Y AL TERCER AÑO, RESUCITÓ

Basada en la novela de Vizcaíno Casas, que también co-escribió el guion, y dirigida por Rafael Gil, estamos ante la quintaesencia del cine facha, con permiso de "Hijos de papá", otra del tándem Vizcaíno Casas - Gil.
Nada más comenzar la película, vemos un texto que explica que están haciendo una improbable hipótesis, sobre algo que nunca ocurrirá, desde la perspectiva del humor. Hasta ahí bien, pero luego añaden un “el que se pica ajos come”, que viene a ser un “Jódanse, rojos de mierda”.
"Y al tercer año, resucitó" especula con lo que ocurriría en España si el Caudillo volviera a la vida tres años después de su muerte, en plena transición democrática. Viene resuelta a base de sketches de los distintos sectores no Franquistas de la sociedad española, mofándose de ellos, e incluso llamándoles chaqueteros. Por lo que respecta a los autores, haciendo alarde de un sentido del humor rancio y político, tres años después de la muerte del generalísimo España es un país lleno de putas, maricones, hipócritas, vagos, hippies y comunistas. Aunque al final dejan caer que los tiempos han cambiado y aferrarse al pasado es un error.
Bien, no vamos a hablar aquí de política, porque no creo en ella, ni mucho menos comulgo con el mensaje de la película, pero tampoco comulgo con el contrario. Ningún ente político me representa, pero la película, sinceramente, está entretenida. Es fluida y se ve con agrado, aunque te repugnen sus ideas. Además, cuenta con la presencia de Tip y Coll, lo cual es siempre de agradecer. Pero si esta película me agrada, es más que nada porque solo podía haber sido facturada en nuestro país, y aunque facha hasta más no poder, es libre y más democrática que cualquier película española actual, por muy rojos que sean sus artífices. Haz tu ahora una película poniendo en jaque todo el sistema político de "Psoe" y no la estrenas ni de coña. Eso sí es fascismo. En esa época al menos podías contar lo que quisieras.
Decir también que, en un acto de denuncia, se cuenta que querían rodar la fachada de la Moncloa, pero al saber allí la ideología de la película, no les dejaron, por lo que resolvieron el plano contando lo sucedido, y mostrando una postal. También se habla de la existencia de la libertad de expresión impuesta por la izquierda, y luego hacen referencia a un chiste de Tip y Coll censurado por aquellos días en la tele por el mismo gobierno que abrazaba la libertad de expresión.
En fin, que la libertad de uno acaba donde empieza la del otro y así…
Rafael Gil se especializó en este tipo de comedias ideológicas, de gran éxito en la época, por parte de los dos bandos y rodó también cosas como "De camisa vieja a chaqueta nueva", "Las autonosuyas" o "A la legión le gustan las mujeres... y a las mujeres les gusta la legión".

