada. Incluso el gran Malcom McDowell (otro nombre encasillado en el subgénero de los perturbados) no logra hacer sombra a la labor y presencia de Andrew Kevin Walker, aunque su papel como viejo Satanista un poco poser que, con la excusa, se beneficia a chavalas algo lerdas, tiene indudable gracejo. Se cruzará con Sádico Satánico y no saldrá demasiado bien parado, témome, en uno de los segmentos más regocijantes de una película que concluye de modo intenso y emocionante, dejando la sensación final de estar ante una pequeña y "agradable" sorpresa.
No cambiará el panorama del cine de terror, nadie exagerará sus virtudes online, ni seguramente la recordarán dentro de cinco años... pero como entretenimiento solvente y bien parido, funciona. Ya lo creo.

ESTRENOS MAYO DEL 85

"El noticiero universal" es un periódico cuyo ejemplar del sábado 25 de mayo del sagrado 1985 (año en el que desapareció, tras haber comenzado su andadura nada menos que en 1888), reposaba entre los vetustos archivos de mi familia. Ojeándolo por pura curiosidad, acabé en la sección de estrenos cinematográficos y, como suele ser habitual ya, lo que vi me encantó tanto como para escanearlo y compartirlo acá con ustedes. ¿Qué otro sitio hay mejor?.
Ejerciendo de título estrella localizamos el famoso "Elliot, mi mejor amigo", drama con Henry "el niño de E.T." Thomas y Gene Hackman que, bautizado originalmente como "Misunderstood", fue lanzado de semejante engañoso modo en espera de sacarle algo más de suco al todavía resonante bombazo de Steven Spielberg. Una estrategia muy "exploitation" para un dramón de aspiraciones elevadas (remake de una película europea). La acompañan otras tan curiosas como "Cuando llega la noche" de John Landis (nótese que entre los actores citados no están ni Jeff Goldblum ni Michelle Pfeiffer, sus dos protagonistas), "Justicia Salvaje", el "Acosada" de Sebastián D´Arbó, "Cacería del hombre" de Larry Ludman / Fabrizio De Angelis, "Mis problemas con las mujeres", "Micki y Maude" (doblete para Blake Edwards) y "Razorback, los colmillos del infierno" de Russell Mulcahy, a la que, como película de terror, desprecian sutilmente en los comentarios -lo normal entonces-.
Gran recorte, gran recuerdo (para ampliarlo denle a la tecla Ctrl + botón izquierdo del ratón).

MALDITA GENERACIÓN

Siempre he considerado a Gregg Araki como uno de los mayores oportunistas del "boom indie" de los noventa. Cuando la etiqueta petó, convirtiéndose en una manera establecida de hacer cine, corrió a producir películas que cumpliesen a rajatabla con las expectativas de público y media, alineando en riguroso orden todos y cada uno de sus dogmas, especialmente aquellos referidos a lo que en esos entonces era conocido como "Queer Cinema" ya que Araki era/es gay, uno de tirón combativo (o así se vendía él, claro). Todavía dispuesto a comprarle la moto ingenuamente, acudí al cine para ver "Vivir hasta el fin" que, de tan predecible y acomodaticia como era, me dijo cero. Aunque hubo una experiencia peor, "Nowhere", consumida en el Festival de Sitges. Una auténtica super-paja de un Araki descojonándose en el proceso, cuyo lefazo resultante iba directo a la jeta del personal. Y me parece bien... salvo por el hecho de que la broma se antojaba insufrible. Cuando tocó ver "Doom Generation", la evité. Ya tenía clichado al muchacho y, en fin, apestaba a aquel tipo de "rollo indie" tan de los noventa que detestaba, apoltronado en el efectismo, la violencia "cool", un desarraigo generacional del todo sintético y forzado, rebozado en el cansino "Tarantinismo" que ya todo lo impregnaba. Como decía, una vez más Araki se apuntaba a la tendencia reinante, tanto como para atenuar sus obsesiones homosexuales, remarcando la oportuna y conveniente heterosexualidad del film. Esta vez no piqué. Mi repulsión superaba a mi improbable curiosidad. Y así ha seguido la cosa hasta día de hoy. Nunca jamás vi ni una jodida película más del filmmaker y mucho menos le di una oportunidad a "Doom Generation". Localizarla en vhs como "Maldita Generación" entre la colección de un colega motivó que me replanteara la posibilidad de, por fin, romper con el tabú auto impuesto. He invertido el máximo de paciencia para evitar que mis muchos prejuicios y manías influyeran en el visionado. Ha costado mazo. En los noventa había demasiadas películas "indie" sobre jovenzuelos enfadados que la emprenden a tiros con todo (en lugar de buscar una vía más creativa e individualista... pero claro, eso no vende entradas). Todas artificiosas, desesperadas por llamar la atención a través del impacto y protagonizadas por la clase de chavalada que se consideraba alternativa en los años noventa, una profundamente estúpida (sobre todo porque, por entonces, lo alternativo había caído en las zarpas de las grandes corporaciones, del mainstream, por lo que aquellos que se sumaban asumiendo así una diferencia, únicamente demostraban su simpleza e ignorancia). En fins, vamos allá...
