CAOS EN ALTA MAR

Indudablemente los noventa fueron una década de oro para Chris Elliot. Y todo a raíz de su gran éxito televisivo, la serie "Get a life! / Búscate la vida" donde, a base de humor eminentemente absurdo, interpretaba a un auténtico cretino que era tan fácil apreciar como detestar. Justo, uno de los fans irredentos del producto respondía al -sobrevalorado- nombre de Tim Burton, por entonces en la cresta de la ola. Tal fue así, que se decidió a rodar un vehículo de lucimiento en formato largometraje para el ahora demandado Elliot. Le encargó un guion a él y a Adam Resnick, co-creador y escribiente habitual de "Get a life!", quienes, básicamente, confeccionaron algo así como un capítulo más extenso de lo normal en el que un personaje igualmente cretino iba a vivir surrealistas aventuras de regusto Burtoniano, a base de muchísima fantasía... aunque, eso sí, llevadas al terreno de la comedia excéntrica. La cosa andaba ya sobre ruedas cuando Burton recibió la oferta para dirigir su mejor película, "Ed Wood", y no pudo resistirse. Decidió abandonar... a medias. Finalmente quedó como co-productor, cediendo las riendas de la dirección a Resnick. Pero eso no importa, porque el film en cuestión, "Cabin Boy" (fantásticamente titulado en España "Caos en alta mar"), rezuma Timburtonismo por todos sus poros... al lado, claro está, del inevitable Chriselliotismo.
Un niño rico, tremendamente gilipollas y detestable, termina formando parte de la tripulación de un sucio pesquero compuesto de marineros paletos. Sin quererlo ni beberlo, se adentrarán en una especie de triángulo de las Bermudas repleto de peligros que, de paso, servirán al imbécil del protagonista para ganarse el respeto de sus compañeros, encontrar el amor y, de paso, madurar.... más o menos.
He leído varias reseñas donde se compara "Cabin Boy" con "El motín del Caine" o "Moby Dick". Sin embargo, incomprensiblemente ninguna hace alusión a, creo yo, influencias mucho más lógicas dada la presencia de Tim Burton y, esencialmente, la trama: las aventuras de "Simbad". Incluso "Jasón y los argonautas". ¿Por qué lo digo? pues porque, comedia a un lado, el film gasta un buen chorro de pura fantasía aventurera con criaturas monstruosas (animadas por un stop-motion muy Harryhauseniano), gigantes amenazadores (en este caso, y de forma hilarante, presentado en la forma de un correcto vendedor de electrodomésticos, ahí con traje y todo), sensuales mujeres de seis brazos, una isla misteriosa... en fin, que sí, que la sombra del director de "Eduardo Manostijeras" o, sobre todo, "La gran aventura de Pee-Wee" (con la que, de manera muy velada, podríamos hacer conexiones, como el hecho de tratarse del traspaso a la gran pantalla de un exitoso y televisivo comediante extravagante), es muuuy alargada. Por su parte, Chris Elliot aporta todo lo demás, un sentido del humor increíblemente estulto, delirante y ridículo que, sin embargo, funciona. A ver, la película no es un dechado de genialidad, pero desde luego entretiene, hace reír, incluso sorprende, en parte gracias a que a duras penas alcanza los ochenta minutos (choca saber que en una primera versión era más larga, pero los implicados -una "Touchstone Pictures" muy descontenta con lo que se llevaban entre manos- decidieron animar el ritmo quitándole escenas. Tuvieron que ser muchas dada la ajustada duración final).
El reparto viene cargadito de caras familiares y algún cameo curiosísimo: Brian Doyle-Murray (en "Get a life!" interpretaba al antagonista de Chris Elliot, su vecino ex-policía), Brion James, Melora Walters (con un currículum donde localizamos títulos de solera como "El club de los poetas muertos" y "Magnolia", pero lo que me ha llamado la atención es que pudo montárselo para salir también en "Ed Wood" y, previamente, se había dejado ver por "America's Deadliest Home Video", debut en la dirección del "amigo de este blog" Jack Perez), Mike Starr, un sorprendente Russ Tamblyn (a pesar de que el subproducto era entonces su terreno natural, tuvo algo de relumbrón durante los noventa gracias a "Twin Peaks"), David Letterman (el famoso presentador de "Late Night", donde Chris Elliot y Adam Resnick tenían plaza fija), Alfred Molina y Ricki Lake (otorgando mucha vida al mascarón de proa del barco pesquero e irreconocible tras la abundante capa de látex).
"Caos en alta mar" fue un señor fracaso allí en los USA. Era demasiado extraña para satisfacer a un público amplio. Al resto del mundo llegó en formato vídeo y Elliot rara vez volvió a ser fichado como protagonista. Pero sí resultó un buen secundario en comedias de éxito como "Vaya par de idiotas" y "Algo pasa con Mary", de los Farrelly, la horrorosa "El profesor chiflado 2" o "Scary Movie 2", donde se marcó un papel icónico como el siniestro criado de mano deforme (retomado recientemente en la chorrísima nueva entrega de la franquicia) y, más o menos, ahí ha seguido desde entonces. Por su parte, Adam Resnick quedó tan tocado que no volvió a intentarlo como director, centrando totalmente sus capacidades en darle a las teclas. Suyos son los libretos de "Combinación ganadora" y "Smoochy".

666: THE CHILD

En sus primeros años de existencia, la infame factoría de malas fotocopias y peores coñas auto conscientes The Asylum iba desesperada por lograr las atenciones del público. No disponía de mucho capital, por lo que sus primeros y verdes intentos se centraban en el género terrorífico -ya saben, siempre ha sido el más económico de parir y con mayores garantías de éxito- a base de elementos puramente exploitation como truculencia y tetamen. Los efectos CGI de los que luego abusarían tanto eran aún inalcanzables, así que se servían del viejo y querido látex. De este modo, y casi sin pretenderlo, puntualmente lograban aciertos como en "I am Omega" -donde los mutantes eran tíos de verdad maquillados, no los moñecotes pixelados de "Soy leyenda"- o "Halloween Night". "666: The child" encaja como un guante en esas coordenadas, y por ello despertaba mi incontrolable curiosidad. Por ello y porque su director es un viejo conocido del blog, don Jack Perez, que pal caso se oculta tras el alias Jake Johnson. No olvidemos que Perez dirigió también para Asylum - tirando nuevamente de nombre falso- el título que impulsó a la compañía hacia cierto mainstream, "Megatiburón contra pulpo gigante". Justamente, el cineasta escribió un prólogo destinado a nuestro pest-seller "Malas pero divertidas" donde contaba las trifulcas de aquella producción. Y luego, además, se dejó entrevistar por Víctor. Un sol.
Otra táctica recurrente de The Asylum consiste en decidir cual será el próximo pepinazo taquillero y correr a facturar su peculiar plagio para estrenarlo antes. A veces dan en la diana, otras no. Esto último pasó con "Snakes on a plane" = "Snakes on a train", "John Carter of Mars" = "Princess of Mars" y la peli reseñada que, como habrán deducido, es un refrito de "La Profecía". Pero no del clásico de Richard Donner, sino su extremadamente insulso y justamente olvidado remake.
Resulta que hay un accidente de avión y mueren todos... menos un chaval. La tipa que se encarga de dar la noticia -y su maromo, el cámara-, se compadece de él y lo adopta. A partir de aquí las muertes aparentemente accidentales se sucederán por doquier (ya saben, uno se pregunta como es posible que los adoptadores tarden tanto en sospechar o, directamente, nunca se den cuenta) El marido será el que atará cabos y decidirá poner orden.
Pues nada, otra aburrida, acartonada e insípida producción de The Asylum. El look digital, frío y descolorido, no ayuda. Nuestro querido Jack Perez se esfuerza lo suyo en dotar de dignidad al producto, pero se queda corto (y se marca un papelillo como realizador televisivo) Sí que hay un par de tetas y bastante sangre, pero pensaba que la cosa sería más extrema (algo común a todos estos traficantes de cine chungo. Quieren atraer a la platea a base de contenido shock... aunque no tanto como para que les perjudique comercialmente)
Dura exactamente una hora y nueve sin contar los lentísimos créditos finales. Contándolos, la cosa se prolonga diez minutazos más. Hagan cuentas y saquen conclusiones.
Por lo visto la estafa funcionó, así que los del asilo se animaron con una secuela, "666: The beast" que, según he leído, es incluso MÁS sosa, MÁS aburrida y SIN gota de chicha. Esa la verá su padre.

