lunes, 19 de noviembre de 2018

MI PRIMER PECADO (CHARLIE AND THE HOOKER)


Manuel Summers es el claro ejemplo de un director de corte muy personal que supo hacer un cine de autor que a su vez resultaba del todo populachero. Además de ser un señor con un estilo propio anclado en los sesenta y setenta. Sus películas protagonizadas por adolescentes que se enfrentan a mil y un problemas, fueron del interés de las plateas de aquellos años. Y en parte, lo fueron gracias al sensacionalismo que le gustaba arrojar al director sobre el espectador.
Con la muerte de Franco, todos los españoles vieron una puerta abierta para hacer uso de su libertad, máxime en el gremio de los artistas. Así, Manuel Summers, que ya venía de hacer montones de películas sobre adolescentes embarazadas, hizo una película más sobre adolescentes en la que se pasaba de picante. En “Mi primer pecado”, también conocida como “La primera experiencia”, además de tener pre-adolescentes masturbándose cómo locos ante los Penthouse y Playboy de marras, tenemos una relación más o menos carnal entre un jovencito y una prostituta.
En consecuencia, con la censura todavía activa, y dado el alto contenido sexual de la cinta, esta no pudo ver luz aún con Franco muerto. Así que durante todo 1976 la película se quedó en las latas a la espera de que censura diera el visto bueno. Sin embargo, con la entrada de la democracia, la censura tenía los días contados, por lo que esta  quedó abolida el 1 de Diciembre de 1977. Cuatro meses después, cuando ya sí, los cineastas pudieron ejercer su libertad, “Mi primer pecado” se estrenó en salas de toda España congregando casi a un millón de espectadores a las salas. Uno más de lo éxitos de Summers.
Vista hoy, la película resulta de lo más cerda, sórdida y desagradable. Sin embargo, mucho me temo que la realidad sexual de los adolescentes de la España post-franquista, debía ser algo muy parecido a lo que se nos muestra aquí.
En ella, dos monaguillos, pasan las tardes después del cole masturbándose en grupo como jodidos monos salidos. Unas veces usan revistas, otras veces, ayudados por las grabaciones que de manera clandestina hacen de las confesiones de las feligresas que pasan por el confesionario de su parroquia.
En una de estas, descubren una atractiva muchachita que cuenta unas peripecias del todo carnales que les sirven a los muchachos de estímulo, hasta tal punto que llegan a seguirla por la ciudad y restregarse con ella en los autobuses. Tras una serie de infortunados encuentros, uno de los muchachos, Curro, entablará una amistad con ella, enamorándose perdidamente al mismo tiempo. La cosa se complicará cuando descubre que su amada es en realidad, una zorra, una puta.
Summers en estado puro, y con más desvergüenza que de costumbre, consigue que “Mi primer pecado” sea una película condenadamente entretenida y, por si sus otras películas de similar temática no lo eran lo suficiente, zafia hasta decir basta. A día de hoy, ver a esos jóvenes sucios y piojosos pelándosela en círculo, y haciendo concursos para ver quién se corre primero, resulta del todo turbador. Hoy, recurriendo al tópico, no se podría hacer una película así.
De hecho, la película es lo suficientemente sensacionalista como para que los americanos decidieran estrenarla doblada al Inglés en los cines de sesión golfa, convirtiendo a “Mi primer pecado” en un clásico de los circuitos Grindhouse, compartiendo tiempo y espacio con marcianadas como “Los maestros tullidos” y tirándose la tira de años exhibiéndose en los cines de la Calle 42 de Manhattan.
Como el nombre del protagonista, Curro, tenía difícil traducción al Inglés, los yankies le bautizaron Charlie, y la película pasó a titularse “Charlie and the hooker”, o lo que es lo mismo, “Carlitos y la puta”. Acertadísimo y comercial título.
Un clásico del cine de pajilleros que, paradójicamente, mientras aquí en España se le cataloga de melodrama, los americanos no tuvieron problema a la hora de catalogarla como “Sex Comedy”.
Estupenda; como casi todo lo que hizo Summers.
Junto a Currito Summers, que durante su niñez todos sus personajes se llamaron como él, Curro,  protagoniza la cinta Beatriz Galbó. Para más cerderío decir que Galbó se convertiría en la pareja de Summers aquellos años, por lo que, teniendo en cuenta que Currito Summers tiene una escena con ella en la cama, y otra en la que la besa, y teniendo en cuenta que era sobrino del propio Summers, esta cinta ¡¡comete semi-incesto!!
Como curiosidad, la versión internacional de la película cambia el nombre a todos los artífices, así,  Currito Summers pasó a ser bautizado como Francis Summer, la Galbó pasó a ser Beatrice Galbo, y nuestro querido Manuel Summers, pasó a firmar la película como Emmanuelle Summers. ¡Toma ya!

viernes, 16 de noviembre de 2018

LAS ORGÍAS INCONFESABLES DE EMMANUELLE


En verdad, Jess Franco nunca llegó a concebir en el papel un exploit de “Emmanuelle” de Just Jaeckin. De hecho, “El último escalofrío”, rodada prácticamente a la vez que el clásico del erotismo, aprovechó el tirón del mismo una vez estaba la película ya montada y para estrenar y se estrenó en algunos países anglo-parlantes bajo el título de “Tender & Perverse Emmanuelle”, pero absolutamente nada tenía que ver con todo el universo de Sylvia Kristel.
Y dentro de una de las épocas más desquiciadas de Franco —los ochenta—, dando la casualidad de que la “Emmanuellexploitation” estaba en boga dejando pingües beneficios a las taquillas de los cines más desprejuiciados de medio mundo, Jesús Franco está rodando sin frenos y a toda pastilla toda suerte de películas de corte —en menor o mayor medida— erótico, en la era de la clasificación “S”.
Laura Gemser se convertía en un mito erótico de serie Z gracias a su serie de películas de “Emanuelle Negra”, que a su vez suscitaron toda suerte de copias y plagios de intenciones siempre mercantiles, que dejaban el mito creado por Jaeckin y Kristel en un universo paralelo, menos popular que sus explotaciones, y totalmente almibarado para lo que el cine europeo había creado con estas mierdecillas para pajilleros de la era pre-porno. Hacer una película sobre Emmanuelle, era una garantía de algo.
Con “Las orgías eróticas de Emmanuelle” (título que con sus dos cojones mantiene las dos emes de “Emmanuelle”, mientras que para esquivar los derechos, otros títulos le quitaban una eme  al nombre remarcando que no se trata del personaje de la Kristel), Jesús Franco no trataba más que hacer una comedieta “S” sobre infidelidades y lesbianismo, meter ahí algún elemento sensacionalista, y una crítica en forma de mofa a la imagen del macho ibérico. Por otro lado, se marca por boca de  Antonio Mayans un moderno discurso sobre nuestras costumbres sexuales. En definitiva, se trata de una película más de culos y tetas de Jess Franco.
Cuenta como un hombre de bien (Mayans) está casado con Emmanuelle. Tras un montón de orgías e infidelidades, este la perdona y vuelve con ella, hasta que un día, en plena discoteca, esta le humilla acostándose con una mujer delante de todo el mundo. Comienzan así, las idas y venidas, las violaciones, las combinaciones sexuales entre unos y otros y los chascarrillos humorísticos made in Franco.
Bastante serena y sosita, no se encuentra entre los títulos más desmadrados del Franco de los ochenta, el que opera en la costa en hoteles y parquecillos.
Como ya he  dicho, las explotaciones de “Emmanuelle” dejaban dinero a espuertas y antes de pasar a la postproducción, a los productores de Franco se les ocurrió que podían convertir esa insulsa película de folleteo soft en una más sobre las aventuras de “Emmanuelle”, así que, llamándose el personaje femenino principal Anne Marie, lo sustituyeron por el de Emmanuelle en el doblaje, y ya estaba la estafa y el negocio servidos. Se estrenó como uno más de las decenas de exploits Emmanuellescos que pululaban por los cines de barrio aquél año 1982.
Con todo, es de las entretenidillas.
En el reparto, además de Antonio Mayans, tenemos a un descacharrante Tony Skios cuyas soflamas en off sobre el poder del macho español, bien hacen a “Las orgías inconfesables de Emmanuelle” merecedora de un visionado, así como tenemos también a Muriel Montossé, quién a posteriori tendría una carrera profesional en Francia presentando toda suerte de programas televisivos.
De espectadores, 150.000 habituales de la clasificación “S”. No es de las menos taquilleras del tío Jess.