Una pareja de jóvenes desubicados, cabreados y atormentados por sus trifulcas existenciales, se hacen amigos de un tercero como ellos, pero peor, porque este no tiene reparos en matar si es necesario. Y ocurre que el trío protagoniza un homicidio bastante sangriento que les llevará a una eterna huida, carretera mediante, en la que seguirán con sus desmanes asesínicos (© Víctor), casi siempre propiciados por el tercero en discordia. Cuando no matan, follan (llega a oficializarse su condición de trío amoroso), devoran grasiento "fast food", discuten a base de extenso catálogo de tacos variados (con, y no podía ser de otro modo, "fuck" encabezando la lista) o, contrariamente, mantienen estúpidas y elementales charlas profundas sobre el por qué de todo, nada y lo demás.
En contra de "Doom Generation" puedo soltar muchas más cosas de las que ya he soltado, como sus maneras caóticas, la relativa repetición de esquemas narrativos, el que realmente no cuente una historia, sino muestre una sucesión de situaciones, ese "hago cosas raras porque mola, y así soy distinto y más cool" propio del "indie" de la época, sus ansias de transgredir a base de blasfemia y anti-patriotismo tan de manual, etc, etc. Pero también hay cosas buenas. Para comenzar la duración. Agradecidamente escueta. Igualmente, ver en tetas a una joven Rose McGowan como chica mala. Luego, pues cierto sentido del humor más que evidente (en ningún momento Araki se toma en serio su película), una violencia exagerada, truculenta, tan gran guiñolesca que apesta a dibujo animado y, sobre todo, el desenlace, donde adquiere un tono más malrollero, sórdido y medianamente brutal. Eso lo agradecí y ahí se me medio ganó. No obstante, antes de continuar, toca hacer una puntualización.
En su imagen "indie" tan perfectamente milimetrada, Gregg Araki solía mentar al puñetero Jean-Luc Godard como máxima influencia (cineasta al que todos aquellos yankis situados en el supuesto cine independiente, o que pretenden dárselas de artista, citan siempre, tanto que se ha convertido en un cliché). Sin embargo, para "Doom Generation" no fue del gabacho del que más mangó la mariquilla, en realidad eso lo hizo de otro caballero, uno tan asiaticoamericano como él y que responde al nombre de Jon Moritsugu.