ALGUNOS FOTOCROMOS DE "MEGAFORCE"

Con "Megaforce" Raymond Chow, poderoso capitoste de "Golden Harvest", quiso introducirse en el mercado occidental produciendo una película-espectáculo en la línea Spielberg/Lucas remozado con el universo high-tech de James Bond. Se estrenó el verano de 1982 y se pegó semejante hostiazo (a todos los niveles) que las secuelas previstas no se llevaron acabo. Y Mattel, que diseñó el vestuario y creó una serie de vehículos como los de la peli para ser consumidos por la chavalada, se comió un colín.
Y es que sí, aunque hoy "Megaforce" arrastra un notable culto (de hecho, los padres de "South Park" son fans y le dedicaron no pocos guiños en su película "Team America"), en realidad se trata de un producto bastante malo, rancio, que tendría un pase como "mala pero divertida", porque hay momentos que roza el ridículo hasta extremos preocupantes. Pura vergüenza ajena. Por lo visto en principio se trataba de un proyecto mucho más serio, pero uno de sus productores quiso decantarse por una línea "camp" y fichó al actor Barry Bostwick para ejercer de prota. No fue una buena idea. Verlo lucir esas horribles mallas marca-paquete, así como su cinta en el pelo, la barba estilo "Big Jim" y los dientes blancos de "Profident" no es lo ideal para otorgar carisma a un action-hero. Bostwick venía de canturrear y bailar en "The Rocky Horror Picture Show" y, a pesar del leñazo, ha logrado ir tirando hasta hoy, sin parar de currar y convirtiéndose en el actor fetiche de don Jack Perez.
El director de "Megaforce" fue Hal Needham, antiguo stunt reconvertido que en su currículum luce películas tan curiosas como "Cactus Jack" y un porrón de vehículos para su amigo Burt Reynolds.
En cuanto a "Megaforce", pues supongo que tiene un pase si buscas sobrevivir a una tarde de Domingo . Va cargada de explosiones, ideas delirantes (atención a la moto voladora y su temible croma) y, como decía antes, muchas risas involuntarias.
Les dejo los cuatro únicos fotocromos de los que disponemos, que creo ilustran bastante bien el tono y espítitu de la propuesta.

FROM HELL TO THE WILD WEST

Navegaba yo por una de esas webs de descargas ilegales cuya especialidad es la de colgar subproductos de serie B/Z actuales, de esos que ni en siglos llegarían a nuestros comercios, cuando veo el póster de lo que parece una película de Charles Bronson. Vamos, el que ilustra la entrada de hoy. Obviamente, soy lo bastante inteligente para detectar que no se trata de una película de Bronson —entre otras cosas, porque ya está muerto— y me figuro que será una película de cualquier otra cosa a la que han plantado en el póster una foto de Charles Bronson para ver si la peña pica. Pero no.

Resulta que de un tiempo a esta parte, ha salido un actor llamado Robert Kovacs con un más que sorprendente parecido a Charles Bronson. Se parece muchísimo. Entonces, la evolución natural de todo ser humano que se parece a otro, es sacar partido de ese parecido, sobretodo si al que uno se parece es un actor famoso. Así, en pleno 2017, nace lo que viene siendo la “Bronsonxploitation”. Vale que hubo en los 70 otro émulo del actor americano, y desde Japón, nos venía Bronson Lee, mezcla de Bronson y de Bruce Lee que al final no era más que un japonés con bigotes y pelos rizados que no se parecía ni a uno ni a otro. Pero Robert Kovacs es genuino. Lo que me pregunto es por qué ha llegado al “Direct to vídeo” tan tarde.

Así, y rebautizándose para lo ocasión como Robert Bronzi (¡manda cojones!) nace esta nueva explotación en una práctica  como es la de clonar a actores de éxito que no se hacía por lo menos desde los 80 (aunque rula por indonesia o por ahí, un clon de Mr. Bean del que les hablaré otro día).

Mientras escribo esto, Bronzi, ya está filmando un subproducto videoclubero que lleva por título ¡¡ “Death Kiss”!! La curiosidad me embarga.

Sin embargo, la primera toma de contacto de Robert Bronzi con la pantalla se la debemos a esta “From Hell to the Wild West” y se la brinda nada menos que un tal Rene Perez, director que empieza con su carrera en 2010, y rueda bodrios al servicio de su propia productora, una de esas aún más infames  —pero del mismo estilo— que “The Asylum”, con las que rueda títulos intencionadamente expoliadores como por ejemplo “Alien Showdown: The Day the Old West Stood still”, más conocida como “American Cowboys vs. Aliens” o “Little Red Riddin Hood”. Se trata de “iDiC entertainment” y al muchacho le gusta rodar, sobretodo, Westerns con elementos fantásticos dentro de sus argumentos. Incluso, para “The Burning Dead” llega a engañar a Danny Trejo, que no sabe decir que no a un proyecto, y le pone en medio del Oeste a cargarse zombies. Así, “From Hell to the Wild West”, nos ofrece precisamente eso, una combinación de Western y terror, y no es una consecuencia de “Bone Tomahawk” como pensé en un principio ¿Puede que incluso sea al revés? No lo creo. De hecho, su “From Hell” del título, también forma parte del saqueo ya que hace referencia directa al cómic de Alan Moore, así como al film de los hermanos Hughes como verán.

Con estos antecedentes, desde luego, da igual como sea la película. Se ha ganado un visionado por derecho propio.

Y es que la película nos presenta, por un lado, a un individuo que en lo profundo del bosque de M. Shasta, en el salvaje Oeste, se enmascara con unas extrañas piezas de piel zurcidas. Acto seguido, detecta en las inmediaciones una bonita joven a la que se dispone a acuchillar con un enorme cuchillo. Sin embargo, un rudo Sheriff (Bronzi), le tiene en el punto de mira de su rifle, pero antes de poder hacer nada, es espantado por las armas de otros representantes de la ley. Con esta puesta en escena comienza la película, como una declaración de intenciones que nos muestra lo que vamos a ver; básicamente un enmascarado dando cuenta de señoritas en el Oeste y un cowboy que intentará darle caza. Todo ello contado de una manera contemplativa, casi sin diálogos, tomándose el director su tiempo.

Cuando nos creemos que ya sabemos lo que estamos viendo (e incluso nos está gustado, que es lo que me pasaba a mí) la acción se traslada al presente y nos muestra a una pareja de historiadores. Ella ha descubierto un diario datado de mil ochocientos y pico que según lo narrado, se trataría del diario de la única superviviente de Jack el destripador. Según su investigación, a Jack el destripador le seguían la pista en Londres, iba a ser capturado muy pronto por Scotland Yard, debido a la larga hilera de asesinatos que había dejado a su paso. Solo podía entregarse o dejar de matar. Pero como destripar es una actividad que le gustaba tanto, pensó que lo mejor que podía hacer era viajar a algún lugar donde pudiera seguir asesinando y que no se notase ¿Y a dónde podía ir? Pues al salvaje Oeste, dónde las autoridades no eran tan inteligentes como para seguirle la pista, o donde un cadáver o dos más al día, no supondrían algo anormal.

