COHEN 87 (LA ISLA DE LOS VIVOS + BEST SELLER)

LA ISLA DE LOS VIVOS: Tercera, tardía y última entrega de la famosa saga del bebé asesino (Ya saben, "Estoy vivo" y "Sigue Vivo") perpetrada, como todas, por el inefable Larry Cohen (en 2009 hubo un remake de la original por parte de otro mindundi. Que no se la recuerde resulta altamente sospechoso).
Aquí, el afligido padre de una de las criaturas convence a las autoridades de que en realidad son inocentes y merecen disfrutar de la vida en lugar de ser cazadas. Se decide pues que habitarán una isla solo para ellas. Todo va bien hasta que, pasados cinco años, una expedición acude al lugar con el fin de estudiar su evolución. Los monstruos han crecido, se han relacionado e incluso parido sus propias crías. Tras la consabida escabechina pondrán rumbo a la civilización donde... en fin, todo se volverá aún más delirante.
Aunque para delirios, los interpretativos de un habitual del clan Cohen, Michael Moriarty (lo lógico es que el padre traumado fuese el mismo de las entregas previas, John P. Ryan, pero por entonces Larry Cohen le debía tanta pasta que no se atrevía a llamarle, mucho menos proponerle un nuevo proyecto), al que el director deja improvisar y soltarse alegremente, sobre todo durante la segunda mitad del film, donde casi parece otro personaje (uno muy irritante y estúpido al que no querrías a tu lado) si lo comparamos con sus intervenciones previa y posterior, mucho más comedidas y dramáticas. ¿Afecta ello al film? No demasiado. En realidad tenía muy pocas esperanzas cuando me senté frente a "La isla de los vivos" (no lo hacía desde mi primera vez, con resultados altamente decepcionantes, cortesía del vídeo-club y "Warner Home Video") y, sin embargo, lo pasé bastante bien y, en fin, me funcionó. Larry Cohen pone toda la carne en el asador y aplica su incontestable capacidad de -haciendo otra metáfora alimenticia- dar la vuelta a la tortilla hasta tropecientas veces, logrando que el petate quede razonablemente imprevisible, nunca sepas muy bien por donde te llevará y con qué te descolocará, evitando así el inmisericorde aburrimiento que, sin dudarlo, habría sido en manos de cualquier otro cineasta.
No esperen altas dosis de sexo y violencia, porque no. De lo primero, prácticamente nada. De lo segundo, en sus justas dosis. Los efectos especiales se resuelven como buenamente pueden. A ratos los bebés son puro stop-motion y, a otros, tíos disfrazados. Pero eso es lo de menos, como digo el fuerte de Cohen son las letras y las exprime para compensar todas las carencias propias de un montante ajustado.
Sí hay ciertas cosas que llaman la atención, desde luego. Por ejemplo, la escena de introducción, con el crudo parto dentro de un taxi. Volveremos a verla no mucho después en la quinta aventura de "Harry Callahan" -"La lista negra"- como una de las terribles películas que firma el personaje de "Peter Swan". También hay helicópteros que estallan en medio del aire solo porque el piloto es atacado por uno de los monstruos bebé. Y un club punk la mar de hilarante, donde suenan dos coplas medianamente decentes -de autoría desconocida- y vemos nada menos que a Dawn Wildsmith, entonces pareja y musa de Fred Olen Ray, y a Gladys Portuguese, futura Doña Van Damme, luciendo ambas pintas de esas ridículas propias del que confunde punk con new wave y goticismo, otorgando a tan extraña mutación la capacidad de expandir la maldad injustificadamente, porque así es como debía ser entonces.
El reparto principal está a la altura de una empresa tan medianamente marciana. Karen Black interpreta a la madre del monstruo. Gerrit Graham (RIP) es un fiscal que se pirra por exterminar a los bebés. Laurene Landon una prostituta que ejerce con camisón -adelantándose a algo muy común en el cine actual-. Desconozco si entonces todavía era pareja de Larry Cohen, lo que daría sentido al dato. La guinda la pone papelito para el famoso director y guionista de comedia, Neal Israel, medio-oculto tras el alias de Neal Isreal.
BEST SELLER: El mismo año que Larry Cohen dirigía "La isla de los vivos", 1987, se estrenaba este thriller de John ("El ex-preso de Corea", "Encerrado", "Buscando Justicia", "Juego Mortal") Flynn basado en un guion de aquel. Y se nota su mano, ya lo creo, jugando con sendas ambigüedades que le dan al todo cierta frescura y razonable originalidad. Aquí la cosa va de un policía que, paralelamente y a raíz de una mala experiencia, muta en novelista de éxito. Un día se le aproxima un tipo con intención de protagonizar su siguiente obra ya que, explica, fue el despiadado sicario de un ahora famoso, respetado y poderoso gerifalte de una gran corporación al que desea desenmascarar y/o eliminar. La mitad de la película se centrará en los intentos que hace el asesino por convencer al poli/novelista de que dice la verdad y las consecuencias de todo ello cuando el magnate de doble cara se entere y decida pararles los pies.
Bien, a la simple y cruda realidad de que estamos ante un thriller intenso, sobrio, vibrante, muy de su época y perfectamente consumible, hay que incorporar -como virtud extra- las ya mentadas, aplaudidas y siempre admiradas -por mi- capacidades de Cohen a la hora de romper ciertos esquemas. En "Best Seller" el sicario es retratado en toda su humanidad (cuando visita a su familia) y casi como un auténtico héroe justiciero (sobre todo el clímax final), a la par que nos muestran lo hijoputa y despiadado que puede llegar a ser en secuencias de las que únicamente es testigo el espectador. El poli protagonista nunca tiene noticia de ellas, ni las tendrá a lo largo del metraje.
Completan el cuadro actorazos tan únicos y carismáticos como Brian Dennehy (poli/escritor), James Woods (asesino) y sendos segundones perfectamente reconocibles del calibre de Paul Shenar (luciendo la maravillosa voz de Constantino Romero), Charles ("El legado del diablo") Tyner, el todoterreno Branscombe Richmond o Mark Venturini (cabecilla de los punks en "El regreso de los muertos vivientes" y demente con malas pulgas en el quinto "Viernes 13").