Moritsugu llevaba desde finales de los ochenta produciendo cortos y largometrajes desde la más -esta vez sí- genuina independencia (algunos usan el término underground, pero lo considero bastante debatible). Todos a base de mucha locura, caos, colorido (salvo cuando tiraba de blanco y negro), personajes extremos, humor extravagante, violencia y actitud (a Moritsugu se le conoce como "el padrino del cine punk"). ¿Títulos? "Hippy Porn", "Terminal USA", "Fame Whore", "Pig Death Machine" y "My degeneration". ¿Estoy insinuando que Gregg Araki robó de aquel? eeeeh.... no sabría decir, porque eran colegas y tal, pero las conexiones apestufan. Ya no solo por la coincidencia relativa de títulos en sendos casos ("Totally f***ed up" de Araki versus "Mod Fuck Explosion" de Moritsugu), también están el prota de "Doom Generation", actor habitual de Moritsugu (James Duval quien, curiosamente, ha terminado saliendo en las películas de Shawn C. Phillips, véase "Amityville Karen") y, bueno, que la misma "My degeneration" moritsuguiana asoma por una pantalla durante una escena del film de Araki. ¿Honesto? Tal vez. Claro que, después de todo Jon Moritsugu no dejaba de inspirarse en John Waters (+ Godard, oooooobvio es)... y John Waters en ya saben quien, así pues...
El resto del reparto lo componen el guaperillas Johnathon Schaech, quien luego haría algo de carrerilla (era el psycho en "Una noche para morir"), Parker Posey, la famosa "proxeneta de Hollywood" Heidi Fleiss y Perry Farrell de los "Jane´s Adiction". Todo muy "cool".
Una vez el "boom indie" noventero pasó, Gregg Araki comenzó a perder fuelle. Lo normal. Hizo algunas películas más que nadie recuerda y terminó dirigiendo episodios sueltos de series varias (entre ellas ese HORROROSO ABORTO titulado "Monster: the Ed Gein story", por el que deberían colgar a sus máximos responsables). Es lo que tiene apuntarse a una moda, o aprovechar su auge para exprimir la mandarina. Cuando se agota, tu te agotas con ella y, lo que es peor, dejas de ser un "auteur" para convertirte en un mero artesano cumplidor de amplias tragaderas. Le ha pasado a tantos otros, entre ellos Tom DiCillo (¿podríamos añadir a Gus Van Sant y Kevin Smith a la lista? ¡¡juas!!).

Cuando cualquier creador medianamente puro logra hacer de su pasión un laburo, inevitablemente algo le muere un poquito en los adentros.

CENIZAS BAJO EL MAR

Salvador Sáinz, presencia ineludiblemente asociada al fanta-terror español, actor secundario en mil y una películas de toda calaña —del pasado y del presente— trabajando para toda suerte de directores (y "directores"), más allá de su eterna lucha contra Paul Naschy, nos guste más o menos, se trata de una figura de incuestionable culto que opera a los márgenes.
Si bien a principios de milenio se rodó él solito, con palos y piedras, una serie de cortometrajes de animación mediante característicos diseños y extrañas maneras de proceder, fue en 2014 cuando, sin ningún tipo de rubor, decidió rodar un un dramón de padre y muy señor mío en el que él sería hombre orquesta produciendo, escribiendo, dirigiendo y protagonizando la primera versión de "Cenizas bajo el mar", que así se tituló.
Se trata de una turbadora historia sobre un hombre y una mujer, enfermos terminales los dos, que deciden irse a la costa a pasar sus últimos meses de vida. Por supuesto, el roce hace el cariño y, de esta manera, surge el amor que se traduce en tórridas escenas de sexo. En la fase final de la enfermedad, el hospital envía a un enfermero para que les atienda y, además de ello, se inmiscuye con ambos en lo que acaba siendo un triángulo amoroso, que desembocará en inesperadas consecuencias.
Se trata de uno de esos cortos en los que hay que frotarse los ojos varias veces para cerciorarse de que uno no está soñando, sobre todo en las escenas de sexo entre Sáinz y Eva María Milara, y en los tríos entre estos dos y Gerard Toldrá —actor que, por lo demás, le pone mucho empeño— que resultan del todo menos sugestivos pero, sin embargo, se convierten en el principal interés del corto.
Se trata de un tema muy delicado tratado de manera muy desasosegante e inconsciente.
El caso es que el corto en sí, en su delirio, se deja ver perfectamente y resulta extrañamente entretenido.