Una vez se nos cuenta esto, la acción vuelve de nuevo al lejano Oeste y allí, comienza el juego del ladrón y el gato entre este Jack el destripador con complejo de Phineas Fog, y el Charles Bronson de los chinos, que por otro lado dará pie a la historia que hay en el diario de la superviviente.

La verdad, el bizarrismo de la historia, el tema del clon de Bronson, el look fardón de asesino con máscara que se gasta Jack el destripador, la cadencia de la película, lenta, serena, casi vanguardista, pero contándonos una locura de géneros opuesta a la vanguardia, le han hecho ganar muchos puntos.

Sin embargo, y consiguiendo captar la atención del espectador durante los primeros 30 minutos, pronto, todo este material tan original e interesante, se convierte en un tedioso avanzar, imponiéndose todos los clichés de la serie Z actual y ofreciendo más de lo mismo: Gore no muy resultón, tías jamonas en tetas, y numeritos para que Robert Bronzi se luzca ante la cámara y luzca su parecido con Bronson. Resumiendo, que comienza de una manera fascinante (¡qué película más rara!) y se vuelve un coñazo.

Sin embargo, de lo curiosa que es, y por tener un planteamiento tan oríginal, se le perdona el posible aburrimiento experimentado en la segunda mitad, entre otras cosas, porque no nos da tiempo a maldecir siquiera, ya que la cinta dura apenas una hora y cuarto.

Así que como rareza, como curiosidad, me alcanza y me sobra. Esto quiere decir que me la pienso pillar en DVD o Blu Ray. Y si esto ocurre, es porque de algún modo, “From Hell to the Wild West”, merece la pena.

FINDERS KEEPERS

“Quién lo encuentra, se lo queda” —título latino que me encanta...— sería una traducción más o menos decente para la expresión “Finders Keepers” que da nombre a esta T.V. Movie de los canales Pay Per View y que se ha estrenado por esa misma vía con el título Español citado al principio.

Se trata de un insípido producto a priori adscrito al subgénero de muñecos asesinos. Sin embargo, y aunque efectivamente la asesina es una muñeca, esta no hace aparición animatrónica  o infográfica alguna. Y es que, consecuencia, obviamente, de la ya popular Anabelle,  -de “Expediente Warren” o la película que lleva su nombre, esta muñeca aparece tiesa como un palo, cometiendo los asesinatos su dueña, una niña que, para más inri, comete sus fechorías, casi siempre, fuera de cámara.

No obstante, todo esto daría lo mismo si la capacidad para  asustar de la película no fuera absolutamente nula, o en el mejor de los casos, que se tratase de una buena película, pero no. Imagínense la peor película de terror del presente siglo, con todos sus clichés y tópicos. Pues justo eso sería “Finders Keepers”. Una películucha de terror como tantas que hay, que no aportan absolutamente nada, ni al género, ni a nuestro entretenimiento.

Cuenta la historia de una “Muñeca quitapenas”. Estas muñecas, según su folclore, se ponían a la cabecera de la cama de los niños que tenían pesadillas con el fin de que les protegiera y ayudara a dormir. Así, una mamá soltera y su hija se mudan a una casa dónde hay en el suelo una de estas muñecas, fea como un demonio y que hace presagiar que nada bueno trae consigo, pero, aún así, la hija de esta señora queda prendada con ella. Y claro, comienzan a ocurrir casos extraños, hasta acabar estos en violentos asesinatos perpretados, no por la muñeca, sino por la niña, que está conectada a ella. Y a partir de ahí, más de lo mismo durante hora y media.

Poco más que decir. Para completistas que sabrán verle los puntos positivos.

Curiosamente, la protagonista es Jaime Pressly, que ha aparcado su potente bis cómica, su palmito y su exhuberancia, ha tapado sus comunes escotes, y ha cortado su melena rubia, para pasar de ser la adolescente cachonda de “Fuera de Onda” o “No es otra estúpida película Americana”, a ser una madura divorciada cuarentona, que lo pasa fatal viendo como su hija hace cosas raras. Una actriz cómica cambiando de registro y haciéndolo muy bien, que sería el único motivo para tener en cuenta esta película.

Por otro lado, el director sería Alexander Yellen, que debuta en la dirección con este telefilme, pero  que ha sido director de fotografía o de segunda unidad de incontables producciones, siendo lo más destacable los “Mega shark Vs. Giant Octopus” de Jack Perez o  “Mega shark Vs. Mecha Shark”  de Emile Edwin Smith. Carne de “The Asylum”, aunque esta “Finder Keepers” es una película completamente seria. Solo que muy mala.

ENTERRANDO A LA EX

Cinéfagamente (y creativamente), soy hijo de dos grandes corrientes surgidas en plenos años 80, década en la que ambas vivieron sus momentos dorados: el blockbuster y el video-clubismo. De la primera me empapé con superproducciones de aventuras, fantasía, acción y ciencia ficción. De la segunda, con un montón de títulos ignotos, extraños, baratos y, sobretodo, ligados al género de mis amores, el terror.
Evidentemente en el grupo de las primeras destaca con luz propia lo que hizo Steven Spielberg desde su "Amblin". Y quien dice Spielberg, dice el séquito de realizadores forjados a su sombra como Robert Zemeckis o Joe Dante.
A veces me embarga el desconcierto cuando me paro a mirar/pensar y me percato de que los responsables de todas las películas míticas que alegraron mi infancia y adolescencia son personas humanas que comen, cagan, mean y, sobre todo, siguen activas haciendo lo suyo. Cuesta aceptar que el tipo que parió "Piraña", "Aullidos", "Gremlins" o "El chip prodigioso" sea una persona real y que no se levante cada mañana psicológicamente condicionado y, por ende, creativamente paralizado por el hecho de haber dirigido productos tan fundamentales para la vida de miles de seres humanos. Pero es así. Y Joe Dante, aunque ya no nada entre milloncejos y grandes éxitos de taquilla, continúa facturando películas. En ocasiones algunas de ellas miran a su pasado con resultados raramente satisfactorios (ejemplo: "Pequeños Guerreros" o "Miedos 3D", el remake no confeso de "La puerta"), y en otras hace gala del que fue otro sus fuertes -aunque menos-, la comedia negra. "Enterrando a la ex" entra dentro de este grupo.
Un devoto del cine de terror vive enchochado de una chica con la que tiene más bien poco en común. No es muy feliz con ella (sobre todo cuando le estropea unos valiosos posters), pero va tirando con resignación. Un día le promete amor eterno -después de echar un polvo, claro- delante de una figurita mágica que toma buena nota de ello. Aunque en realidad lo que quiere es cortar con la chica, así que reúne el valor y la cita en un parque para decírselo. Desafortunadamente, ella es atropellada y muere trágicamente antes de conocer la mala noticia.
Tras pasarse varias semanas encerrado en sí mismo (y viendo "Plan 9 from outer space"), el chaval conoce a otra churri la mar de atractiva y, sobre todo, con la que tiene mucho en común. Cuando más evidente se hace que entre ambos tórtolos está naciendo el amor, la novia muerta volverá de la tumba, algo desmejorada y muy cachonda para reclamar aquello que le prometió la que en vida era su pareja.
Pues sí, queridos, Joe Dante apuntándose a la moda zombie en sus últimos coletazos. Triste, pero viniendo de quien viene, se lo podemos perdonar, ¿verdad?.
"Enterrando a la ex" no es una peli de terror. Es, como decía, una comedia. Negra, sí, pero tampoco estamos ante un carnaval ni de tripas ni de mala leche. Y tampoco de tetas, por desgracia como verán unas líneas más abajo. Cuando me puse a verla, lo hice pensando que sería un mojón y que seguramente me quedaría dormido. Y la verdad es que no fue así, me entretuvo medianamente, me hizo cierta gracia, no me ofendió en exceso y aunque el final sea previsible y ñoño, la cosa se saldó con un regusto moderadamente positivo. Y es que, bueno, no deja de ser una película de Joe Dante. Y el que tuvo, en mayor o menor medida, retuvo.
El reparto es de esos bien floridos. Destaca su protagonista, el pobre Anton Yelchin, tristemente fallecido de modo demasiado prematuro. Le sigue la.... en fin, dejen que coja aire: la tremenda Alexandra Daddario o, lo que es lo mismo, las más deliciosas y comestibles tetas que actualmente podemos ver en el cine. ¡¡Madre mía, que cosa!!. Tías como estas, y senos como esos, hacen creer en dios. O en el diablo, por dejárnoslas ver pero no catarlas. En este caso el diablo es Joe Dante, que nos regala una escenita de lucimiento erotico-festivo, pero muy light, sujetador mediante. Aún así, tela marinera. Claro que uno no puede evitar preguntarse: ¿de verdad existen chicas con ese aspecto físico, esa candidez y que les molen las pelis de terror, el punk rock y demás subculturas?. En mi época no las había. Hoy, desde el horrible boom caspa-gore de los 90 y la invasión manga, sí que las hay, aunque no creo que lleguen a tal nivel de perfección (y son demasiado jóvenes para este viejo verde). En fin. Los acompañan Ashley Greene como la chica zombie (es "famosa" por su participación en la saga "Crepúsculo", pero antes estuvo en esto) y Oliver Cooper como el improbable amigo golfo y fondón que folla cuanto quiere y con quien quiere.
Siendo como es una peli de Joe Dante, no pueden faltar Dick Miller (envejecido, pero ahí lo tienen), un porrón de guiños cinéfagos (destaca uno dedicado, nada menos, que a Jack Perez, con quien recientemente Dante colaboró) y referencias directas (llama la atención ver "The gore gore girls" en una pantalla). La música se la debemos a Joseph LoDuca, habitual del clan Raimi y responsable del entrañable y minimalista soundtrack de "Posesión Infernal". Entre los productores encontramos a un personaje bien curioso, Brad Sykes, cineasta habitual del horror de ultra-bajo presupuesto generalmente grabado en vídeo.
"Enterrando a la ex" queda lejos de los mejores tiempos del cine de Joe Dante, por supuesto, pero se deja ver como entretenimiento ligero y desenfadado y, oye, después de todo me gustó más que la insufrible "Matinee" o las ya mentadas "Pequeños Guerreros" y "Miedos 3D".