martes, 13 de noviembre de 2018

"NEON MANIACS VOL. 5"




Curiosamente, los cambios de tiempo, el dormir con el culo al aire, o con los pies fuera del edredón (sin calcetines) ha propiciado que ambos integrantes de “Neon Maniacs” anden un poco de aquella manera en lo referente al catarro. Congestionados por los mocos. De la misma manera tenía que sentirse Alex, el protagonista de una de nuestras películas de hoy “Despedazator” que irrumpió de manera feroz en nuestro videoclubes y que a día de hoy es un clásico del cine más “trash”. Pero el constipado no ha impedido que tengamos nuestra habitual cita con ustedes, como buenos hermanos. Como buenos hermanos eran Mark y John Polonia, responsables del “SOV” que forma parte del segundo título que compone este programa doble y que es la ópera prima de los broders: “Hallucinations”.
La canción de este programa es cosa de un tal Bruce Scott que se marca este animoso “The hero always gets the girl” perteneciente a la banda sonora de “Flesh Gordon meets The Cosmic Cheerleaders”.
Así, volviendo a territorio más fantástico y zetoso, Nos vemos en  Ivoox con …¡NEON MANIACS!! Dénle al play!!


lunes, 12 de noviembre de 2018

LA CASA DE LAS CHIVAS


“La casa de las chivas” tiene su origen en una obra teatral de finales de los sesenta escrita por Jaime Salom, que fue lo suficientemente exitosa como para que se decidiera adaptar este libreto al cine. Para ello, el productor José Antonio Pérez Giner monta un tinglado para que León Klimovsky se lo dirija.
Obviamente, yo de teatro no se nada, así que mi interés hacia esta película no radica en la obra para la cual esta historia fue concebida. Además, basta echar un vistazo
por Internet para comprobar que quienes conocen la obra de teatro no la tienen en alta estima precisamente. Tampoco se leen bondades acerca de la película.
Tampoco suscitaba mi interés una temprana película sobre la guerra civil dirigida por el manazas de Klimovsky, director este por el que tampoco siento especial interés, a no ser por alguna de sus obras más de derribo. Sin embargo, andaba yo tiempo detrás de “La casa de las chivas” porque se trata de uno de los tres o cuatro guiones que Carlos Pumares, señor este al que admiro por variopintos motivos, escribió para la gran pantalla y que durante su vida como director y conductor del espacio radiofónico “Polvo de estrellas”, que durante los 80 y 90 propició que fuera al colegio medio dormido cada mañana, no dejaba de mencionar de manera despectiva. Según él, los guiones que escribió para cine, al igual que el resultado final de esas películas, eran una mierda. Y de ahí mi interés por esos títulos, por otro lado, ignotos y de difícil localización.
Aunque en esta ocasión, Pumares no firma el libreto en solitario, lo hace nada menos que en compañía de José Luis Garci y  Manuel Villegas López. Y claro, tres plumas me parecen demasiadas para diferenciar la autoría de cada uno; por lo que podemos decir que el guión de “La casa de las chivas” lo escribió el viento. O en todo caso, los méritos han de recaer en el autor original de la obra teatral, Jaime Salom.
Y asegurando al espectador que estamos ante una película basada en hechos reales, tenemos aquí un folletin ambientado —con muy pocas pesetas para ese menester— en la guerra civil, en el cual unos soldados, presumiblemente republicanos, se alojan en una casa familiar que tienen requisada. En la casa, regentada por un padre y sus dos hijas, la mayor de ellas, presta sus servicios sexuales a los soldados a cambio de víveres y provisiones a la par que surge la amistad entre la meretriz y los soldados.
Un buen día, llega un nuevo soldado a esa casa que demuestra tener muy poquito interés en las atenciones sexuales con las cuales se le puede colmar, sembrando la discordia en la casa ya que la menor de las hermanas, se enamora de él. Los problemas están servidos. Incluso le acusan de maricón. Pero ¿por qué  este soldado no es como los demás en cuestiones culturales y sexuales? Pues porque es un aspirante a cura.
Muy mala prensa tiene “La casa de las chivas”, que ha sido tildada de sosa e insustancial, cuando no, directamente de mala película. Y la única verdad es que yo entré en un principio en el universo de estas hijas de la Chiva —que según los personajes debió ser en vida un  mal bicho— y me dejé llevar por un dramón de agárrate y no te meneés, con soldados salidos y dos mujeres con más ansia de macho que de cualquier otra cosa, mostradas, en su despecho, tal y como son las mujeres despechadas; frías, calculadoras y malas. Claro que los individuos de esta película son mostrados tal y como somos los machos; tontos y capaces de cualquier cosa con tal de mojar el churro con quién sea. Ergo, quienes mejor parados salen en esta historia, son los curas.
No está mal esta “La casa de las Chivas”. Me gusta su cadencia, su triste desarrollar y la sensación de estar viendo algo resuelto con mucho ingenio al notarse las carencias presupuestarias, y que esto no afecte a lo que es la ambientación. Y que está entretenida, que es lo único que ha de ser una película.
Huelga decir que el elenco actoral compuesto del grandísimo Simón Andreu, Ricardo Merino, Charo Soriano, María Kosty, Rafael Hernández… todos estupendos.
Venga, la recomiendo.

viernes, 9 de noviembre de 2018

EL RECTOR


Es curioso que un género tan de nicho como es el  de —por llamarlo de alguna forma—  “aulas violentas”, bien asentado en la serie B, sin embargo, encuentre un lugar en el mainstream donde, curiosamente, nacen montones de exploits.
Dejando a un lado a Sydney Poitier y a la película madre del subgénero que sería “Rebelión en las aulas”, yo creo que el precedente más cercano sería “Curso de 1984” de Mark Lester. Y en el mainstream, sin duda, esta “El Rector” que sería la mejor película de cuantas protagonizó James Belushi.
“El Rector” cuenta la historia de Rick Latimer, un profesor de escuela secundaria que atraviesa un tortuoso divorcio, motivo por el cual se vuelve un individuo taimado y violento. Cuando destroza con un bate de Baseball el coche del novio de su exmujer, es trasladado, en calidad de rector,  del centro de enseñanza donde ejerce a otro centro en el geto dónde impera la sinrazón, las violaciones, la venta de drogas y las extorsiones.
Aunque en un principio no le agrada la idea de quedarse allí como rector, pronto se empeñará en acabar con toda la delincuencia de ese instituto con la ayuda del jefe de seguridad y un bate de baseball.
Es sorprendente lo vigente que queda a día de hoy esta película, no resintiéndose ni un ápice 30 años después de su rodaje; sigue funcionando a la perfección y sigue resultando turbadora, así como una película de una violencia incuestionable. Hay un momento en la película en la que unos pocos de los malotes del instituto preparan una encerrona a Belushi y, poniéndole una toalla en la cabeza, le propinan una brutal paliza que solo verla, duele. Asimismo, los batazos que reparte Jim Belushi a lo largo y ancho de la película acabamos sintiéndolos en el pecho.
Por otro lado, se trata de una película ruda que se deja de mariconadas y, apuntando todo a que haya una historia de amor, esta no se llega a desarrollar porque aquí de lo que se trata es de acabar con una panda de hijos de puta.
Algunas escenas de Belushi en moto y bate en mano, son lo más macarra que se ha visto en la historia del cine.
En resumidas cuentas, “El Rector” es ya un clásico del cine moderno, una obra maestra del subgénero y el testamento fílmico de Belushi, ya que aunque luego haría muchas más películas (que me gustan todas), ya ninguna alcanzaría los niveles de testosterona y calidad que tenía esta.
En consecuencia, el cine moderno no ha hecho más que expoliarla, así, “El Sustituto” con Tom Berenguer no deja de ser un mal plagio, mientras que películas como “187” o “Mentes peligrosas” estuvieron muy pendientes de “El Rector” en todo momento.
Memorable.
Como anécdotas decir que en el principio de su decadencia, Belushi repitió el papel del rector Latimer en la película de  ciencia ficción —y serie B— “Abraxas” de la que ya hablaré por aquí, o que algunos de los actores que interpretaban a los estudiantes tenían la misma edad de Belushi (35 años) o incluso más… pero es que para que dieran miedo, no podían meter a chavales de 15 0 17 años.
Dando hostias por los cochambrosas instalaciones del instituto Bruñidle, junto a Belushi, tenemos a Louis Gosset Jr., Esai Morales, visto en “La Bamba” o “Bad Boys” o Rae Dawn Chong, imprescindible en toda película ochentera ambientada en getos que se precie.
La silla de director era frecuentada por el culo de Christopher Cain, resultón (y segundón) artesano Hollywoodiense responsable, también del éxito “Arma Joven” y de los fracasos “Dos chiflados en remojo” o “El nuevo Karate Kid”.
“El Rector” fue un éxito financiero en los Estados Unidos, sin embargo, en España tan solo la vieron 216.000 espectadores, lo que no impidió, no obstante, que se alquilara en vídeo en su momento como salen churros de la churrería.