Sin embargo, tras un tiempo, desconozco el motivo, Salvador Sáinz decide convertirlo en un largometraje. Y como no hay más material con el que llegar a la hora y poco necesaria, Sáinz rellena metraje de una forma un tanto peculiar, que es añadiendo a la trama, con calzador, alguno de sus cortos de animación. Así, en una escena en la que la pareja protagonista se sienta a ver un poco la televisión, el director nos cuela su corto del 2004 “Los Querubines”, pieza de animación 3-D bastante rudimentaria  sobre unos angelitos que van para acá y para allá, con piratas, sirenas, minotauros y toda suerte de seres mitológicos que aparecen en escena y unas veces están doblados por actores o el propio Sáinz y, otras, usando las reconocibles voces de un programa informático de la época, el famoso "Loquendo", que le dan a todo un tono de locura difícil de digerir.
No contento con eso, y todavía un poco corto -valga el mal chiste- para llegar a pasar de la hora, en una escena en la que nuestros protagonistas son acechados por la muerte, Sáinz transiciona para colarnos otro corto de animación completo, esta vez “La danza macabra” de 2011, en el que unos esqueletos bailan siniestramente al ritmo de la música clásica (por aquello de no pagar derechos; incido para decir que en las secuencias de sexo, por el mismo motivo, suenan los primeros segundos de la canción “Careless Whisper” de "Wham" en un bucle interminable que induce a rozar la locura) para acto seguido ver como unos soldados del ejercito nazi masacran judíos o practican sexo homosexual.
Salvador Sáinz integra así a la trama dos de sus cortometrajes, llega a la hora y dieciséis de duración y no solo convierte su corto en un largo, sino que, prácticamente, ofrece un trabajo integral, no con toda su obra, pero sí al menos con la más digna de verse.
En definitiva, como largometraje, “Cenizas bajo el mar” es una legítima obra de cine “trash”, con ínfulas de cine de autor, con un resultado tan anárquico que es muy difícil que pase inadvertido para todo aquel que se siente frente al mismo. Ver esta película con público estándar del que va a cualquier filmoteca, es una experiencia cuando menos curiosa.
Top Ten de cine chungo español.

LOCA ACADEMIA DE MALEANTES 1

En esta ocasión, y para variar, los distribuidores españoles de vídeo fueron muy avispados cuando decidieron bautizar "The Under Acheivers" con semejante llamativo, aparentemente distinto y, sí, oportunista título. ¿Por qué? Porque estamos en 1988 y si algo todavía colea a la hora de atraer espectadores, aunque un poco menos, es "Loca academia de policía" y sus interminables secuelas y/o coetáneas. Y no solo eso, es que, además, "The Under Acheivers" va en total y absoluta consonancia con aquellas y las de su naturaleza, es decir: Grupo de desarraigados / perdedores natos, situados fuera de contexto, luchan contra figuras autoritarias, siempre malvadas y peor intencionadas, para terminar demostrándoles que son mejores, superiores, gracias a aquel que les ha ido guiando y comandando, un golfo simpático, algo gandul y jeta, pero encantador, quien terminará enamorando a la recta damisela que de entrada le rechaza sin condicionantes. Todo ello empaquetado a base de sketches picantes un poco gruesos y condimentado con sendas tetas. ¿¿Suena, verdad??. Lo siguiente consiste en cambiar el lugar donde se desarrollará todo (una academia de policía, una universidad, un campamento de verano, una cárcel, un escuela de conducción, bla, bla, bla) Pal caso hablamos de enseñanza nocturna. Es algo parecido a lo que ocurría con los slashers. ¿Qué festividad todavía no ha sido explotada para que el psycho-killer de rigor dé rienda suelta a sus instintos homicidas? Aplíquenlo ahora a instituciones. Y cambien a Bill Murray por... por.... bueno, ahí radica uno de los muchos muchísimos problemas de "Loca academia de maleantes 1", ¡¿quién es Edward Albert?! Sí, le hemos visto antes en "La galaxia del terror", lo que no es moco de pavo, pero desde luego queda lejos de ser carismático y divertido (menos aún con esa cinta en el pelo). Él es el buque insignia de un reparto muy amplio y, en algunos aspectos, muy curioso, repleto de caras y caritas conocidas. Veámoslo. La coprotagonista, Barbara Carrera, adentrándose ya en las parcelas más oscuras de su decadente trayectoria, Michael Pataki, Vic Tayback, el efectivo cómico de segunda Mark Blankfield, James Van Patten, de la famosa casta, una histriónica -pa variar- Susan Tyrrell, Garrett Morris, Fox Harris, habitual de Fred Olen Ray, Burton ("Sillas de montar calientes") Gilliam, Burt Ward (el "Robin" del "Batman" sesentero) y dentro del apartado eminentemente tetil, la bella y mítica Jewel Shepard en plan "trekkie" y Becky Le Beau, cuyas enormes aldabas la llevarían directa a las zarpas de, como no, Jim Wynorski.