SHARKNADO

En este blog ya sabéis que sufrimos las películas de The Asylum con una sonrisa en la boca, será que somos un poco masoquistas. También ayuda mucho que conociéramos de primera mano (el prologo de Malas pero Divertidas está escrito por Jack Perez, director de Megashark Vs Giant Octopus) como se confeccionan, el presupuesto que se gastan, y las fechas límite que tienen para rodar. Así que queráis que no, vemos estas cutre-películas con otros ojos.

Una de las características de The Asylum, que ya conoceréis si habéis visto el video de arriba o habéis leído alguna de nuestras reseñas o incluso si habéis llegado a ver alguna de sus películas, es meter a una “estrella” de capa caída en su producción como reclamo ante el público. Pues en Sharknado no hay una estrellita, ni dos ni tres, sino que casi todo su plantel de protagonistas son actores más o menos conocidos. Empezamos por el plato fuerte, el protagonista, es el rubito de Sensación de Vivir, Ian Ziering. La ex mujer de este es Tara Reid, a la que conocemos por American Pie. El amigo enrollado del prota es Jaason Simmons (el cual tienen un gran parecido con Vinnie Jones), cuyo trabajo más destacable fue ser uno de los vigilantes de la playa de David Hasselhoff. Y queda un actor cuya cara hemos visto mil veces haciendo de secundario, tanto en cine como en televisión, es John Heard. Vamos con el argumento:

Mientras empieza una tormenta que dará lugar a tres tornados que succionaran tiburones en alta mar y luego los irán lanzando por Los Ángeles, nos muestran la vida de Fin (Ian Ziering) un ex surfista profesional campeón del mundo que regenta un bar en el muelle. Allí tiene siempre sentados en dos taburetes a su amigo Baz (Jaason Simmons) y al señor mayor de turno, George (John Heard). La camarera que trabaja para Fin, tiene un trauma con los tiburones que más adelante de la película nos lo contara (aunque no tengamos ni el mas mínimo interés por conocerlo, pero oye, hay que rellenar metraje) Empieza la tormenta, y Fin, que debe de tener un sexto sentido del peligro, como el de Spiderman, o algo, sale rápidamente del local con sus amigos a buscar a su familia, y es que nuestro protagonista está divorciado y tiene dos hijos. Por el camino, Fin y su grupo se pararan a ayudar a otras personas y es que este Fin es un “buencha”.

Cuando la cosa parece más calmada, Fin idea un plan, acabar con los tronados para que los tiburones no puedan llegar más lejos y dañar a más gente, si es que lo dicho, este chico es más majo que las pesetas y no le importa poner su vida en peligro si es que puede ayudar a los demás. Se les ocurre tirar bombas caseras dentro de los tornados para que la diferencia de temperatura los pare, una chorrada enorme, pero oye, mejor eso a tener que aguantar más escenas de palique encerrados en un vehículo o una habitación. Y es que esa es otra, en esta película se mueven mucho, de aquí para allí, y de allí para allá. Y todos estos desplazamientos están rodados igual, los protagonistas en el vehículo  y unos cuantos técnicos mueven la carrocería para simular movimiento, pero que pasa, que queda fatal y se nota un huevo. Tabla de surf, moto de agua, coche y helicóptero. Método de transporte que sale, método de transporte con escena en quieto que ruedan, y es que no hay como irse a un desguace para tener vehículos en los que rodar.

Pero ¿Y qué tal esta la acción, hay “chicha”? Pues sí, y no. Las situaciones son muy absurdas, solo hay que ver el tráiler para ver el 75% de las escenas de acción de la película. El CGI es cutre, pero las he visto en Asylum mucho peores, aunque eso no significa nada, que mi compañero de clase saque un 1 en el examen no hace que mi 3 sea una buena nota, pues con estos efectos infograficos pasa lo mismo. Contiene unos errores garrafales, como que fuera de la casa de la ex de Fin, el agua no llegue ni a los 2 cm de altura, pero cuando entran el patio se ha llenado con casi un metro de agua. Vale, la tormenta trae mucha agua, pero luego es tanta agua que acaba entrando por las ventanas, con tiburón incluido. Cuando consiguen escapar y salir de la casa, en el patio el nivel del agua vuelve a ser de dos centímetros. Estos fallos de raccord son bastante comunes, en una escena en la que los protagonistas ayudan a salir a unos niños de un autobús escolar, lo hacen descolgándose desde el puente que pilla encima, pues bien, aunque hay una tormenta del cagarse, en el puente el suelo está perfectamente seco. Seguimos. ¿Frases lapidarias? Alguna hay, pero quedan tan mal que causan risa más que dejar al espectador con la boca abierta. ¿Tetillas? Pues no, en esta no hay. Entonces ¿Por qué tanto revuelo si películas como Sharknado hay ya muchas? Pues no se sabe, pero Twitter ha tenido mucho que ver. En los USA sobre todo se hizo una gran campaña de publicidad, y por lo que he leído por ahí, muchos actores de la serie A han dicho por twitter que la película les ha hecho mucha gracia y que ojala se haga una segunda parte, ¿Y saben qué? Que ya está anunciada. Ahora bien, como digo, en varios sitios se ha dicho eso de los actores de primera categoría sacándole la cara a esta producción de The Asylum, pero la cuestión es que no he visto ningún nombre acompañando esas declaraciones, así que todo podría ser una muy buena campaña de marketing bien de The Asylum o bien de SyFy Channel, la cuestión es que les ha funcionado porque en muchos diarios online de la prensa española se habla de Sharknado.