ALGO MÁS QUE COLEGAS

Francis Veber probablemente sea el director/guionista franchute con mayor proyección internacional en la historia del cine comercial. En los setenta se hizo un nombre gracias a sus comedias de acción para lucimiento de Daniel Auteuil y Pierre Richard, así como con ese mastodonte en forma de comedia homosexual que era “Vicios pequeños” y cuyo guion firma. Tanto era el éxito que sus comedias tenían en Europa que pronto los americanos se fijaron en él con la idea de remakear algunas de las más populares. Pero antes de eso, Veber se pegó el lujo de ser el primer guionista francés que vendía un guion a Hollywood para ser producido allí nada menos que por Paramount, esta “Algo más que colegas” dirigida por James Burrows, director curtido en televisión que firmaba con esta su única película para cines.
A mediados de 1982 se avecinaba una huelga de directores en Hollywood y, como plan de emergencia, previamente a eso, Paramount decidió hacer un experimento produciendo una serie de películas de corto presupuesto, entre 2 y 6 millones de dólares, con el fin de ver cómo podían funcionar estas producciones de bajo coste. Una de ellas era “Algo más que amigos” que fracasó de pleno en la taquilla. Aunque otra de ese mismo plan fue “Oficial y Caballero” que se convirtió en un hito. Según el ejecutivo de Paramount, Barry Diller, “Algo más que amigos” es un ejemplo de lo que es una película hecha deprisa y mal.
Lo curioso de todo este asunto es que el film escrito por Veber nace tras haber visto este el hoy clásico “A la caza” de William Friedkin y decidir que en esa película los homosexuales no salían muy bien parados, así que tomó ese mismo argumento y lo desarrolló a modo de buddy movie y comedia de situación. El resultado de esta vuelta de tuerca se traduce en que la opinión pública se la tomó a la tremenda obteniendo críticas tan demoledoras como las que un par de años atrás recibió la misma película de Friedkin. Fue tildada de homofóbica y acusada de mostrar en pantalla a los homosexuales de la misma manera estereotipada que los mostraba “A la caza”, o peor aún, haciendo vestir al protagonista homosexual con ropas rosas y conducir un coche del mismo color. También se decía que la película insinuaba que no se podía hacer trabajar a dos policías de distinta tendencia sexual porque el gay acabaría enamorándose del hetero.
La cosa va de un duro policía heterosexual al que se le asigna un compañero que trabaja en los archivos que, aunque está en el armario, todo el cuerpo nota que es homosexual. La idea de juntar a estos dos policías es hacerlos pasar por pareja gay y que así investiguen el asesinato  de una serie de homosexuales, infiltrándose en el ambiente. Naturalmente en su día a día saltarán las chispas, máxime cuando durante la investigación el gay se enamora del hetero y acaban siendo, como reza el título castellano de la cinta, “Algo más que colegas”… Claro que la presencia de una guapa fotógrafa ayuda a que predomine lo hetero.
En un principio concebida para Clint Eastwood y Woody Allen en los papeles protagonistas (¿se lo imaginan?) —Eastwood dijo que aceptaría el papel solo si también lo hacía Allen… y Allen debió decir que él no interpretaba a ningún maricón— “Algo más que colegas” resulta una buddy movie resuelta, muy del montón, y para el lucimiento de los actores que finalmente la interpretaron, Ryan O’Neal en plena decadencia (gracias a esta película recibió una nominación al peor actor de la década de los 80 a los razzie que le arrebató el bueno de Stallone) y John Hurt (al que muchos creían gay tras una serie de papeles en los que había interpretado a homosexuales, pero era hetero y muy hetero), siendo probablemente una de las parejas con menos química de la historia del cine.
La película es ramplona y homofóbica cuando lo que pretende es dar un mensaje aperturista, lo cual la convierte en involuntariamente graciosa, pero es tan del montón y, al final, tan sosainas que, que quiere que les diga, como el revulsivo a “A la caza” que se supone es, la de Friedkin defeca desde lo alto encima de esta. Y con bien de diarrea.
Pero se deja ver una tarde tonta.
Si proceden, intenten reconocer a un jovencito Martin Kove haciendo una figuración especial homosexualista (aunque, para 1982, ya se hubiese dejado ver en títulos de peso como "La última casa a la izquierda" o "La carrera de la muerte del año 2000")