WE NEVER LEARN, THE GUNK PUNK UNDERGUT, 1988-2001

Hasta la aparición de gente como "Devil Dogs", "New Bomb Turks", "The Gories", "Gaunt", "The Mighty Caesars", "Thee Headcoats", "The Oblivians", "Supercharger" o "Dwarves", el garaje era una música esencialmente nostálgica y tirando mas bien a aburrida. Estas nuevas bandas, y los sellos que las respaldaron como el mítico "Crypt Records", "Estrus" o "Sympathy for the record industry", le dieron un enfoque novedoso. Se acabó mirar atrás en el tiempo con lástima, su esencia consistía en mezclar la pureza del rock and roll con la energía del punk y construir un sonido, y una actitud, nuevos. Bien lejos del hardcore o del insufrible punk panfletario más preocupado por tener erguidas sus crestas que por otra cosa. En ese sentido, yo me identifiqué totalmente con este rollo cuando lo descubrí a inicios de los 90, y me adentré de lleno, acudiendo a algún que otro concierto y siguiendo, especialmente, a uno de sus grupos estandartes, los mentados "New Bomb Turks" (además, a día de hoy puedo decir que "Crypt", en sus modos y maneras, fue una influencia para mi). Luego vino el boom del punk-pop, en el que el sello "Epitaph" intentó sacar tajada del asunto -sin éxito- y la aparición de toda una ralea de grupos que, siguiendo la estela de los antes mentados, apelaban a un mercado más mainstream y eran aceptados por un público amplio, hablo de "Strokes", "White Stripes", "Hellacopters" o "The Hives". El siguiente paso, como ocurre con toda moda y/o escena, fue el fin de fiesta.
Pues bien, de todo este putiferio habla a fondo "We never learn...", libro-ensayo escrito nada menos que por Eric Davidson, frontman precisamente de los "New Bomb Turks". Compuesto a base de entrevistas, anécdotas y unas gotas de experiencias propias, la obra da un repaso completo a todo el movidón de un modo desenfadado y dinámico. Personalmente me sobran bastante las batallitas de las que presumen muchas de estas bandas, orgullosos de sus gilipolleces. Gozan tanto contándolas que canta a la legua su condición de pose premeditada, su papel -en muchos casos- de universitarios jugando a ser los chungos de la clase. Es como si yo me preocupara de qué color es la mierda que caga Sam Raimi en lugar de limitarme a ver su trabajo. Pero en fin, nada nuevo bajo el sol, este rollo ha sido siempre uno de los puntos flacos de una escena que, en general, puede llegar a ser fascinante, especialmente gracias a su predilección por los sonidos sucios y básicos, grabados con medios renqueantes (el maravilloso Lo-Fi). La parte triste del libro consiste en descubrir como muchos de ellos, o casi todos, con el tiempo han acabando siendo respetables padres y madres que miran con una distante sonrisa sus "años de locura". Pero bueno, eso es algo -por desgracia- bastante normal.
Puñetas a un lado, si tu fuiste parte de todo aquello, y te gusta esta clase de música, es evidente que "We Never Learn, the Gunk Punk Undergut 1988-2001" debería ser tu libro de cabecera pero ya.
Recomendado.

BALADA TRISTE DE TROMPETA

He visto esta película con un montón de críticas negativas que la precedían. Aunque decir negativas, es decir poco. Alguien que conozco salió de verla y exclamó “!Que hijo de puta!” Y otro me aseguró que se trataba de la peor película que había visto en su vida. Yo no tenía excesivas ganas de echármela a los ojos, ni prisa por hacerlo, pero cuando un grupo de personas es unánime en algo (en este caso, que la peli es una mierda de pelotas) yo eso tengo que verlo y cuanto antes, mejor.
Un payaso de tradición familiar llega a un circo a trabajar como “Payaso Triste”. Allí, su compañero, “Payaso Tonto”, resulta ser un cabrón, borracho y alcohólico de la leche. Hay una trapecista, de la cual “Payaso triste” se enamora, pero que es la novia de “Payaso tonto”. Este, a la mínima la maltrata, cosa que no le gusta nada a “Payaso triste” y por eso trata de proteger a la trapecista. Surge un inocente affaire entre estos dos, y “Payaso tonto” se entera, por lo que el resto de la película la pasaremos viendo una especie de episodio de “Rasca y Pica”, según el artificioso tamiz de Alex De la Iglesia.
Vamos a ver; no puedo decir que la película me haya gustado, pero tampoco que me haya horrorizado; es 100% de De La Iglesia, y desde luego no esperaba nada. Es una más, con momentos buenos, pero que, en general, el tono cañí y el aburrimiento acaban por convertir una idea potable en una del montón. Además, viene inundada de referencias a hechos de nuestra reciente historia… me sobran, no me interesan, me sacan de la ya de por si endeble trama.
Pero por otro lado, es una trama de venganzas, más borrica que un arado, y con una violencia muy bien filmada, cosa esta que me ha gustado. El tema está en que empieza genial, con esa escena de acción bélica situada en la guerra civil, con sangre a borbotones y un payaso acabando con los soldados fachas a machetazos… pero cuando traslada la acción a los años 70, pega un bajón considerable.
En definitiva, para nada es tan indignante como dicen. Es una más de su director y a mí me pasa pues lo mismo que con las demás… que no se si me gustan mucho o las odio.
En cualquier caso, el trío protagonista está de pena; Con Carlos Areces parece que estamos viendo un nuevo episodio de “Muchachada Nui”, Antonio De La Torre es malísimo, hace de andaluz y hay veces que se le va el acento y Carolina Bang, pareja del director, ni es guapa, ni sabe actuar por mucho que De la Iglesia intente hacérnoslo creer... ¡no somos tan tontos!.