Lo mejor y lo peor que se puede decir de esta tv movie es que es una película más de The Asylum, y creo que con esto ya no hay nada más que decir.

SOME GUY WHO KILLS PEOPLE

La última película, por ahora, de nuestro amigo Jack Perez, destaca al venir avalada por la revista “Fangoria” y estar producida por John Landis.

Incluso, para la ocasión, Perez prescinde de un seudónimo firmándola con su nombre real, por lo que todo hace pensar que estamos ante la película que hará pasar a nuestro  hombre al mainstream… aunque una vez vista yo creo que a Jack Perez aún le queda un poquito para eso. Aunque anda bien encaminado.

Técnicamente impecable, eso si, “Some guy who kills people” (cojonudo título que traducido vendría a ser algo así como “Algún tio que va matando gente”), tiene un problema muy grave de tempo. Es una historia cojonuda pero pero desarrollada de forma tremendamente aburrida, lo que es una lástima.

Quizás porque el guión no da demasiado de si, la película se alarga eternamente entre conversaciones interminables y ritmo telefilmesco. Pero es que las escenas con más chicha, las de los asesinatos que tendrían que ser la sal del asunto, aún bien rodadas, no impactan lo suficiente. Vamos, que te quedas igual.

Vendida como una comedia negra, que deambula por los parámetros del “Psycho Killer”, en realidad “Some guy who kills people” es una tragicomedia que, al igual que los telefilmes más puros, gasta mucho tiempo de su metraje en las relaciones sociales, siendo en esta ocasión entre padre e hija la telefilmesca premisa.

Un individuo del que, en el instituto, el equipo de baloncesto se mofaba, se toma la revancha cuando edita un cómic (tiene mucho talento para el dibujo) en el que ridiculiza a dicho equipo. Estos, humillados, deciden secuestrarle y reventarle. Esto hará que nuestro protagonista les tenga un odio atroz.

Pasan los años, y nuestro hombre trabaja en una heladería, y mientras se relaciona con su hija de once años en eternas charlas, liga con cuarentonas y vive como puede su miserable vida, un tipo encapuchado se va cargando a todos los miembros del equipo de baloncesto que pululan por la zona, y todo apunta a que el asesino es nuestro protagonista. Así pues, el sheriff comienza la investigación.

Me encanta este planteamiento, y me da mucha rabia que no se le haya sacado el máximo partido a favor del metraje de relleno, que en este caso es mucho.

Sin embrago, la película, flojita, no es tan mala como para aborrecerla, con lo que disfrutamos del visionado, y a otra cosa, mariposa. Una película de consumo, de ver y olvidar. No trasciende en absoluto.

Lo curioso es que, suponiéndose la película menos risible de Perez, a mí me ha gustado bastante menos que otras mas pequeñas, como “La cucaracha” e incluso “Juegos Salvajes 2”, y esto es solo porque, al contrario que esas, estamos ante una película lenta, lenta, lenta.

En el reparto, tenemos, haciendo un papel excelente, eso si, al eterno secundario Kevin Corrigan visto en cosas como “Uno de los nuestros”, la independiente “¡Hasta las narices!” o  “Supersalidos”.

Como el mejor amigo del prota, tenemos a Leo Fitzpatrick, al que vimos en  “Cosas que no se olvidan”, pero que muchos recordarán porque interpretó a aquél repugnante adolescente que gustaba desvirgar jovencitas de 12 años mientras las contagiaba el sida en la , hoy ya desfasadísima, “Kids” de  Larry Clark.

Hecha una anciana, tenemos a la ya clásica -y recientemente fallecida- Karen Black, vista en “Easy Rider”, "La trama" o "La casa de los 1000 cadáveres".

Lo dicho, flojita… y sin embargo, simpática, muy, muy simpática.

INTERVIEW: JACK PEREZ

Si les hablo a ustedes de JackPerez, y no son muy asiduos a este blog, probablemente el nombre en cuestión no les suene de nada. Pero si nombro “Mega Shark Vs. Giant Octopus” Sabrán, sin duda, de que película les hablo, aunque el nombre seguirá sin sonarles, porque el director la firmó con el seudónimo de Ace Hanna.
Pero Jack Perez, además de ser el director de esta película, lo es también de muchas otras, es un cineasta con tablas con un pie puesto en Hollywood...y también ¡fue pionero en el found footage!
Al Staff de AVT no nos fue difícil contactar con el, ya que nos une cierta amistad, y, como además es el prologuista de nuestro libro “Malas pero divertidas”, pues hacerle esta entrevista y que contestara como se ha de contestar ( y no como otros entrevistados recientes con respuestas más cortas que las preguntas) no era muy complicado, era cuestión de enviar un e-mail y listo.
Así que de todos esos asuntos que verán a continuación, hablamos a base de mensaje, para que ustedes, queridos lectores, lo disfruten.
Esto nos contó Mr. Jack Perez:

Háblanos de tus inicios. ¿Hacías cortos superocheros de chaval?. ¿Cuales eran tus aspiraciones?

Como muchos chavales en los 70, tomé prestada la cámara de Súper 8 de mi padre y comencé a hacer pequeñas películas de horror, ciencia-ficción y de “catástrofes” protagonizadas por mi hermana pequeña. Inicialmente fui inspirado por el “King Kong” original de 1933 y por todas las pelis de fantasía de Ray Harryhausen como “El monstruo de tiempos remotos” y “Simbad y la princesa”, que echaban habitualmente en la tele los Sábados por la mañana. Me obsesioné con la animación en stop-motion y el trabajo con maquetas y leí todos los libros sobre el tema que podía encontrar. “The Making of King Kong” de Orville Goldner era como una biblia para mi!. Por supuesto, cuando “La guerra de las galaxias” se estrenó en el 77, me enganché. Pero al principio todo giraba en torno a los efectos especiales. Realmente no aprecié lo que hacía un director hasta más tarde.
Durante el verano de 1978, fui invitado a visitar el set de “Aeropuerto 79” (la última de la serie). Un amigo de la familia era asistente de montaje y pude ver cómo era la creación de una película. Por entonces, había comenzado a pensar en escuelas de cine y mi atención apuntaba hacia la dirección, que me ofrecía mucho más control creativo.

Según IMDB, tu primera película como director es “Deadliest America Home Video”. Háblanos de ella…


Básicamente se trata de una de las primeras películas “found footage”. Ese género ni tan siquiera existía a inicios de los 90, así que la idea de estructurar una película “a través de la lente” de una cámara de vídeo era bastante nuevo. Me ofrecieron la oportunidad de escribir y dirigir una peli “exploitation” tan y tan barata que la tendría que hacer con una vieja video cámara Hi-8, lo que es muy miserable. En lugar de intentar hacer una narrativa estándar, que acabaría teniendo el aspecto de una porno o un culebrón por su “look” de vídeo, decidí escribir un thriller que pudiera utilizar la mala calidad del vídeo de modo orgánico, como parte de la historia. Y así es como se formó la idea – la historia de un entusiasta del vídeo casero (interpretado por Danny Bonaduce, protagonista de la serie “Mamá y sus increíbles hijos”) que lo graba todo en su vida, entonces es secuestrado por un pequeño grupo de criminales que le obligan a documentar su carrera criminal a lo largo de América.


Tu película más popular es “Megashark vs Giant Octopus”, pero aquí en España solo podemos acceder a ella comprando el DVD de importación. En cambio, sí se han comercializado “La cucaracha” y “Juegos Salvajes 2”. ¿Son pues esas dos tus películas de más éxito?