Pero lo trágico no es semejante despliegue de semi-talento para lo que al final es una película increíblemente aburrida, hueca, desalmada y lo que es peor, NO DIVERTIDA (que es lo que es), la verdadera fatalidad viene cuando descubrimos que estamos ante la siguiente obra firmada por Jackie Kong tras su estupenda, y con méritos de sobras, "Fonda Sangrienta" (justo, los hermanos diabólicos de aquella, así como el chef-ventrílocuo, repiten acá). Cojones, si hasta la previa, "Patrulla de noche", también otro "exploit" de "Loca academia de policía", era mucho mejor dentro de su cafrería (y, por cierto, es mencionada durante un diálogo). ¿¿Podría ser incluso peor la reseñada que "El Ser", olvidable debut de la muchacha??. Pues sí, podría. Da que pensar que el éxito de "Fonda Sangrienta" la catapultó razonablemente y logró levantar este proyecto, colaborando con el mismo productor de aquella, Jimmy Maslon (quien se casca un cameo como punko. Suya fue la responsabilidad de revitalizar el legado y la carrera de Herschell Gordon Lewis), un guionista de la cantera "Saturday Night Life" y "Second City", Tony Rosato, y, por supuesto, el inevitable Mr. Osco (ejerciendo esta vez de "creative producer", aunque la tipografía de sus créditos se ve distinta... a saber si fue una imposición de último segundo. No olvidemos que era pareja de Jackie Kong y, muy probablemente, en esos momentos se encontrarían en plena separación. También se marca un cameo interpretando a un -como reza en los créditos- "tío majo" oculto tras el alias de Johnny Commander). Resumiendo, la cineasta logró contar con mayor panoja, fichar a peña más popular y lanzarse a parir aquello que -soñaría ella- terminara catapultándola hacia el mainstream (sí ocurrió con uno de los co-guionistas, Gary Scott Thompson, futuro co/escriba de "El hombre sin sombra" y "The Fast and the Furious (A todo gas)" nada menos). Pero no coló. La cosa hizo aguas por todas partes, fue el fiasco que es y puso broche de mierda a su carrera. Mundo cruel este, my friends. No volvió a pensar en dirigir hasta la reciente revalorización de "Fonda Sangrienta" y su figura (a través del irritante prisma del neofeminsimo, al que la tipa se aferra como la razón -ser hembra- de su final.... no cariño, eso pasó porque tu última película era un furruño pestilente) y lió una campaña de crowdfunding para una nueva comedia. Pero tampoco cuajó (¿culpamos nuevamente al sexismo imperante, darling?). Así pues, de momento se limita a escribir guiones para tebeos. Y ya veremos si regresa a las cámaras.
Mencionar en el apartado técnico a David L. Hewitt, un especialista en efectos ópticos y director de un puñado de morralla zetosa por ahí los sesenta ("The time travelers", "The Wizards of Mars", "Dr.Terror´s gallery of horrors" o la más conocida "The mighty Gorga") y setenta (el mondo "Sexual freedom and permissiveness in America", la pei "wip" de nazis chungos "The women of Stalag 13" y su última obra completa como director, "The Lucifer complex"). Fassszinante.