STAR DRIVE-IN, CAMPO DE EXTERMINIO

La idea de la que parte esta peli está muy guapa... lástima que, a gusto personal, no sepa explotarla debidamente.
El futuro. Las cosas están tan jodidas, que el gobierno ha convertido los auto-cines en algo así como campos de concentración. Tu entras con tu coche y la parienta para ver una peli. Estás ahí en pleno magreo y zas! alguien te roba las ruedas. Sales y descubres que los manguis son, nada menos, la misma policía. Te quejas al dueño y este te explica que vivirás allí hasta que el gobierno sepa qué hacer con tu caso. Claro que esa misma movida la han sufrido montones de chavales en paro o pertenecientes a bandas callejeras, así que imagínate lo jodido que es pasar el día a día en tal emplazamiento. El prota de nuestra historia está decidido a escapar de allí (¡porque resulta que el auto-cine está rodeado por una valla electrificada!) y lo hará, cueste lo que cueste.
El reputado cineasta exploiter Australiano Brian Trenchard-Smith, a quien debemos joyas como "El imperio de la muerte" (una de las pelis proyectadas en el auto-cine, la otra es "El dragón vuela alto", karate movie también -medio- suya) "La noche de los demonios 2", "Leprechaun 3" o "Los bicivoladores" dirige esta cosica que hace gala de un acabado muy lustroso a nivel técnico y estético, pero a la que le falta acción y le sobra palique. Realmente la cosa no se anima hasta la parte final, y cuando te das cuenta ya se ha acabado, por lo que te quedas un poco así como "¿Uh?".
Destacar, por entrañable y un poco risible, el look macro-punk/nuevaolero que domina todo el film, muy exagerado y muy de aquellos tiempos (1986), con una banda sonora repleta de great(bueno, no tan great) hits del momento con el fin de contentar a la audiencia "target", la juventud especialmente interesada en bugas fardones y peinados estridentes. Sin embargo, esta no respondió como se esperaba, por lo que la peli fue un fracaso y nunca se hizo la secuela que su realizador tenía en mente.
Lo dicho, curiosa, pasable, pero en ningún momento imprescindible.

TERROR BAJO LAS AGUAS

La puesta de largo editorial de Carlos Burgaleta y José Viruete, es esta guía a la vieja usanza (se nota la influencia de la extinta editorial "Mindons"), en la que no dejan prácticamente ninguna película adscrita al sub-genero de “terrores acuáticos” sin reseñar. O, al menos, yo no he sido capaz de no encontrar alguna. Desde "20.000 leguas de viaje submarino" hasta "Piraña 3D", e incluso los ya míticos productos de la “Nu Image” o de “The Asylum”.
El libro consta de dos partes que los autores han denominado “Filmografía básica” y “Filmografía abismal”. En la primera (e intuyo que elaborada por Burgaleta) nos encontramos las pelis más mainstream o conocidas de mayor a menor antigüedad, acompañadas de una ficha técnica, frases, escenas destacables y lo mejor de cada reseña; las curiosidades y anécdotas. En la segunda parte (y, por ende, la que le pertenece a Viruete, y si no es así que alguien me corrija), se centra en una filmografía mas exótica. Aquí se comentan los títulos ignotos y/o videocluberos, prescindiendo esta vez de las frases y escenas míticas así como de las curiosidades, lo cual no quiere decir que no se cuenten anécdotas o comenten escenas míticas en cada reseña.
A poco que te guste leer sobre cine, el tocho te enganchará, la lectura es amena y cercana, y si además eres un fan de este sub-género (que yo no ) entonces lo disfrutarás plenamente.
¿Pegas? Claro, a todo hay que ponérselas: Pocas fotos, pocos carteles y algún texto un tanto tedioso (una cosa mínima). Por lo demás, que lástima que no se editen en este país más libros con estas características.
Prologo a cargo de Domingo López y portada del mitiquísimo Azpiri.
Recomendable.