miércoles, 7 de noviembre de 2018

"NEON MANIACS VOL. 4"





Volvemos una semana más con un programa, como viene siendo habitual, de lo más sugestivo y estimulante.
Por un lado, Víctor comenta una película de Diane Kern, una especie de versión femenina de Tommy Wiseau que se marcó hace unos años un drama romántico totalmente incompetente titulado “To love a Mexican”, amar a un mejicano sería la traducción. Cine indie americano de lo más tristón y zetoso. Naxo sin embargo se va al arte y ensayo más feroz comentando una rara avis de Derek Jarman, “Jubilee” en una pequeña incursión que hace el director en la escena punk.
La canción del programa de hoy la pone Johnny Legend con su “Rockabilly Rumble”. Naxo también nos explica los pormenores de este músico.
¿Qué más quieren? ¿Les parece poco? ¡Esto es NEON MANIACS!

NUEVOS LANZAMIENTOS VIAL OF DELICATESSENS

Hoy salen a la venta en todo el territorio nacional los siguientes títulos:


MUGWORTH
(DVD PRENSADO)
El viejo Bellousinni (Bill Moseley) odia la Navidad por encima de todas las cosas. Viviendo solo en su gran mansión con su mayordomo (John Waters), su maldad no tiene límites. Pero la noche de Navidad recibirá la visita de un viejo amigo y de tres fantasmas que le enseñarán el verdadero significado de las fiestas y la felicidad... o por lo menos lo intentarán.
Mugworth” es una rara avis en la cinematografía española, y esta edición en DVD supone su puesta de largo a nivel mundial. Comedia negra y terrorífica basada en el “Cuento de Navidad” de Dickens, está concebida a la vez como película de animación y como película de imagen real. Este DVD presenta ambas versiones de la película. Con la participación de Bill Moseley ("Los renegados del diablo") como protagonista, y la presencia del mismísimo John Waters, "Mugworth" nace directamente como un título de culto del terror.
¡CARÁTULA REVERSIBLE! ¡LAS DOS VERSIONES DE LA PELÍCULA!
Características: 1:33:1, 16:9 Pillarbox  Audio: DD 2.0, Inglés Subtítulos en Castellano.


EXTRAS:

- Cortometrajes animados de Marc Fernández:
“Human Nature”
“Kimamoto”
“L´esquirolet”
“Munch” 

REBOBINANDO
(DVD PRENSADO)
Documental que rememora la edad de oro del VHS y los videoclubes, a través de montones de rostros conocidos del cine europeo de género relatando sus propias experiencias. Estos actores y directores narran la historia vista desde dentro, con detalles, anécdotas y multitud de sorpresas que harán que volvamos a sentir la magia que había en las polvorientas estanterías de aquellos irrepetibles lugares.
 Tras su paso por festivales como Gijón y Sitges, “Rebobinando” llega ahora en formato doméstico con su repaso a la época dorada del cine fantástico, las mayores rarezas, el cine de culto, las “españoladas” de Mariano Ozores y mucho, mucho más.
Características: 1:78:1, 16:9.  Audio: DD 2.0, Castellano.


EXTRAS:

- Entrevistas adicionales.
- Entrevista a José F. Riveiro
Ambos títulos se presental al P.V.P de 11,99€ y podrás encontrarlos en grandes superficies, tiendas especializadas y en la web del sello:

martes, 6 de noviembre de 2018

VIAL OF DELICATESSENS EN LA LAGUNA, TENERIFE



El Miércoles 7 de Noviembre de 2018, Víctor Olid presentará su libro “Screwballs, 101 comedias sexuales” así como el sello Vial of Delicatessens dentro de la tertulia literaria que ofrece el Craft Coffee Gastrobar sito en la C/ Plaza San Cristóbal 23 de La Laguna en Tenerife. El evento será a las 19:00 horas y se habilitará un stand con ejemplares de este libro así como de otros productos del sello
Asimismo, el  Jueves 8 de Noviembre, impartirá un seminario sobre el derecho de la propiedad intelectual en la Universidad de La Laguna, también en Tenerife a las 17:00 horas. Mas info: https://www.ull.es/

lunes, 5 de noviembre de 2018

LA NOCHE DE HALLOWEEN (2018)


Una de las cosas que hacen que esta secuela directa  de la primera “la Noche de Halloween” sea destacable, es que se pasa por el forro el resto de bazofias de la saga, e incluso busca la manera de desmentir esa gran subnormalidad que se sacaron de la manga en “Halloween H20”, que era el descubrimiento —totalmente absurdo y estúpido— de que Michael Myers era en realidad hermano de Laurie Strode. Al margen de esto,  lo mejor sería la vuelta de tuerca adulta y realista que se le da a la saga, algunas secuencias en las que Michael hace lo que mejor sabe hacer en virtuoso plano secuencia,  y el saber reestructurar (por parte de David Gordon Green, director eminentemente de comedia) el slasher para que una peli de acuchillamientos no chirríe en cuanto a tempo en pleno 2018. Por lo demás, una nueva secuela de de “Halloween”, con sus clichés y sus tópicos —Laurie en el desenlace de la película pasa a ser una amenaza para Michael Myers y no al revés, con lo que sabemos a la perfección como va a acabar la película— y la esencia  de una saga que, contra todo pronostico, ha logrado sobrevivir a  “Pesadilla en Elm Street” y “Viernes 13” y lograr cuajar en las plateas, no solo las compuestas de cuarentones y cincuentones, sino también en las millenials, convirtiendose, a día de hoy, en el Slasher más taquillero de la historia.
En esta ocasión, han pasado 40 años desde la primera matanza de la noche de Halloween, y Laurie Strode es una anciana traumada que se ha pasado 40 años preparándose, y preparando a su descendencia, con el fin de un hipotético nuevo encuentro con Michael Myers. Este, que se encuentra recluido en una institución mental, va a ser trasladado a otra distinta custodiado por un desquiciado discípulo del Dr. Loomis. Durante el trayecto, el autobús en el que viajan sufre un accidente, por lo que los enfermos mentales que van en él, Michael incluido, quedan sueltos. Así que no cuesta imaginar que Michael va a buscar a su máximo rival femenino, y por el camino, terminan las cosas como el rosario de la Aurora.
En definitiva la película está bastante mejor de lo que cabía esperar, se agradece que no haya ni gota de humor (cosa de la cual dudaba al estar Gordon Green detrás del proyecto) y si que es una puesta al día a un género que se acabó prostituyendo en los 90, amén de conseguir que, a estas alturas, Michael Myers vuelva a dar miedo.
Solo le pongo un pega; del autobús de enfermos mentales quedan sueltos unos cuantos locos… ¿por qué no se vuelve a hablar de ellos en toda la película? Y es una pena, porque, con Michael Myers  por un lado, una subtrama con un montón de locos desatados en una suerte de “Solos en la oscuridad”, hubiera estado muy, pero que muy bien. Pero no. De hecho, queda ahí ese dato suelto.
Por lo demás, estupenda. Y más disfrutada durante cualquier noche de todos los santos.