Financieramente, supongo que “Megashark…” y “Juegos salvajes 2” son las de mayor éxito. Pero intento no medir mi éxito por la cantidad de dinero que hacen mis películas. Más bien me quedo con cuales son más personales y de los que estoy más orgulloso.

¿Cual de tus películas es tu favorita?

En todas mis pelis hay algo que me gusta, pero mi peli de detectives privados, “The Big Empty” (1997); mi “noir” situado al sur de la frontera, “La Cucaracha” (1998) y mi comedia de horror, “Some guy who kills people” (2012) son mis favoritas. Estas tres me representan, a mi y a mis habilidades como cineasta. “Monster Island” (que hice para la MTV con protagonismo de Mary Elizabeth Winstead), que cuenta con un montón de monstruos animados en stop-motion, estaría cerca de la cuarta posición.

Hablando de “Juegos salvajes 2”. ¿Viste la primera antes de rodar la tuya?, ¿por qué son tan diferentes?

Había visto la de John McNaughton y me gustaba, pero realmente no la estudié. Me interesaba más coger el material y hacer algo con él que me resultara interesante – básicamente hacer una película “noir” ambientada en los everglades/Florida. Ese es el único modo de hacer algo bueno – haciéndolo tuyo. De otro modo, únicamente estarás copiando el material de otro.

¿Por qué no hiciste la tercera parte?

Me la ofrecieron, pero no querían pagarme un poco más de dinero a pesar de que “Juegos salvajes 2” había ayudado a crear la franquicia al completo. Más importante, si cabe, es que ya había hecho todo lo que podía con esa clase de historia. Además, el guión para “Juegos salvajes 3” era casi exactamente igual al de “Juegos salvajes 2”!.

Ace Hanna, Jake Johnson… esos pseudónimos los utilizas, respectivamente, en “Mega shark vs Giant Octopus” y “666: The Child”. ¿Por qué los usaste y por qué esos en concreto?

Porque considero esas películas creativamente comprometidas. Básicamente porque me arrebataron el control a la hora del montaje. Cuando un director no controla del todo esa fase, pierde la oportunidad de mostrarle a la audiencia todo aquello que pretendía. Incluso si es una película tontuna de monstruos. Esas dos pelis podrían haber sido mucho mejores, creo, si me hubieran dejado montarlas tal y como yo quería. “Jake Johnson” fue fácil de inventar, “Ace Hannah” es más como un “chiste privado” – es el nombre de un personaje en el clásico western de Robert Aldrich “Vera Cruz” (1954) con Burt Lancaster y Gary Cooper. Suena ridículo, y así es exactamente cómo me sentí haciendo “Mega shark…”. Eso y frustrado.

¿Te preocupa/molesta que seas sobre todo conocido por “Mega shark…” en lugar de otra de tus películas?


Pues sí, en cierto modo. No es precisamente el mejor título de mi filmografía. Me gustaría ser conocido por mi mejor trabajo. “Some guy who kills people”, “La cucaracha”, “The Big Empty”, “Monster Island” – estas son películas de las que estoy genuinamente orgulloso, y son mil veces mejor que “Mega shark…”.

¿Cuales son las diferencias entre trabajar para “The Asylum” y hacerlo para “Sony Pictures”?

Básicamente es lo mismo, políticamente. Tratas con notas de los productores, quienes tienen opiniones muy específicas sobre cómo hay que hacer las cosas. Y muy a menudo tienes que pelear por tus propias ideas. Lo que es cansino. Originalmente pensaba que las compañías dedicadas al cine de muy bajo presupuesto dejaban tranquilo al director, pero me encontré con que no era ese el caso. Todo productor, sin importar el tamaño, quiere ser escuchado. Ese es el precio que todos los cineastas han de pagar para lograr que se financie su trabajo. Naturalmente, tu plan de rodaje es más largo con Sony porque hay más dinero para hacer la película, lo que siempre ayuda.

¿Te sientes a gusto siendo un “director de serie B” o preferirías ser más mainstream, hacer películas de gran presupuesto y ganar Oscars?

Me considero a mi mismo un cineasta independiente que ocasionalmente hace pelis semi-comerciales. Supongo que ser considerado un “director de serie B” no es tan malo, aunque me gusta pensar que he hecho algún trabajo con calidad “A”. Algunos de mis directores favoritos eran etiquetados de “serie B” – Sam Fuller, Phil Karlson, Jacques Torneur, Richard Fleischer. Pero todos hicieron trabajos de calidad “A” en sus vidas.
Me encantaría tener el tiempo que proporciona un gran presupuesto – plazos  más largos que dedicar a refinar tu labor, pero una vez más, con más dinero viene una mayor interferencia creativa, algo que puede ser devastador para tu alma.
No me importa una mierda ganar Oscars – los Premios de la Academia son basura, una casa de putas.

¿Cuales son tus ambiciones?

Seguir haciendo películas personales con un mayor control creativo.

Has trabajado con John Landis, Joe Dante y Adam West. ¿Cómo fue?

Fue un placer. Todos son héroes de mi infancia, por lo que de pronto encontrarme currando con ellos fue como un sueño. Fueron muy majos, encantadores, con maravillosas historias sobre sus carreras y el negocio. Yo veía “Batman” cuando era un chavalín, por lo que dirigir a Adam West en “Monster Island” fue surrealmente bonito. Durante la gran escena de su muerte donde una hormiga gigante mutante se estrella contra él mientras sostiene un frasco de nitroglicerina, se volvió hacia mi y dijo, “Nosotros nunca hicimos algo así en la Batcueva!”. “Un hombre lobo Americano en Londres” fue una peli muy importante para mi, así que tener a John Landis como mi productor ejecutivo en “Some guy who kills people” fue muy gratificante – y el hecho de que le encantara la película fue como lograr que tus padres te digan que se sienten orgullosos de ti!. Las películas de Joe Dante, particularmente “Aullidos” y “Piraña”, también fueron grandes influencias. En un momento en que le estaba dirigiendo a él y a Landis en una escena, Joe se giró hacia John y exclamó, “Suena igual que yo!”. Aquello fue muy emocionante.

Escribiste la introducción de nuestro libro dedicado al cine trash “Malas pero divertidas”, lo que demuestra que tienes un gran sentido del humor. ¿Qué te motivó a hacerlo?

Me sentí halagado de que me lo pidierais. Es muy divertido estar incluido en un libro guay sobre películas de culto. Incluso aunque tenga serios problemas con “Mega shark…”, siempre es bonito ser reconocido. Y era una oportunidad para explicar mi participación en la película- por que la hice y todos los obstáculos que tuve que afrontar para hacer semejante alocada peli de bajo presupuesto.

¿Cómo sería la perfecta película de Jack Perez?

Siempre he creído que mi mejor trabajo surge cuando mezclo mi amor por las películas con aquello que ocurre en mi vida personal. “The big empty”, “La cucaracha” y “Some guy who kills people” fusionan todas ellas géneros que adoro con temas que son muy personales para mi. Cuando logro hacer eso – es perfecto. Lo que lo hace aún más perfecto es cuando ningún productor jode mi labor y logro el montaje final. Pero eso rara vez ocurre.

¿Cómo ves el futuro?


Hace ya muchos años de cuando estaba muy deprimido respecto al negocio y a cómo se desarrollaba mi carrera. Muchas veces desearía haber hecho películas en los años 70, porque parece que hubiera conseguido producir más “mi tipo de película”. Era un periodo más excéntrico y más abierto, y ahí es donde siempre he vivido como cineasta – ligeramente a la izquierda del centro. Sin embargo, he sido capaz de llevar adelante varios trabajos de los que me siento orgulloso. Así que no me puedo quejar. El futuro es brillante.