SURVIVING EVIL

El equipo de producción de uno de esos documentales televisivos sobre aventureros que te explican cómo sobrevivir en la selva a base de comer insectos y cagar en las copas de los árboles, llega hasta una remota isla dispuestos a hacer su curro. Desafortunadamente para ellos, esta está plagada de Aswangs, una criatura mitológica del folklore filipino especialmente interesada en agenciarse preñadas y bebés. Ni que decir que una de las churris está encinta.
Ayer noche me puse a ver esto, convencido de que sería otra mierdecilla estilo Syfy Channel/Nu Image, y cual fue mi primera sorpresa al descubrir que se trataba de una co-producción entre Inglaterra y Sudáfrica (yeah!), y mi segunda sorpresa al encontrarme ante un producto bastante potable.
Que "Surviving Evil" está inspirada en "The Descent" es evidente, ya no sólo por su país de origen o la estructura de lo que cuenta, también por el aspecto de sus feroces monstruos (Nada CGI, tios maquillados/disfrazados. Quizás estos lo estén con más mala pata, sobre todo por sus feos ojos saltones, pero tampoco son precisamente un suspenso), que son los que más reciben, y el hecho de compartir actriz, Natalie Jackson Mendoza (la chica de rasgos asiáticos en el film de Neil Marshall). Pero toda posible comparación acaba ahí, "Surviving Evil" carece de la atmósfera, el suspense, el miedo y el gore de "The Descent". Aquí apuestan por algo más común en todo film de presupuesto ajustado, el exceso de bla, bla y bla. Suerte que al tener unos actores solventes y estar todo ello parido con bastante buena mano (mola por ejemplo el nido de los Aswangs, con la entrada repleta de pieles de cuerpos humanos), la cosa no se hace excesivamente aburrida y cuando llega la acción, pues uno lo agradece. El final, eso sí, es algo confuso.
Protagoniza la fiesta el Sr.Billy Zane.
En fin, un producto de esos de "usar y tirar".

SON OF SAM / EL HIJO DE SAM

Normalmente, siempre que me dispongo a hacer un visionado, y tengo frente a mis narices una película sobre un “psycho-killer” real, tiendo a una total predisposición y alegría, porque estas me suelen gustar siempre. Y “El hijo de Sam”, no podía ser menos. Eso sí, me la pongo sin tener ni puta idea del asunto y, tras una introducción muy amateur, con imágenes y audios superpuestos, me quedo un poco perplejo y me pregunto aquello de ¿esto que cojones es…? Comienzan los títulos de crédito y al ver quien dirige se hace la luz. Ulli Lommel. Así que cambio el chip, y veo la peli con la idea de enfrentarme a algo arty y contemplativo. Y veo eso, la historia de “El Hijo de Sam”, que en 1977 hizo temblar a medio Nueva York con sus asesinatos y cuando fue detenido, aseguró que obedecía al perro de su vecino, pero todo ello pasado por el personal tamiz del extraño director, que no se si es un artista o un jeta de cuidado.
Ahora, ¿me ha gustado la peli? Pues sí. A mi estos experimentos que mezclan rollo artístico con temas más propios del género, me la ponen gorda, y más si, como en este caso, estamos ante una producción tan pobretona, donde el sonido recogido por la propia cámara incluye el aire petándolo. Se trata de Lommel (actuando también, como no) su vídeo-cámara y unos actores. Eso es todo lo que necesita.
La peli es una sucesión de planos de “El hijo de Sam” caminando por Nueva York, mezclado con ritos Satánicos que tiran de imágenes superpuestas hasta la extenuación. Las únicas líneas de diálogo son con “El hijo de Sam” y su asistenta social dándole a la charleta. Lo único parecido al cine estándar.
No está mal. Pero tampoco esperen un "Dahmer".