Como decía, "Loca academia de maleantes 1" viene cargadita de chistes picantones, un poco de sal gruesa, destetes (en este caso no solo ubres, también algún fugaz desnudo masculino... coño, se tiene que notar que hay un, eso, coño mandando) y maricas locas. Por supuesto hoy día existen gilipollas con pedigrí que consideran semejantes virtudes defectos criticables. Ya saben como anda el patio. Van tan cegados con el olor de sus "virtuosas" heces que no ven el verdadero aspecto despreciable de "Loca academia de maleantes 1" -y evidencia de que la Kong ponía el ojete en busca de su integración-: MORALINA, una característica reprochable que en realidad era muy propia de las comedias mainstream de la época, pero no lo esperábamos de la directora de "Patrulla de noche". Al revés de lo que sueltan los gilipollas mentados (quienes no parecen considerar que la directora, aunque nacida en USA, viene de descendencia china), el film es un canto a la pro-inmigración (y a lo beneficioso de la enseñanza nocturna), ya que eso son la mayoría de desarraigados, mientras que los villanos, sus profesores, se presentan como gente perfectamente blanca y extremadamente racista (de ahí los comentarios y chistes xenófobos) decidida a hacer fracasar el honorable intento de instruir a todos esos sucios extranjeros que ni saben hablar inglés. Al final todo acabará bien. Los desarraigados demostrarán (gracias a un discurso motivador del seudo-Bill Murray) que en realidad son currantes y saben cuando dejar de hacer el ganso para ponerse seria y lograr sus objetivos. Los malos pagan, todos encuentran el amor (especialmente la pareja protagonista, of course) y terminarán bailando felices... salvo un último, ultimísimo gag pre-créditos algo bizarro, medianamente incomprensible (parece casi improvisado), pero que es demasiado poco -y demasiado tarde- para trascender.

LOS OJOS DE UN EXTRAÑO

Un asesino chunguísimo tiene aterrada a la población (sobre todo si es femenina, aunque también han caído sendos machos). Primero acosa a las víctimas telefónicamente y, aluego, se cuela en sus casas, las fuerza sexualmente y -mayormente- estrangula. La policía no avanza en sus pesquisas, cosa que cabrea como una mona a nuestra protagonista, presentadora de televisión. Un día comienza a sospechar que el, en apariencia, tranquilo vecino es el asesino, así pues decide ponerse a investigar. Lo malo es que la mujer carga con una hermana sordomuda y ciega, ¡nada menos!, resultado del trauma de haber sido secuestrada y, entendemos, manoseada de cría por un pederasta, ¡válgame cristo!. Solo falta que los fisgoneos de su consanguínea la conviertan otra vez en víctima de un tarado... cosa que, obviamente, terminará ocurriendo porque sino, no habría película.
Con todo lo que mola hoy día reivindicar a los artesanos que entre los setenta y ochenta cultivaron el cine de género -especialmente el terror- dedicándoles libros o documentales, me extraña un huevo que alguien como Ken Wiederhorn todavía no haya pasado por tal trance. Si lo miramos bien, le sobran méritos: "Ondas de choque" (con una presencia más que constante mediante televisor en "Los ojos de un extraño"), "La divertida noche de los zombis", "Torre de Cristal" y las comedias "Desmadre en la universidad" o "Los albóndigas atacan de nuevo". Yo lo achaco a que cae mal. Seguramente por haber afirmado en más de una ocasión que el terror no le molaba, pero era lo que tocaba si pretendía ganarse las garrofas. Y, también, por ser el responsable de la mencionada secuela de "El regreso de los muertos vivientes" que, aunque hoy haya ganado adeptos, durante muchos años -y, sobre todo, en la época de su estreno- fue profundamente odiada por el fandom. Puede ser eso, o que Weiderhorn no esté para nada orgulloso de su trayectoria y, simplemente, rechace parlotear al respecto. ¿Tiene motivos? Hombre, pues tampoco. Hay cineastas mucho menos dotados a los que se ha puesto en un pedestal y, concretamente, el caso de "Los ojos de un extraño" vendría a ser especialmente representativo porque, literalmente, es su mejor película. Tanto como para terminar adquirida y distribuida por "Warner Brothers".