DIFERENCIAS IRRECONCILIABLES

Recuerdo perfectamente, siendo niño y con la fiebre de “E.T. El extraterrestre” todavía coleando de alguna manera, ir al cine de mi barrio, el Benares, a ver esta película por dos motivos muy concretos: La protagonista era Drew Barrymore, la niña de “E.T.” —de la que en mi adolescencia, y al ser ella también adolescente, estaba enamorado hasta el punto de colgar un póster de esta vestida de boxeador en mi taquilla de la mili— y el pensar firmemente que se trataba de una película de corte familiar/infantil. Que equivocado estaba. En realidad era un folletín absolutamente adulto del que yo no comprendía nada de nada, así que me fui del cine cuando ya iba por la mitad. Y aunque tuve constancia de ella en años posteriores, no fue hasta la otra noche que decidí de nuevo enfrentarme al toro casi cuarenta años después. Ahora sí comprendía todo, pero me aburría solemnemente. No mejoró mucho la cosa tras este nuevo visionado.
“Diferencias irreconciliables” da inicio con la improbable premisa de una niña que se quiere divorciar de sus padres. Esto da pie a una serie de flashbacks en los que el espectador es testigo de los problemas de pareja y/o familiares que arrastran los padres de la interfecta, la pareja formada por Shelley Long y Ryan O’Neal, y que llevan a la pequeña Drew Barrymore a querer divorciarse de ellos: Muchas trifulcas, cuernos, celos, egos desmedidos y ninguneo perpetuo hacia la niña, porque sus padres se dedican al negocio del cine y no le prestan la más mínima atención. Y así todo el rato. Un verdadero aburrimiento con estructura de telefilme, camuflado de alta comedia.
La -única- gracia del asunto estaría en que el argumento completo se basa veladamente —los nombres de los personajes están alterados, lógicamente— en la relación de pareja real que mantuvieron Peter Bogdanovich y Polly Platt y la aparición de una tercera persona que volvería loco de amor al director, como era Cybill Shepherd, a la que convertiría en su amante y que en esta ocasión interpretaría una jovencita Sharon Stone. En ese sentido, se ambientarían todas estas discusiones y trifulcas durante el ascenso y caída como director de Bogdanovich, por lo que tenemos también en la película a un productor que tiene bastante peso en la trama, que le pide al trasunto de Bogdanovich que arregle una película que acaba de producir y que vendría a ser el equivalente a Roger Corman, interpretado por Sam Wanamaker. Pero si no conocemos todos estos datos previamente, la película entera carece de gracia. Tampoco es que conociéndolos la cosa mejore.
Sin embargo, siendo un largometraje de bajo presupuesto que costó tan solo 6 millones de dólares (los actores aceptaron ir a porcentaje porque la producción no poseía liquidez suficiente para pagar sus cachés), logró duplicar su presupuesto en taquilla, amén de conseguir estupendas críticas en su momento. Por supuesto, la cosa gustó a gente que de un modo u otro conocía el entorno de Bogdanovich y satélites y, pronto, “Diferencias irreconciliables” se disiparía en el tiempo siendo a día de hoy una película completamente olvidada.
También cuenta su protagonista infantil, Drew Barrymore, que las trifulcas que retrata la película se trasladaron a la vida real y que aquél rodaje fue un autentico infierno, puesto que todo el equipo estaba discutiendo constantemente de manera muy agresiva y ella se marchaba a llorar a su trailer planteándose incluso dejar el mundo de la interpretación. Barrymore fue una de esas niñas ninguneadas criadas en ambiente cinematográfico y, en consecuencia, a los 12 años ya era alcohólica y adicta a la cocaína, motivo por el cual a los 14 se vio sometida a rehabilitación. Probablemente sea la actriz más joven en escribir sus memorias, y en “Little girl lost”, cuenta a su biógrafo todos sus problemas con las drogas. Quizás el mal ambiente de “Diferencias irreconciliables” fuera el detonante para su descenso a los infiernos, por lo que en cierto modo fue hasta profética en ese sentido.
Dirige Charles Shyer, que debutaría para la gran pantalla con esta película y que en adelante se especializaría en este tipo de comedias insustanciales para públicos maduros y tirando a rancios; “Baby, tu vales mucho”, las dos revisiones de “El hijo de la novia”, “Me gustan los líos” o “Alfie”, compondrían el grueso de una filmografía que tendrá sus seguidores, pero que a mí me deja frío, como si estuviese caminando en pelotas por algún inhóspito tramo nevado del polo norte.
Sin más. Revisada por pura vejez (que no nostalgia).