Dime cinco pelis que te gusten y cinco que te disgusten.

Hay muchas malas, así que ni siquiera empezaré. Pero cinco que me gusten podrían ser: “Vera Cruz” (Robert Aldrich, 1954), “Encadenados” (Hitchcock), “Topsy-Turvy” (Mike Leigh), “King Kong” (1933) y “Quiero la cabeza de Alfredo Garcia” (Peckinpah).

Cinco directores que te gusten y cinco que te disgusten.

Otra vez, muchos directores que no me gustan. Pero los que admiro son: Hitchcock, Peckinpah, Aldrich, Frankenheimer y Welles.

¿Algo que añadir?, ¿algo que quieras decir a nuestros poco lustrosos lectores?

Mirad películas antiguas. Siempre son mejores que los “nuevos lanzamientos”. Y uno aprende mucho más sobre cine de los maestros.
Gracias! (en castellano en el original).

NAZIS AT THE CENTER OF THE EARTH

Como bien sabemos a estas alturas, cuando los chicos de "The Asylum" se lanzan a producir uno de sus afamados, inefables y polémicos "mockbusters", suelen elegir el estreno más llamativo del año, la super-producción de turno (generalmente fantástica) a la que echarle el lazo y chuparle la sangre. Por ese motivo me extrañó cuando, viendo el cartel de "Nazis at the center of the earth", entendí que la peli fusilada en esta ocasión era "Iron Sky", una producción Finlandesa / Alemana / Australiana no especialmente espectacular / cara pero con una idea interesante: los nazis no desaparecieron después de la guerra, se escondieron en la cara oculta de la luna, perfeccionaron su tecnología y, años después, regresan a la tierra para invadirla. Digo ello porque, con todo lo fresca u original que pudo ser "Iron Sky", quedó bien lejos del mega-éxito taquillero. Así pues, una de dos, o los del asilo no siempre aciertan en sus suposiciones o, simplemente, les gustó tanto el concepto que decidieron hacerlo suyo, cambiando la luna por el centro de la tierra. 
Otro aspecto que me ha chocado: Cuando descubrí que "Iron Sky" era en realidad un producto muy consciente de su delirio que echaba mano generosamente del humor, me decepcionó. De haberla hecho totalmente en serio hubiera molado más... ¿o no?, la respuesta, en parte, la obtuve viendo ayer noche "Nazis at the center of the earth" que, por increíble que parezca, se toma muy en serio a sí misma. O, bueno, bastante. Y, joder, no... no funciona... cuanto más delirante se vuelve, mayor es la sensación de ridículo y patetismo. Sin embargo, dudas, dudas de que los artífices de esta peli realmente no se den cuenta de la memez que están pariendo, así que la pregunta sigue vigente, los de "Asylum" ¿¿iban o no en serio??. 
Jack Perez, director del título más emblemático de la famosa productora, "Megashark vs Giant Octopus", narraba en la introducción que escribió en exclusiva para nuestro libro que cuando redactaba el guión de lo que iba a ser su absurda epopeya de monstruos, metió unas buenas dósis de fino humor con el ferviente deseo de demostrar a la futura audiencia que él era más consciente que nadie de la locura que llevaba a término, pero según cuenta, al leerlo, los jefes de "Asylum" le dijeron que nanai, que se dejara de chistes y humores, que aquello iba a ser una película seria. Y quedó lo que quedó. Bien, ¿podemos aplicar esto a "Nazis...."?, porque aunque toda la parte final es un desmadre absoluto, de vergüenza ajena, imposible de ser tomado en serio, da la verdadera sensación de que sus responsables sí lo hacen, y que no están para cachondeo. No sé, es una gran duda que el visionado de esta locura me ha dejado... aunque, por lo demás, tengo bastante clara mi opinión.
Unos exploradores del ártico desaparecen y sus compañeros van a buscarlos, internándose por un agujero que los lleva hasta el centro de la tierra, hasta un submundo que dispone de su propio "sol" y su propia naturaleza (como en el clásico de Julio Verne, vamos) y, eso sí, donde habitan un montón de nazis supervivientes comandados por nada menos que el doctor Mengele cuyo deseo consiste en revivir a Hitler y tomar el control de la tierra. Ale!.
Pues básicamente la peli puede dividirse en dos partes, la primera está bastante potable y se deja ver, la seguna pierde los papeles y todo se va a la mierda. Veamos:
Primera Parte: Aquí es donde los responsables van más en serio con su propuesta ya que, lejos del cachondeo o el tono de novela "pulp" que indudablemente gasta todo, "Nazis at the center of the earth" casi parece una de esas "nazixploitations" tan típica de los años 70 repleta de torturas y escenas más o menos mal rolleras, que incluyen aquí una violación (que no se ve) y una extracción de feto (muy fugaz y sin cirugía). No llega al nivel de la crudeza y mala hostia de una "Ilsa, la loba de la SS", pero inevitablemente retrotrae a todo eso un poquito, incluidas unas dosis de gore cazurro. Todo se desarrolla de modo bastante sobrio y coherente (bien lejos del disparate) y te engancha un poquito. Pero entonces......
Segunda Parte: Entonces entramos en terreno puramente asylero, con el exceso por el exceso, el delirio por el delirio, la espectacularidad pobretona y el CGI chungo. En la primera parte también había CGI, pero al ser segundón, no molestaba. En la segunda parte el CGI lo es TODO, es continuo, constante, y aquí la peli denota ya de modo irremediable que una vez más, y como ocurre a todo producto de la casa que pretende ser grandilocuente y fenomenal, que el presupuesto no llega, no da, y lo que se pretende espectacular y llamativo se torna patético y ridículo. Apestoso, diría yo.
Y es una verdadera lástima, porque de haberse ceñido al tono comedido y crudo de la primera mitad, la peli se habría salvado de la quema, aunque fuera por los pelos, pero su segunda mitad la destruye por completo y la entierra definitivamente. Y eso que no os he contado en qué consiste la gran "sorpresa", el elemento de "impacto", que sí, que está gracioso, pero también es parte del material que contribuye al bochorno y al desastre, así que no sé yo hasta qué punto fue buena idea.
Uno de los aspectos siempre divertidos y regocijantes de todo producto "Asylum" lo hallamos en sus repartos. Cuando un actor de cierto nombre firma para estos chicos, es evidente que su carrera no anda del todo bien. Y para la ocasión tenemos a Dominique Swain y Jake Busey. A ella no la situaba, tuve que buscar en Imdb para saber que fue la "Lolita" de Adrian Lyne. Me la imagino sentada en el sillón de casa leyendo el guión de "Nazis al the center of the earth" y llorando desconsoladamente. En el caso de él, hijo de Gary Busey, no encontramos nada nuevo, el muchacho sigue la tradición familiar de ir hacia abajo tras unos primeros títulos de peso... y si no, que se lo digan a su padre, que ni tan siquiera se rebaja a aparecer en los productos "Asylum", se ha de conformar con hacerlo en su versión pirata, la infame "TomCat Films", que en su reciente "Quigley" cuenta con el amigo Gary de protagonista en lo que es una comedia de esas de perros (y aquí esto adquiere un doble sentido). 
"Nazis at the center of the earth" es una mierda. Pero en "Asylum" hay diferentes niveles de mierda... la más blandengue y apestosa, la mediana, no muy sólida pero de sano color y la dura y firme, que duele cuando sale. Digamos que "Nazis..." tiene un color marrón claro y aunque se deshace en el fondo del lavabo, conserva aún su forma, hasta que el poder de la cadena acaba con ella. ¿Queda claro el símil?.

PORQUE MOLA

Un amigo me ha enviado esta foto. Son Jack Perez, John Landis y Joe Dante. El otro es un actor. ¿Que por qué la cuelgo aquí? Porque mola.