viernes, 2 de noviembre de 2018

"NEON MANIACS" VOL. 3




Regresa por tercera vez consecutiva Neon Maniacs en una nueva edición en la que, para variar, no nos hemos centrado en productos zetosos si no todo lo contrario; le hemos dedicado el programa a productos artísticos. Por ello, Víctor pega una chapa de casi una hora con el cine de vanguardia argentino que nos ofrece “The Players versus Ángeles Caídos” y Naxo se decanta por el cine independiente (y raro) americano con la marcianada de “The American Astronaut”. Si todavía tienen valor para resistirlo… sin duda, es que este es tu podcast.
La música la pone el comediante filipino Redford White con su versión de Eye of the Tiger para la película “Rocky Tan-Go!”.
Sin más, tan solo denle al play y neonmaniaquéen!!!

miércoles, 31 de octubre de 2018

THE WITCH IN THE WINDOW

Tras escandalizar a su madre consumiendo imágenes violentas en internet, un chaval es reclutado por su padre para ayudarle a restaurar una vieja y bonita casa en el campo. El vecino les cuenta que allí vivía una anciana con fama de homicida a la que todos tenían mucho miedo. Se pasaba el día sentada en un sillón frente a la ventana, sin moverse, hasta que descubrieron que estaba muerta.
A partir de ese momento el padre y su hijo comienzan a notar presencias extrañas en la casa hasta que, literalmente, se topan cara a cara con la vieja de terrorífica mueca. No obstante, el padre decidirá no dejarse achantar y seguir con su plan inicial, lo que desencadenará el drama.
"La bruja en la ventana" -traducción literal del título original- es una de esas películas que raramente se dejan ver y nos devuelven la fe en el género fantástico. Ni se mueve en el terreno efectista de un James Wan, ni cae en la pedantería aburrida de un "Babadook" o un "Hereditary". Tiene lo bueno de ambos bandos y lo sabe combinar con gracia, salero y talento. Juega con ideas manidas pero las ordena y muestra de un modo totalmente diferente y original. Todavía me sorprende que osen precipitar el encuentro del padre y el hijo con la bruja a mitad de película. Y hablando de apariciones, tenemos dos tipos más. Las primeras situan la silueta de la anciana en medio de un plano general, sin que los protagonistas se den cuenta y sin resaltar su presencia con música o sonidos inquietantes, simplemente está ahí, quieta, estóica, y darte cuenta por ti mismo contribuye a los escalofríos. Luego tenemos las apariciones de la segunda mitad del film, en las que el fantasma juega con la mente del padre y se transforma en otras personas, logando uno de los momentos más impactantes y acojonantes que no desvelaré para no estropearlo. Con un simple plano abierto y sin músca alguna consiguen meterte los huevos por corbata.
En fin, que me ha molado un cacho "The witch in the window", básicamente por su tono reposado pero no lento, su tremenda sobriedad, el que no tome al espectador por tonto lanzándole el miedo a la cara, evitando un exceso de sustos facilones y estridentes, por su excelente acabado técnico, efectiva sencillez, economía de medios y por los estupendos actores y la humanidad que destilan los personajes a los que dan vida.
Andy Mitton, director y guionista, dispone de unas pocas pelis previas co-dirigidas con Jesse Holland. Vi una de ellas, "YellowBrickRoad", y no me gustó nada. Así pues, celebremos que haya decidido montárselo por su cuenta, porque al menos en este caso, se lo ha montado un rato bien.
Y por si todo esto fuera poco, resulta que "The witch in the window" dura menos de 80 minutos. ¡Maravilloso!.

martes, 30 de octubre de 2018

AVT PODCAST (102)




Aquí estamos otra vez, ineludiblemente y como cada quince días (menos cuando nos es imposible grabar por los motivos que sean, claro) los chicos de AVT PODCAST!!!
Para esta ocasión dedicamos el programa a las Buddy Movies, para lo cual, tras la promo habitual y  tras la introducción, damos paso a las películas que comentamos. Así, Aratz se marca “El perro Rabioso” de Akira “El Japo” Kurosawa, Romerito opta por “Sevilla Connection” de José Ramón “Prestigio en Inglaterra” Larraz y para lucimiento de “Los Morancos” y Víctor se decanta por “C.I.A. Operación especial” de Dennis “No volvió a dirigir una película” Feldman, con James Belushi y John Ritter.
La película conjunta, como ustedes ya sabrán, es “Hora Punta 3” dirigida por Brett “El Acoso” Rattner y con protagonismo de Chris “Le Negre” Tucker y  Jackie “Le Chinua” Chan.
Eso es todo, y todo es eso en VALE AQUÍ TODO, TODO AQUÍ VALE…. AQUÍ VALE TODO “El podcast”….