LA FURIA DEL COLOSO

Secuela directa de aquel afamado "El desafío de Hércules" en la que Lou Ferrigno, Luigi Cozzi/Lewis Coates y la "Cannon" vuelven a colaborar en otra risible muestra de "neo-peplum" deudor del cine-espectáculo Spielbergiano/Lucasiano que entonces imperaba... pero a lo pobre y ridículo. No cabe duda que la imaginación de Cozzi supera los medios a su alcance. Es muy loable ese despliegue de fantasía, lástima que no sepa materializarla adecuadamente.
Algun julai le ha robado a Zeus sus siete rayos. Sin ellos, lo único que nos espera a todos y más es el apocalípsis. Por ese motivo recurre al bueno de Hércules, quien tendrá la misión de recuperarlos y, en el camino, enfrentarse a unos cuantos monstruos.
Resulta paradójico que, contando con menos presupuesto que en su antecesora, esta segunda aventura del mazas sea un pelín mejor y un pelín, solo un pelín, menos patética. Ya saben, cuando no hay dinero, uno debe apretarse el cinturón y contenerse, tirando más por el camino práctico. Eso, en un film de estas características, es algo positivo. Así pues, Cozzi recurre a tios con disfraces para hacer de bichos antes que a terribles maquetones mal animados. El único en este plan que hay es una Medusa de plastilina absolutamente cutre (a quien Hércules destruye siguiendo los pasos de Perseo en "Furia de titanes"). El resto, muchos muchos pero muuuuuuuuuuuchos efectos lumínicos, destacando dos, la criatura infernal del inicio (por cuyo diseño parece robada de "Planeta Prohibido") y la gran lucha galáctica al final. Me consta que el realizador italiano quería que esta fuese muy espectacular, pero la "Cannon" le sacó de las manos los dólares necesarios y tuvo que espabilarse con, básicamente, dibujos animados de tirón minimalista, compuestos únicamente de líneas de color. Realmente miserable. A estos trucajes, hay que añadir mogollón de efectos de sonido tercermundistas y, en fin, la rutina habitual en toda Herculada que se jacte de serlo y que consiste en conseguir los objetos más extraños, cruzando los parajes más peligrosos de nombres rimbombantes, que lo conducirán a la búsqueda de otros objetos extraños en otros parajes de nombre rimbombante... y así hasta llegar a los 90 minutos de duración.
Ni que decir que tal trayecto está plagado, no de monstruos ni peligros, sino de risas y un moderado aburrimiento.

EL COLOR DEL DINERO

Martin Scorsese dirige a Paul Newman y Tom Cruise en una película de billar que no habla para nada de billar. Recuerdo cuando, siendo chaval, vi la película con mi amigo Ohian. Nos flipamos tanto que estuvimos todo el verano acudiendo a un bar donde tenían mesa de billar. La mayoría de las veces solo veíamos jugar, otras cogíamos los tacos y nos dejábamos nuestros escasos dineros metiendo bolas al tuntún, usando nuestras propias reglas y no se si estropeando el tapete más de una vez. El último día nos llamaron la atención y ya no volvimos, casi seguro que rompimos algo. Tropecientos años después, sigo siendo igual de mal jugador de billar, pero al menos ahora conozco las reglas, y me sentí un poco decepcionado al ver que "El color del dinero" es más una película de jugadores y tramposos, que de billar propiamente dicho.
Paul Newman (que ganó el Oscar por este papel) interpreta a "Eddie Felson" (por segunda vez, recordemos que la reseñada es una continuación de "El buscavidas" de 1961), un antiguo campeón de billar que ahora se encarga de distribución de licores. En su local conoce a la joven promesa "Vincent Lauria" (Tom Cruise) al que propone ir de ciudad en ciudad ganándose unos cuantos miles de dólares, apostando y pegando timos. "Vincent" le sigue el juego, pero no le gusta perder, a "Felson" la edad le está jugando malas pasadas y empieza a quedarse sin vista, lo que, lógicamente, afecta a su técnica. La sociedad "Felson-Lauria" se acaba rompiendo, para encontrarse un par de meses después en una importante campeonato en Atlantic City. Allí mentor y alumno se tendrán que ver las caras de nuevo.
La película habla de hacerse mayor y saber el lugar que ocupa cada uno, pero también de timos y estafas, el deporte de fondo es una excusa, bien podrían jugar a póker, petanca o bolos, al final la historia de "Felson" es lo que importa. Véanla si no lo hicieron hace años, Newman se sale y Cruise no lo hace nada mal, aunque está sobreactuado.