Otra razón por la que no acabo de comprender el más bien oscurillo estante que ocupa el film es la directa implicación en los efectos especiales de todo un Tom Savini camino de la gloria (con ayuda de otro jefe, Dan Gates), lo que, a modo de guiño simpático, justifica la presencia del cartel de "Dawn of the dead" en un cine al que acuden los protagonistas. Sus reconocibles salpicaduras de roja sangre y demás trucajes están bien presentes en una película que, de no ser por estos, se podría calificar más de thriller que de terror (y me niego a tirar del término "slasher", porque no). Son las escenas en las que el asesino actúa donde asoma la sordidez y, especialmente, cierta casquería medianamente gráfica.
También llama poderosamente la atención el co-guionista, Ron Kurz, quien venía de firmar para Wiederhorn el libreto de "Desmadre en la universidad" (eso sí, oculto tras el alias de Mark Jackson) y terminaría responsabilizándose de teclear el segundo "Viernes 13" (además de "Porquis 13 / Off the wall", encargo que marcó el final de su curre como escribiente de largometrajes... menudo trauma).
Podemos acusar a "Los ojos de un extraño" de parecerse un poco a ciertos títulos previos como "Sola en la oscuridad" o "Terror Ciego", por aquello de la invidente siendo angustiosamente acosada por un psicópata. Incluso hay destellos de "Someone´s watching me!", el televisivo primerizo trabajo de John Carpenter o "Maniac", la de William Lustig (que, por cierto, contaba también con triquiñuelas de Savini), aunque este último caso habría que estudiarlo con lupa porque únicamente las separa un año.
A la cieguita la interpreta una entonces debutante -para las películas, todo su escaso bagaje previo era exclusivamente televisivo- Jennifer Jason Leigh. Podría decirse que es lo mejor de la cinta sino fuese por la presencia del infravalorado John DiSanti interpretando al enfermo homicida. Ambos se pasan casi todo el metraje sin soltar prenda, transmitiendo a base de gestos y expresiones, y cumplen perfectamente. Con la Leigh no hay queja porque, como todos ustedes saben, hizo carrera y menuda fue/es. Con DiSanti el cantar es diametralmente opuesto. Venía de colaborar con Wiederhorn en la simpática chunguez "Desmadre en la universidad" dando vida a un desfasadísimo seudo-John "Bluto" Blutarsky. Verlo aquí convertido en frío y despiadado asesino, incluso sorprende. El hombre merecía algo más de reconocimiento, oiga. Acompañan a ambos intérpretes una actriz que, para compensar, no para de largar por los codos, Lauren Tewes, presente en un montón de series míticas de la época, destacando "Vacaciones en el mar", donde tenía rol fijo.
"Los ojos de un extraño" es, como decía, la obra más decente de su director. Dura lo que tiene que durar (80 minutos y poco), gasta un acabado muy digno, los actores cumplen, el suspense abunda, el ritmo es llevadero y las sangrías de Tom Savini contribuyen a impedir que la cosa pierda fuelle. Tal vez incluso en ocasiones pise demasiado el acelerador (por ejemplo, el modo en que DiSanti descubre la identidad de su acosadora está un poco pillada con pinzas), pero yo lo agradezco y probablemente ustedes también. Con un trabajo así, y una "Warner Brothers" detrás dando el visto bueno, lo lógico es que la carrera de Ken Wiederhorn despegara por todo lo alto... pero no. El resto de su currículum lo componen subproductos y morralla cajatontil. Tal vez podríamos achacarlo a los breves momentos descomplejadamente exploitables del largometraje, que siempre quitan "lustre" (la intensa y explícita escena inicial de agresión a una mujer, los destellos de gore, las tetas...) o, tal vez, haya detrás una razón más oscura sobre la que nunca oiremos ni leeremos. No importa, con "Los ojos de un extraño" en sus alforjas, Ken Wiederhorn puede morir tranquilo.