JUEGOS SALVAJES 2

Secuela para el mercado del dvd y la televisión por cable de la película “Juegos Salvajes” de 1997. un thriller erótico de baja estofa, con el que su director, John McNaugthom, responsable de “Henry, retrato de un asesino” y de una de las mejores comedias de los noventa, “La chica del gangster”, dejó de ser uno de los directores con más proyección de Hollywood, para pasar a ser uno de tantos directores relegados al ostracismo.
Sin embargo, Sony Pictures en un intento de llenar la programación de alguno de sus canales, decide poner en marcha una secuela, que absolutamente nada tiene que ver con la que le precede, aunque el póster y/o carátula de la cinta, si evoque directamente a la película original… al menos en aspecto.
Naturalmente, el motivo por el que yo decido ver esta película, ya que la primera parte tampoco es que fuera una peli que yo tuviera en alta estima, es que la dirección de esta fue encargada a nuestro amigo, prologuista de nuestro libro “Malas pero divertidas” y director de “Megashark vs. Giant octopus”, Jack Pérez.
Y obviamente, es un trabajo que aunque me pese, porque Perez es un tipo que me cae muy bien, a pesar de una cuidada fotografía y de un acabado técnico más que notable, hace aguas por todos y cada uno de sus lados. Es un autentico coñazo.
Por un lado tenemos una trama entre liosa, confusa y estúpida, en la que una tiparraca hace la vida imposible a una compañera de universidad, alegando que su madre era una puta y que se casó con un millonario por pasta. Más tarde, ambas se enrollarán. Y más tarde, harán un trío con un médico forense que acude a dar clases a la universidad, mientras un detective negro investiga una serie de crímenes, relacionados (o no) con todo este folleteo.
Una cosa simplona que no interesa por mucho que nos empeñemos.
No hay que olvidarse del gancho erótico de la franquicia. Si en “Juegos Salvajes” el reclamo era ver a Matt Dillon liándose en la piscina con Neve Campbell y Dense Richards, aquí se ven obligados a incluir gratuitas escenas eróticas con el fin de justificar su supuesto erotismo. Pero es que el destete, rompe con el ya de por si maltrecho ritmo de la película. Además, las protagonistas, de enormes pechos neumáticos, redondos como pelotas de playa, sin ser ni estrellas de Hollywood ni nada que se le parezca, se deberían andar con remilgos y no se cortaron a la hora de imponer sus condiciones, porque lo cierto es que todas ellas tienen dobles de cuerpo, que dan muy mal el pego, porque es de juzgado de guardia que una actriz que debe usar una 110 de sujetador, cuando se lo quita, resulta ser plana como una Grace Jones cualquiera. En cualquier caso, el folleteo es lo de menos, y no pinta nada.
Mala, malísima, de visionado denso y cansino, de un interés nulo y de un torridísmo igual a cero. Solo apuntar, que me hizo falta dios y paciencia para acabar el visionado completo, eso si, dando muchas vueltas en mi maltrecha butaca.

LA CUCARACHA

Mucho antes de que se convirtiera en un cineasta de culto gracias a “Megasharks Vs. Giant Octopus”, Jack Perez (amigo y prologuista de “Malas pero divertidas”) firmaba, sin ningún fardón seudónimo, la que dice ser su mejor película.
Perez, empezando el edificio por los cimientos en su afán de convertirse en un director de estudio, nos presenta este “direct to video” protagonizado por Eric Roberts y Joaquim de Almeida, en el que, como es habitual, la falta absoluta de un presupuesto se impone. La sensación que tengo tras verla es de que sus artífices pensaron durante la pre-produccíón que el escaso montante disponible era mejor emplearlo en la fotografía que en sucios efectismos, para otorgarle al todo un aspecto decente…y es que es lo único que tiene la película, una factura digna, porque lo demás… solo son diálogos… con deciros que cuando alguien pega un tiro, lo hace fuera de plano.
Un loser, un escritor alcohólico, se va de vagabundo a México a escribir en una chabola, cuando llega un individuo que, diciendo ser su amigo, le cuenta un rollo para que acepte el trabajito de matar al supuesto asesino del hijo de un importante hombre de negocios. El protagonista acepta, y cuando va a efectuar el encargo, el tío al que tiene que matar se suicida ante sus ojos. Como piensa cobrar por su trabajo igualmente, los malos le meten en una encerrona no solo no pagándole, si no incluso dejándole paraplegico de un disparo. Cuando se recupera, ya en silla de ruedas, decide emprender su venganza.
En definitiva, mucho bla, bla, bla, demasiado, desorbitado, excesivo. Y para más inri, con unos diálogos larguísimos que en su mayoría pecan de absurdos, cuando no gilipollescos. Pero, que quieren que les diga, al final la sencillita historia está entretenida. Y es un acierto, al fin y al cabo, emplear el presupuesto en darle a la película un look chulo, de lo contrario, sería una mierda. Así, al menos, no parece una pantomima.
Además, que una peli con Eric Roberts siempre es una peli con Eric Roberts. El que no sabe que pinta ahí es Joaquim de Almeida, en otros tiempos prestigioso actor Portugués, que no levanta cabeza desde que Robert Rodriguez le diera el papel de "Bucho". Es que, de hecho, en “La cucaracha” vuelve a hacer de "Bucho"... con otro nombre, pero vestido exactamente igual. Nada raro considerando la enorme influencia que tiene el "Desperado" de Rodriguez sobre esta "La Cucaracha", salga el sol por donde salga, y por muy poquitos disparos que veamos.
Justo, el título es doblemente gracioso si tenemos en cuenta que “La cucaracha” es el propio Eric Roberts, que como se queda en silla de ruedas “ya no puede caminar".
En definitiva, es una ful de película, pero no hace daño a los ojos y se aguanta sin problema… e incluso nos reímos un par de veces con esos diálogos tan idiotas.

JACK PEREZ A.K.A. ACE HANNA, VACILA EN LOS U.S.A. DE "MALAS PERO DIVERTIDAS"

Jack Perez, director de "Megashark vs. Giant Octopus" o "La cucaracha" entre otras, es el prologuista de "Malas pero divertidas" ("Raima Ediciones"). Así de Feliz y contento, posa con su correspondiente ejemplar. "Malas pero divertidas" arround the world, amigos.

"MALAS PERO DIVERTIDAS" SE ACERCA... Y MUCHO!!!

Ahora sí, ha llegado el momento de hablaros en serio de "Malas pero divertidas". Se trata del primer libro de su especie editado en España, un repaso hecho con humor y brío a los cien títulos más destacados del cine chungo, o cine trash, o cine "malo pero bueno", llamadlo como queráis. Lo hemos escrito los tres maromos que llevamos este blog, y lo edita "Raima Ediciones" dentro de su colección "Cine X Cine". La idea es que para Noviembre se encuentre ya apoltronado en todas las librerías de España. Costará 19,95 y a modo de colofón, cuenta con una introducción exclusiva firmada por el mismísimo Jack Perez, el señor que, bajo el alias de Ace Hannah, dirigió la mítica "Megashark Vs. Giant Octopus".
La lista de las cien pelis presentes en el libro de momento nos la reservamos... será anunciada en breve, pero baste decir que, en general, hemos preferido apostar por cosas más atípicas y oscuras. Están algunas de las inevitables, pero son minoría. Y se tocan todos los géneros, no solo el terror.
De momento os dejamos con la nota de prensa que "Raima" ha confeccionado para mover a nivel masivo. Agradeceremos su difusión, podéis hacer con ella lo que queráis (hasta limpiaros el ciber-culo).
Aquí las tenéis a calidad gorda PAGINA 1 , PAGINA 2
Seguiremos informando!!!!!!!.