TRIGGER MAN

El cine de Ti West es un 50% puro género y un 50% arty, o "de autor", o llamadle como queráis. Todos sus trabajos se destacan por unos tempos criminalmente reposados, casi casi contemplativos (y en "Trigger Man" eso se da más que nunca), a West le gusta recrearse en sus imágenes, en sus atmósferas. Si al cocktail añadimos una serie de aspectos que, contrariamente, son pura resolución de género, encontramos el balance casi perfecto. Justamente, la única peli de Ti West que no me gusta es "Cabin Fever 2", porque con ella intentó acercarse a un tipo de cine que no es capaz de asumir y no pega nada con su característico estilo.

Si tras aquella me entraron dudas, "Trigger Man" las ha disipado por completo. En "Trigger Man" los aspectos antes mentados propios de su obra alcanzan límites "insoportables"... no para mi, sino para el aficionado medio que, me consta, echa pestes de esta peli.
La historia, basada en hechos reales, es tan sencilla y directa que el realizador aplica la técnica más lógica y adecuada, rueda con una cámara (de vídeo) nerviosa, que no para de moverse, de hacer toscos zooms, salvo para algunas secuencias en las que, contrariamente, reposa sobre trípode... y durante un buen rato. Decían por ahí que era como una peli "estilo Dogma". No es una mala comparación, como tampoco lo es decir que "Trigger Man" es "Deliverance" dirigida por Jim Jarmusch.
Unos tipos se van de caza el fin de semana a la montaña. Caminan y caminan, y se aburren, y nosotros caminamos y nos "aburrimos" con ellos. Llegan hasta una gran fábrica abandonada y, de pronto, alguien comienza a dispararles. El único superviviente tendrá que hacer frente al asesino, que se oculta en tan fantástico escenario, por el que se paseará a lo largo de interminables pasillos llenos de oscuridad escopeta en mano hasta dar con él. El final es contundente, directo y tan lógico como la peli lo requiere.
A lo expuesto, caben añadir los pocos diálogos (sobre todo al final, que directamente son nulos) y la música, muy Carpenteriana pero muy sutil. West prefiere recrearse en los sonidos de la naturaleza.
No es una peli fácil, es una peli valiente y diferente y ver algo así de vez en cuando se agradece mucho.

DESTROYER (BRAZO DE ACERO)

¿Saben qué me ha hecho siempre mucha gracia del exploitation italiano?, que por mucho que se empeñen, por mucho que vayan a rodar a Estados Unidos o contraten acabados actores americanos, sus pelis continúan siendo indiscutiblemente italianas. Su look, su fotografía, sus zooms, sus diálogos, incluso sus actores sobreactuantes les delatan. Jamás de los jamases he visto una italianada que lograra hacerse pasar por yankee. "Destroyer (brazo de acero)" ("Vendetta del futuro" en su país de origen, "Fists of steel" en países de habla inglesa y -mi favorito- "Atomic Cyborg" en Francia) tampoco.
Supongo que no meto la gamba si digo que este oportuno refrito de "Terminator" es una de las últimas muestras de exploiation italiano "old school", con su inconfundible lista de virtudes y cagadas estético-formales. Encima, a las riendas tenemos a uno de los clásicos, Sergio Martino, que según cuando y donde firmaba con su alias Martin Dolman.
Y sí, la cosa va de un cyborg enviado a sesgar la vida de un científico que puede salvar la tierra de su inevitable final. Pero tiene un lado humano y no cumple la orden, por lo que a partir de ese momento será perseguido por sus "creadores" con intención de destruirlo. Por medio, muchas explosiones, muchos tiros y unas -muy- leves dosis de truculencia a la italiana.
La verdad es que la deuda que "Destroyer" tiene con el clásico de James Cameron es mínima, aunque no se pueden estar de -literalmente- reproducir uno de los momentos más impactantes de "Terminator", cuando el cyborg se repara su propio brazo en una muestra de cirugía a lo burro.
Delante de la cámara tenemos a uno de esos cachas cuadrados que destacaba en los estantes de los video-clubs, Daniel Greene, solo que este se lo montó mejor, colaborando posteriormente en algunos títulos de los hermanos Farrelly (a los que le uniría una notable amistad, presupongo). A su lado, todo un clásico, John Saxon y unos cuantos rostros típicos del cine exploit de la bella italia: George Eastman, Janet Agren y/o Claudio Cassinelli. Tras la cámara, acompañando a Martino, Dardano Sacchetti entre los innumerables guionistas, Claudio Simonetti a los teclados y el inevitable Sergio Stivaletti en los efectos de maquillaje.
Apuntar que la espectacular carátula sería luego plagiada por otro producto italiano de parecidas intenciones pero peor calaña, "Cy-Warrior", el decepcionante debut en la dirección del habitualmente maestro de efectos especiales de maquillaje Giannetto De Rossi (aquí ejemplos). Otra muestra más de cómo la mentalidad copiadora de esta gente rozaba lo absurdo, pues no se limitaban a imitar productos de otras tierras, gustaban también de robarse a si mismos.
¿Y la peli?, pues como todas las italianadas, visionable pero no precisamente la cosa más entretenida del mundo.