lunes, 29 de octubre de 2018

MUGWORTH


Marc Fernández, animador y director Barcelonés, se ha ganado por méritos propios un puesto de honor dentro de lo que podíamos llamar el cine outsider español, junto a otros nombres como el de Juan Carlos Gallardo, que encuentran su equivalente internacional en individuos como David “The Rock” Nelson o Damon Packard y que al final se han convertido, con todas las de la ley, en personajes de culto.
Moviéndose indefectiblemente en los parámetros del cine underground, sin tener una consciencia de ello, Fernández ha creado un concepto, el de este “Mugworth”, que en realidad es un jaleo que sucede dentro de la inquieta mente de Fernández en busca de su identidad como creador. Porque, “Mugworth” son dos películas distintas, y lo son, consecuencia precisamente de esa inquietud. Existe una versión en imagen real y otra de animación y ambas cuentan lo mismo, así que la sinopsis sirve para las dos versiones.
“Mugworth” es una adaptación libre de “Cuento de Navidad” de Charles Dickens, en la que se cuentan los avatares del tal Bellousini, un individuo ladino y taimado que odia la navidad con todas sus fuerzas y que  hace la vida imposible a su mayordomo Sir Butler (¿un mayordomo que también es Sir?). Así, la noche de Navidad, recibirá la visita de  tres extraños fantasmas que le contarán distintas historias, macabras y desasosegantes, que le mostrarán el significado de la Navidad.
Nada nuevo en el horizonte de no ser por las circunstancias y características que envuelven a esta adaptación.
La principal, refiriéndonos a la versión en imagen real, es que esta rompe con todos los convencionalismos técnicos y académicos de una manera brutal… aunque de manera totalmente involuntaria. Filmanda en video (Mini-DV) y montada de forma casera, el desfile de fallos, raccord y encuadres imperfectos harían llevarse las manos a la cabeza a cualquier erudito del séptimo arte, si es que este tuviera en consideración, siquiera, el ver la película.  En esta versión en imagen real podemos ver las influencias de Marc Fernández, que le llevan a  recrear de manera rudimentaria elementos que ha visto en, por ejemplo, “Los fantasmas atacan al jefe”, y tenemos aquí un émulo de “La muerte” que aparecía en la película americana, cuyo esqueleto señala a Bellousini de la misma manera que en el film de film de Richard Donner esta señalaba a Bill Murray. Por otro lado el cine gore es igualmente recreado por Fernández en una colección de efectos especiales caseros cuya efectividad es, a veces, encomiable (un taladro en la cabeza perfora la carne de manera extrañamente realista y, pensando, llegamos a la conclusión de que taladra la piel de un cerdo o algo por el estilo… ¡A saber!).
Sin embargo la característica principal de la película radica en un reparto internacional encabezado por Bill Moseley, actor súper popular para los fans del cine de terror por dar vida a Chop-Top, el histriónico hermano de Leatherface en “Masacre en Texas 2” o por ser recuperado por Rob Zombie en “Los renegados del diablo”, que a su  vez es una cara popular de diversas películas de Serie B. Le secunda, entre un reparto meramente catalán, Darren Smith, compositor de las banda sonora de la película “Repo! The genetic Opera” (donde al igual que Moseley, también tiene un papel) o “Autopsy”, que además de haberse convertido en un actor habitual del universo de Marc Fernandez, aporta a la película una canción  que compone para la ocasión.
Moseley o Smith, no son estrellas de Hollywood aunque gozan de cierta popularidad dentro del mundo del cine y están acostumbrados en aparecer en producciones profesionales, sean estas caras o baratas, pero ¿cómo acaban ambos apareciendo en una película amateur de presupuesto cero? Pues eso es algo que solo Marc Fernández sabe, aunque no cuesta mucho pensar que, sencillamente, Fernández pagara el caché de ambos actores y estos, sencillamente, se limitaran a hacer su trabajo. Con lo cual, su mera presencia, de una manera u otra, ya dota a “Mugworth” de cierto interés.
Sin embargo, un tiempo después, cuando Fernández ya da por desechada esta película, no se le ocurre otra cosa que aprovechar el sonido de la misma para rehacerla (con algunos cambios y variantes en el montaje) en dibujos animados. Pero no unos dibujos animados corrientes y molientes de factoría, sino, dibujos animados completamente amateur y elaborados a mano a base de lápices para colorear, ya sean estos de la marca Alpino o plastidecor, y realizados por el propio Marc Fernandez, por supuesto. Con dos cojones. Una animación rara, torpe, pero extrañamente bonita, y un estilo de dibujo en el que detectamos fuertes influencias de Mike Judge y Bill Plympton. El estilo de Fernández es una mezcla de ambos, pero dibujando tirando a mal, lo que me resulta de alto interés, en definitiva. Así,  ahora tenemos una película de animación cuyos protagonistas siguen siendo Bill Moseley y Darren Smith, puesto que aprovecha el audio de la película de imagen real. Pero para rizar el rizo, y no contento con la presencia de estos dos, para el mayordomo Sir Butler, que en la versión de imagen real hablaba catalán ya que este estaba interpretado por un actor catalán, perdemos esa voz para sustituirla por la de… ¡John Waters! Así que contamos con una película de animación con las voces de Bill Moseley, Darren Smith y John Waters ¿No es sensacional? ¿Cómo se las ingeniaría para contar con la voz de Waters? solo Fernández lo sabe, pero ahí lo tenemos.
Tanto John Waters como Bill Moseley deben estar orgullosos de aparecer en esta película.
Por lo demás, la mezcla de sonido es nula y se nota cuando el sonido viene directamente de la Mini-DV o del audio enviado por Waters para la ocasión y el resto de las voces son interpretadas por el propio Marc Fernández con un particular acento que torna la película más rara todavía. Y para la banda sonora, como todo buen artista amateur que no puede acceder a la música original, inserta música clásica para así no tener que lidiar con los derechos de autor.
Dicen, que incluso Ralph Baskshi se rindió ante sus encantos, declarando, desconozco para que medio, que “Mugworth” es “Una película única, escalofriante y divertida”.
En definitiva, “Mugworth” es una rara avis, un concepto estupendo y un cacao de padre y muy señor mío, que merece la pena que nos tomemos la molestia de descubrir en sus dos versiones.
Huelga decir que ambas aparecen en DVD el próximo día 7 de noviembre a través de nuestro sello Vial of Delicatessens.
Por lo que a mí respecta, Una de las películas más extrañas y fascinantes del presente siglo. Sea por los motivos que sean.

viernes, 26 de octubre de 2018

EMMANUELLE


“Emmanuelle” más allá de ser un mito histórico en lo referente al cine erótico, se ha convertido por derecho propio en un clásico del cine en general, y de la cultura popular en particular.  En “Dónde hay patrón…” de Mariano Ozores y para lucimiento de Manolo Escobar, existe una escena en la que Mirta Miller se aproxima de manera sugerente al tonadillero y este, como piropo, le espeta: “¿Dónde vas? ¡Emanuele!”. El “Emanuele”, pronunciado tal cual lo escribo, viene a decir que su actitud provocadora le está seduciendo, como lo hacía Sylvia Kristel en la película que le dio fama internacional.
Se trata de una película cuyo morbo sigue latente hoy, 44 años después de su concepción, y que supuso un revulsivo para el feminismo (aunque en el fondo es la película más machista que existe, paradójicamente), que sirvió para que millones de mujeres se sintieran por fin representadas, o al menos, que ansiaran ser tan libres como sugería la Emmanuelle de la película. Porque, de estética arrolladoramente cínica, con visillos trasparentes delante del objetivo y muy auto consciente de querer ser sofisticada, en esencia, es una película erótica para mujeres. De hecho, de los casi 9 millones de espectadores que fueron a verla solo en Francia, la mayoría de ellos eran mujeres. En Japón, en una escena en la que Emmanuelle se coloca encima de su marido, las señoras que asistieron a esos pases se ponían de pie a aplaudir tal gesto, conscientes de que allí en Japón ponerse encima de su marido para follar es una osadía.
Al tanto de todos estos atributos, a la Columbia Pictures, casi en quiebra por culpa del fracaso financiero que supuso la película “Horizontes perdidos”, no se le ocurrió otra cosa que comprar la película para su distribución en los Estados Unidos. Menos adelantados en lo sexual que los europeos, a la cinta se la clasificó X, motivo este que usaron a su favor para el estreno con la frase comercial “X was never like this”  —Las películas X nunca fueron así— sugiriendo que esta no era una película X al uso, si no, algo más sutil y sofisticado. Ganaron 11 millones de dólares con su exhibición y la Columbia se repuso del fracaso de su anterior película.
Consecuencia, también, de “El último tango en París”, los españolitos corrían con  sus vehículos a Biarritz, con la intención de ver furtivamente y fuera de su país “Emmanuelle” con las consiguientes batallitas al respecto a su vuelta al carpetovetonísmo.
Consecuencia de este éxito comercial que ponía en el mapa el cine erótico (y también el pornográfico), la película se prodigó como una de la más expoliadas e imitadas de la historia del cine, teniendo una cantidad de secuelas oficiales, a bote pronto, incalculables, así como una serie de televisión y una verdadera colección de “exploits” donde destaca, por ser casi más famosa que la original, la saga italiana de “Emanuelle negra”, en la que no solo cambian el color de la piel a Emmanuelle si no que además, le quitan una “M” al nombre, para no tener problemas con el copyright. Por otra parte, hasta nuestro Jesús Franco se aprovechó del tirón, bautizando para su estreno una película “S” de las que tenía con algo de erotismo como “Las orgías inconfesables de Emmanuelle” cuando la película de marras no tenía nada que ver con nada de eso. Pero el número de explotaciones y plagios a través del mundo son incontables. Iremos desgranando por aquí, de vez en cuando, algunos de ellos.
Igualmente interesante debe estar la novela que la película adapta, de una novelista llamada Emmanuelle Arsan que se supone que contaba retazos de su vida real en esos libros. Arsan era el pseudónimo de Marayat Rollet Adriane, esposa del diplomático Francés Louis Jaques Rollet Adriane, del que años después se supo que era él quién escribía las novelas, cediendo la autoría a su esposa porque, sin duda, era un reclamo comercial y erótico mucho mayor. No es lo mismo que unas novelas de corte erótico las escriba una apetecible señorita asiática que un purulento y orondo hombre de negocios.
Dirigida por el fotógrafo Just Jaeckin, que debutaba en el cine tras una larga carrera tras la reflex, este usó todo sus conocimientos en ese campo para aplicarlos a la imagen en movimiento, motivo por el cual “Emmanuelle” tiene esa estética tan particular y reconocible que tanto gustó a las mujeres. Y aunque siguió dirigiendo cine erótico a posteriori, tras esta, no quiso saber nada más de la serie “Emmanuelle”.
Por otro lado ¿recuerdan la escena en que una pequeña asiatica se abre de patas en un escenario y se fuma un cigarrillo, literalmente, por el coño? Pues cuenta Jaeckin que él no dirigió esa escena, que no sabe nada al respecto. Tan solo, fue a ver su película el día del estreno y se encontró esa escena ahí, con el consiguiente cabreo que aquello le ocasionó porque, dicha escena tan poco acorde con el resto de lo rodado, directamente, fulminó lo que había hecho. Fue idea del productor Yves Rousset Rovard que la rodó por su cuenta en algún sucio show pornográfico de Bankog, y lo incluyó en el metraje por sus santos cojones. A día de hoy, paradójicamente, y junto con la famosa escena del avión, es una de las secuencias más recordadas y famosas de la película.
Resulta curioso ver a día de hoy “Emmanuelle” y comprobar que, por un lado, la película ha ganado calidad con el paso de los años. Resulta ser una película dirigida con soltura e inventiva a la vez que, de puro moderna que era en su momento, todavía resulta impactante y provocadora. Amén de desarrollarse de manera exquisita y volviéndose fascinante a cada nueva secuencia. Incluso hay un combate de Thai Boxing donde el premio es follarse a Emmanuelle que para nada se diría filmada en los 70. Así que, estamos ante una buena película. Un clásico del cine aunque naciera para alimentar los bajos instintos de los pajilleros de la época.
Por otro lado resulta curioso como las escenas eróticas son demasiado lights comparadas con cualquier cosa que podamos ver ahora ( o qué podíamos ver hasta ahora, porque está la sociedad de un pacato que asusta…) siendo, no obstante, cierto el tópico de que es mejor sugerir que mostrar; así, puedo decir sin despeinarme, que la escena del avión en la que Emmanuelle se insinúa sexualmente a un pasajero y este acaba penetrándole en el asiento de al lado, logró excitarme y sorprenderme, porque encima es una secuencia que hemos visto mil veces, sino en la película, en la televisión, mostrada siempre que se hace alusión a la película. Por lo demás, la película no es tan fuerte como la recordamos.
¿El argumento? Fácil. Una mujer casada con un individuo que la insta a que viva su sexualidad libremente, se monta unos cacaos mentales terribles que la llevan a desaparecer y montarse numeritos sexuales con toda clase de individuos o individuas, a la par que su marido, por darle alas, siente que la está perdiendo. Mientras, se folla putas. No hay más, porque el resto es ritmo, dirección y estética.
Ha estado muy bien verla en 2018. Y me ha gustado, aunque al final, en esencia, no es más que una tontería.

jueves, 25 de octubre de 2018

BLOOD FEAST 2016

"Blood Feast" fue la primera película gore tal y como las conocemos hoy. Y la primera de ese tipo realizada por Herschell Gordon Lewis. Luego haría más, pero tenderían a parapetarse en el humor. Voluntario, claro, porque de involuntario hay para dar y regalar en la filmografía del legendario cineasta. Dicho de otro modo, de haberse aplicado más talento en la realización de "Blood Feast" -y algo más de dinero-  podría haber sido una película muy dura e impactante en su gráfica violencia. Luego, con los años, llegaron los homenajes y los semi-remakes, pero todos hacían gala de ese mismo humor, de comedia, como "Bloodsucking Pharaohs in Pittsburgh", "Fonda Sangrienta" o "2001 Maníacos". ¿Qué pasaría si alguien decidiera tomársela en serio? actualizar sus imágenes extremas y su historia sobre un psycho-killer demente que trocea muchachas aplicando efectos especiales de alta calidad y sin soltar chistecillos durante el proceso. ¿Y si ése alguien viniera del llamado ultra-gore alemán? Desde luego muchos pensarían que es el candidato IDEAL para modernizar el cine de H.G.Lewis con la misma cruda honestidad y finalidad, recreándose en el gore bruto de modo enfermizamente detallado por el mero placer de hacerlo, desacomplejadamente pornográfico y sin auto-censura. Si al pack añades un reparto prinicipal tan curioso como el guaperas teen de los 80 Robert Rusler (al que has podido ver en "La mujer explosiva", "Pesadilla en Elm Street 2", "Los centinelas" o "Vamp"), Caroline Williams, superviviente femenina de "Masacre en Texas 2", y la morritos calientes Sophie Monk, entonces estamos ante lo que se dice un proyecto altamente prometedor, que es lo que parecía este remake oficial -y gélidamente serio- del clásico de Gordon Lewis.
Y es que, encima, resulta que la peli se reserva algunas buenas ideas, leves variacones
bastante ingeniosas con respecto al film de 1963, como aquella según la cual la devoción hacia la diosa Ishtar del protagonista viene motivada por probables alucinaciones consecuencia de abandonar cierta medicación. Vamos, que el cuento de sacrificar inocentes con saña en nombre de la deidad sumeriana es una empanada que el tipo tiene en su cabeza. Todo ello rodado con profesionalidad, de manera sobria, unas dósis de drama para incrementar el tono serio de la movida y efectos especiales del también realizador Ryan Nicholson. Hasta ahí bien, el problema viene cuando tras mucho bla, bla asistimos al primer crimen... en el que se supone veremos una castración y.... ¿qué?, ¡¿fuera de cámara?!, ¿sin mostrarme hasta el mínimo crudo detalle de la misma?!. Espera, algo no funciona. ¿Estaré viendo una versión censurada?. Tras informarme descubro que esa es la íntegra y que, sí, por muy sorprendente que sea, el "Blood Feast" de 2016 va extremedamente escaso en lo referente a truculencia. Que sí, que no lo digo de broma, una puesta al día del clásico del cine gore.... al que le falta este último elemento. De hecho, encontraremos más gore en productos tan estandarizados como "Hostel" o alguna de las secuelas de "Saw". Así se lo digo. ¿Qué sentido tiene? Y más viniendo de Marcel Walz, un realizador independiente germano que, en mayor o menor medida, hasta ahora se había especializado en ese cine -grabado vídeo mediante- generoso en cuanto a horror y hemoglobina. De entre todas sus obras previas destaca "Seed 2", la secuela de una de las ultra-violentas películas que Uwe Boll rodó desde el resentimiento por toda la caña que le estaban dando. Vale, puede que Walz no sea Andreas Schnaas o alguno de esos pirados, pero con él implicado en la producción de "Blood Feast 2016", algo más de chicha podrías esperar. Sin embargo, da la sensación de que el tipo, consciente de que esta peli disponía de una envergadura levemente superior a lo habitual en su filmografía (ni que fuese por tratarse del remake de un film popular y por la intervención de algunos actores de cierto curriculum), decidió que fuese su trampolín al mainstream, apostando por una "dirección de actores" más currada (parece que algunos de ellos crean estar en una candidata a los Oscars), más drama y una rebaja notable del elemento violencia para hacer el resultado final mucho más "aceptable". Y ojo, que me parece muy respetable... pero coño, ¡¡no lo hagas con un remake del "Blood Feast" de Herschell Gordon Lewis!!, porque todo eso es justamente lo que menos necesita.
Total, que el film termina resultando extremadamente aburrido. Pesado. Desavorío. Y las pocas escenas sangrientas no aportan nada llamativo, novedoso o espectacular. Una auténtica decepción o, peor, una oportunidad salvajemente desaprovechada.
Como era de esperar, va incluido un papelillo para The Godfather of Gore himself.

miércoles, 24 de octubre de 2018

BLOOD DYNASTY

De la admirable trayectoria de Chris Alexander, su peculiar estilo y la incuestionable deuda que tiene con Jess Franco ya hablé largo y tendido cuando reseñé su película "Female Werewolf". Así que no me voy a extender al respecto. Me centraré en dar la barrila con "Blood Dynasty", nueva obra del muchacho fechada en 2017 y que se supone tercera entrega de una saga dedicada a narrar los avatares de una vampira llamada Irina, a la que también pertenecen las previas "Blood for Irina" y "Queen of Blood".
Una moza sale a pasear y recala en un lago de donde surge una fémina vestida de época, la chupasangre Irina quien se apodera del alma de la visitante. Juntas van hasta un hotel y tumbadas en la cama se montan coloridas orgías de sangre, chupándose la una a la otra (eso sí, desnudos cero). Cuando se aburren, salen al exterior y cazan otras mujeres o algún varón. Así transcurre la movida hasta que Irina se cansa y decide pirarse.
Esa es la trama básica de "Blood Dynasty". O al menos la que yo entendí. Y como suele pasar con todas las producciones del amigo Alexander, eso es lo de menos. El "modus operandi" de "Blood Dynasty" es el mismo que "Female Werewolf" y creo entender que del resto de su filmografía, es decir, una lentitud a prueba de bombas que continuamente pone a prueba la capacidad de aguante del espectador. Alexander se recrea en laaargos e interminables paseos y paisajes, aunque al menos en este último apartado consigue sacar algunas imágenes realmente bellas. Sus personajes se mueven a cámara lenta, sea real o aplicada en post producción. Los diálogos son mínimos, casi inexistentes. Y ocasionalmente se pasa tres pueblos quemando la imagen o saturándola de efectos o filtros, aunque debo decir que también aquí consigue crear momentos abstractos bastante guapos.
Todo ello grabado en vídeo común y corriente, con un equipo de rodaje reducido a lo mínimo. O a nada, ya que Chris Alexander no se limita a dirigir, también escribe -o improvisa- el guión, maneja la cámara, monta y hace aquella otra cosa que más le mola, componer la banda sonora (cuenta con varios discos en su haber). Su deuda con el euro-horror, sobre todo el de los 70, es evidente. No solo por los muchos ecos jessfranquianos de su cine (incluido rodar en lugares turísticos durante la temporada baja), también porque en este caso "Blood Dynasty" nos recuerda al "Vampyres/Las hijas de Drácula" de José Ramón Larraz, a Jean Rollin y muy especialmente a Werner Herzog, héroe de Alexander y del que toma prestada -o roba- una idea -bastante ridícula, por cierto- del "Nosferatu" de aquel, la del niño tocando el violín, en este caso interpretado por uno de los hijos del director.
Soy consciente de que en mi reseña de "Female Werewolf" me cebé con las maneras de Chris Alexander. Puede que me esperara otra cosa y me sintiera defraudado. Por el contrario, ahora ya sabía a lo que me enfrentaba y reconozco que la experiencia no ha sido tan jodida. A ver, desde luego hay que tener mucha paciencia para ver "Blood Dynasty". Muuuucha. Sin embargo, si te dejas llevar, y de vez en cuando miras el móvil, se soporta. Y empiezo a reconocer el mérito del que hace gala Alexander. Teniendo en cuenta su pasado ligado a la revista "Fangoria" y sus contactos de peso en la industria del fantastique, podría buscar el camino fácil haciendo pelis más al gusto del fandom, más gore, con humor, con homenajes al slasher de los ochenta y etc. Por el contrario, prefiere dedicar tiempo y esfuerzo a parir cosas extremadamente minoritarias y anti-populares. Me parece incluso admirable.
Hay una última sorpresa en los créditos de "Blood Dynasty", la presencia nada menos que de David DeCoteau como co-productor. ¡Cáspita!.

martes, 23 de octubre de 2018

"NEON MANIACS" VOL. 2




Regresamos con un nuevo programa de “Neon Maniacs” en el que volvemos repitiendo la formula del programa anterior, esto es, una película cada uno dentro de los parámetrosdel cine que queremos tocar.
Así, Naxo se decanta por “Uninvited: El pasajero no invitado”, una zetosidad ochentera de Greydon Clark sobre un gato mutante y asesino, mientras que Víctor elige la más rabiosa actualidad comentando “Death Kiss”, serie Z a mayor gloria del clon de Charles Bronson, Robert “Bronzi” Kovacs dirigida por un Juan Palomo con menos talento que una cigüeña llamado Rene Perez. Y, seguimos para Bingo!!!
La música esta semana viene de parte de Gary Us Bonds para la banda sonora de “Class Reunion”
Auténticos y genuinos, cada X tiempo en ivoox… NEON MANIACS!!!!

lunes, 22 de octubre de 2018

EL CONSENSO


“El Consenso”, película 100% destape rodada a toda prisa por Javier Aguirre, resulta un extraño revulsivo para la otra gran corriente pajillera de la época, el cine “S”.  De hecho, “El Consenso” se sirve de la existencia de esa nueva clasificación para hacer algún que otro chascarrillo, algún que otro chiste. Sin embargo, al final la película es una cosa de lo más vulgar y primitiva que, aún haciéndome cierta gracia, su existencia justifica el trato peyorativo que las películas de destape tuvieron por el nuevo cine bienpensante a posteriori, lo que, como muestra de ello, este estatus le concede un valor añadido.
Cuenta la historia de unas prostitutas que quieren tener mayor presencia en su región. Sin embargo, un grupo de señoras beatas hará todo lo posible para erradicar la prostitución de la zona. Una de estas beatas es la novia del farmacéutico y no mantiene relaciones con él hasta que se casen, por lo que este está salido como un mono. Las putas, aprovecharán esta situación para obligar al farmacéutico a tener sexo con ellas. Tras pegarse el festival, el farmacéutico se vuelve el principal benefactor de las prostitutas.
Como ya he dicho, la cosa tiene cierta gracia, pero conociendo los modus operandi de Aguirre, a él esta película no le hacía ni puñetera gracia, por lo cual la descuidó en exceso.
Sin embargo es una película un tanto ignota que viene bien descubrir (o redescubrir) sobretodo para dejar claro que las películas de Pajares y Esteso, adscritas al destape, son un alarde de sutilidad y buen gusto, comparadas con otras como  esta (y tantísimas otras) que apelan bastante más a lo chabacano y los bajos instintos. Con todo, igualmente interesante.
Sobretodo, el principal valor de la cinta reside en  poder ver a Ricardo Merino como protagonista, cambiando de registro según le conviene al personaje —saltando de farmacéutico virgen a chulo de putas de escena a escena, sin inmutarse— . Por otro lado, también es siempre un placer  para los sentidos poder ver a Azucena Hernández, que interpreta a la criada de la beata novia del farmacéutico, gracias a la cual, la beata, interpretada por Helga Line, dejará de serlo tanto, y que, como en la mayoría de las películas en las que intervino Hernández, vemos como Dios la trajo al mundo. Aunque yo siempre he defendido que tras el San Benito que tiene colgado por el tema este del destape, en Azucena Hernández siempre encontré una simpática, pizpireta y cómica actriz.
También tenemos a Antonio Garisa, ya entrado en la tercera edad, dando vida a un obispo que frecuenta y defiende los burdeles, mientras que en un tercer plano tenemos la intervención, muy secundaria, de Eloy Arenas y Manolo Cal, cuando eran el dúo cómico Arenas y Cal.
Curiosa, sin más.

viernes, 19 de octubre de 2018

EL MUNDO SIGUE


Una de las películas malditas del cine español, que además traía consigo justa fama de obra maestra, es esta “El mundo sigue” de Fernando Fernán-Gómez. Y por supuesto, se trata de una magnífica película, probablemente una de las mejores películas españolas de aquella época, si bien, ni por asomo sería la mejor película de Fernán-Gómez como director (ese honor lo tiene, a todas luces, “El extraño viaje”) como se venía diciendo hasta ahora, ni tampoco es una obra maestra. Aunque le falta el canto de un duro para serlo.
Fernán-Gómez que en aquellos primeros años 60 trabajó a destajo en cine y teatro con el afán de acumular un buen número de pesetas y, cual Juan Palomo, autofinanciarse esta película que nadie quería financiar, no previó que lo que estaba filmando era un material demasiado explícito para la España de los años 60. Puede que sea la película más antipática y visceral del cine español, así como la más corrosiva y realista. Nada de lo que ocurre es amable en “El mundo sigue”. No hay ni una gota de humor en la película. Y eso, en unos años en que la estética pop de las españoladas de entonces, y el tono festivo de casi todo film rodado en aquella época (incluidos los dramáticos) era lo que se imponía en el cine. De cara al extranjero, España es la tierra del vino, la fiesta y la alegría, cuando Fernán Gómez, bajándose en una novela del falangista  y gafe J.A. Zunzunegui— estaba sugiriendo que los españoles podían no saber nada de nada, pero sí de fútbol y de toros, a la par que nos mostraba una suerte de historias protagonizadas por miserables, en unos tiempos en los que ser un ciudadano de extracto social medio/bajo era bastante parecido a lo que nos mostraba la película. En ella,  una familia completamente disfuncional tiene que soportar las envidias y rivalidades de dos hermanas, una de ellas medio prostituta y la otra casada con un ludópata que se deja el jornal en las quinielas mientras sus hijos se mueren de hambre. Y en torno a esas dos tramas, van sucediéndose otras subtramas menores que enlazan directamente con estas dos principales. Por el camino, veremos  la miseria humana de aquellos años en todo su esplendor, ya sea en forma de prostitución, violencia de género, ludopatía, robos… dicho así parece una tontería, pero para la época lo que muestra la película no era poca cosa. Además del lenguaje explícito de la cinta, que usaba el lenguaje popular de la calle lleno de tacos y  e improperios, que fue suavizado en el guion para su cita con la censura. Pero de ningún modo esta película iba a pasar inadvertida para la censura, cuyo yugo condenó a este film al ostracismo.
“El mundo sigue” no se quedó en las latas de puro milagro. La película, almacenada durante dos años,  se estrenó en el cine Buenos Aires de Bilbao en Julio de 1965, de manera clandestina y de tapadillo. Apenas estuvo un par de semanas en cartel y en programa doble. Ni tan siquiera Fernán Gómez se enteró del estreno de su película. Su estreno a pequeña escala, no se debe a motivos políticos, sino porque las distribuidora  Nueva Films, necesitaba en catálogo películas españolas para así poder cubrir la cuota que le permitiría tener también films extranjeros estadounidenses de corte taquillero. Se decantó por el estreno de “El mundo sigue” como podía haber estrenado cualquier otra.
Después de aquello la nada más absoluta se apoderó de la película.
Sin embargo, en 2015, Juan Estelrich, hijo del co-productor de la cinta Juan Estelrich padre, se hace con el negativo de la película que se encuentra en un estado lamentable por el abandono y el paso del tiempo y decide poner unos estros a su servicio para la restauración digital, con motivo del 50 aniversario, acto este que, entre otras cosas, servirá para que unos y otros se den palmadas en la espalda, ya sea por formar parte de la película, ya sea por desempolvarla y, en el lado bueno de todo esto, la gente de A contracorriente films se encarga de darle una nueva vida comercial en salas, cosa que derivó en una estupenda edición en Blu Ray que me sirvió para descubrirla, verla y, sobre todo, disfrutarla como un enano. Porque aunque veo en la cinta carencias que los estudiosos y eruditos se empeñan en no ver para no emponzoñar la fama de gran película maldita con la que venía la película de serie (tiene algunas torpezas en el montaje, así como algunas interpretaciones que se van de madre y un par de tempos muertísimos), estás son más propias de la época, incluso de la falta de presupuesto que del no saber (las del no saber son más propias de otros films de Fernán-Gómez como “Pesadilla para un rico” que los eruditos o no conocen, o hacen como que no conocen) y, sin duda, estas se ven absueltas gracias a otras muestras de virtuosismo en el montaje, una historia que engancha, y una dirección estupenda. Amén de representar la cara b del cine español de los años 60, un bocado de realidad, y una bofetada a la censura, que consideró esta película lo suficientemente peligrosa como para hacerla desaparecer, y una rara avis. El como se gasta el personaje de Fernán-Gómez la poca pasta que tiene en las quinielas, en una secuencia de más de cinco minutos, acongoja.
Una verdadera suerte que se haya recuperado esta cinta.

jueves, 18 de octubre de 2018

PRESENTACIONES DE VIAL OF DELICATESSENS PARA ESTE FIN DE SEMANA EN MADRID

Pues los madrileños de pro están de suerte este fin de semana porque Vial of Delicatessens cuenta con dos presentaciones de nuestros productos de las que se han encargado los respectivos autores:


El Sábado 20 de Octubre, a eso de las 21:00 de la noche, Pensador Loco, en compañia de Number Juan, presentará en directo su álbum de rap "Pensador Superior" en el escenario de uno de las mejores salas de conciertos, clubes de comedia y bares de copas de todo Madrid, el Superlativo bar, sito en la C/ Antonio Palomino 1, metro Moncloa o Arguelles.
Se habilitará un stand dónde se podrá comprar tanto este CD como el de Smooth Operators.

Y el Domingo día 21 de Octubre, a las 12:00 h. en Generación X (calle Puebla, 15) se presentará en Madrid el libro de marras, con la presencia en el coloquio del coordinador José Luis Sálvador Estébenez y varios de los colaboradores de la obra.
Se pondrán ejemplares a la venta en la tienda.
No falten!!

y ya saben que para comprar cualquiera de nuestros productos, pueden visitar nuestra página:

http://vialofdelicatessens.blogspot.com

miércoles, 17 de octubre de 2018

YA ESTÁ AQUÍ... "NEON MANIACS", NUEVO PODCAST DE ESTA CASA!!


 
 Aspirando a un sector de oyentes más minoritario, y como spin off de AVT podcast, Naxo Fiol y yo nos marcamos —por si no fueran suficientes— un nuevo podcast: NEON MANIACS. ¿Y qué nos vamos a encontrar en NEON MANIACS? Básicamente, vamos a dedicar el programa a géneros (y subgéneros) marginales y minoritarios, esto es, cine fantástico y de terror en su vertiente más cafre y extraña, serie B, serie Z, cine trash, horror independent, cine independiente de alta alcurnia (y de la más baja alcurnia), cine de vanguardia, cine underground, cine experimental… cualquier cosa, rara, bizarra, alternativa, extraña, misteriosa, peculiar y desperada tiene cabida en este nuevo podcast.  Y aunque nos centraremos en este tipo de cine, podemos tratar en sucesivos programas otros temas que nos interesen en lo concerniente al cómic, la música…. En principio esa es la premisa, aunque podremos dedicarle programas a lo que nos salga de los santos huevos, pero estas son nuestras principales preferencias.
Por otro lado, nos vamos a basar en la completa libertad a la hora de hacerlo, esto es, que no habrá periodicidad, se grabará cada vez que Naxo y yo tengamos tiempo, ganas y nuestros horarios sean compatibles. Así que, lo mismo podemos grabar uno cada semana, que nos tiraremos dos meses sin grabar, que no hagamos nada. Pero en principio creemos que podremos estar en ivoox al menos dos veces al mes.


Sin más, les dejamos con el primer programa , que se lo dedicamos a la película colectiva “Hi-8 (Horror Independent 8)”  parida por lo más granado de los directores del cine de terror hecho en vídeo en los 80 y 90 y “Murder Set Pieces”, una obra concebida para provocar y marcar tendencia, pero que al final a convertido a su director, Nick Palumbo, en un autentico loser. En los "minutos músicales" pinchamos un tema perteneciente al soundtrack de "2000 Maniacos".
A disfrutar!!