TRAMPA INFERNAL

Unos jóvenes adictos a las experiencias extremas deciden apostar un dinero que se llevará el primero que cace un oso. Una vez en el bosque empiezan a percibir presencias. Uno de ellos comenta que podría tratarse de Jesee, un gringo enajenado convencido de que está en guerra. A pesar de ello deciden quedarse, por lo que la mayoría morirán despedazados.
Una película Mexicana que anda entre el “survival” y el “slasher”, con un asesino que es lo único que merece la pena de toda la movida, más que nada por su look fardón y plagiador… digamos que se me marcan un psycho-killer  con retazos de otros. Un puzzle. Así, a la corpulencia de "Jason Voorhees" se la añade una mascara a lo "Michael Myers", al que le ponemos una peluca rubia y rizada (en eso se parece a Bisbal) y las garras de "Freddy Krueger" (¡pero con sierra!) y que además utiliza una serie de armas que recuerdan a "Rambo"… pues fíjense, a mí la mezcla me parece la hostia de atractiva.
Y los asesinatos, visualmente, también me han dejado satisfecho (¡¡¡hay un rebanamiento de garganta cuyo salpicón de sangre, llega hasta el cielo!!!). Lo malo es todo lo demás es en demasía aburrido y soso. Hay que aguantar los paliques de estos putos pinches pendejos (y además chingones) hasta que a Jesse le da por hacer acto de presencia.
Sí, hay algún escotazo y bañadores sugerentes, pero también hay celulitis. Y estúpida historia de amor en la que la hembra es la que piensa con la cabeza, y el macho con los músculos. Lo primero para estos es hacer alarde se su bravuconería. Luego, cuando tengan la cabeza del oso en la pared, entonces sí, les pueden hacer la felación.
En las tareas de dirección Pedro Galindo III, responsable de la afamada saga de "Siete en la mira", entre otras tantas, y con una carrera escueta para lo que suelen ser estos artesanos mexicanos. Se ve que en el mercado del “Home Video” Galindo no ha estado presente.
¡Ah! Y el cartel me parece cojonudísimo…

PROTEUS

Sigue la racha griposa. Otra peli más y mi reseña casi automática. Uno de los beneficios de internet, oiga. Esta peli la conocía porque hace años, haciendo zapping, pillé su desenlace en la tele, con el monstruo de turno en todo su esplendor. Y ya entonces no me desagradó. Seguidamente busqué la correspondiente info y descubrí que se trataba de una monster movie de procedencia british (en 1995, un año en el que el fantástico de esas tierras no vivía su mejor momento, precisamente) dirigida nada menos que por Bob Keen, británico más conocido por su faceta como responsable de efectos especiales. Verás su nombre asociado a los trucajes de títulos tan representativos como "Lifeforce", "Hellraiser", "Waxwork", "Yo compré una moto vampiro", "Hardware, programado para matar", "Horizonte Final", "Candyman" o, más reciente, "Dog Soldiers". Buen currículum.
"Proteus" es como una peli del Syfy Channel (o de Nu Image... o Asylum...) pero en BUENA. Vamos, es que de hecho se adelantó a lo que estas productoras nos ofrecen hoy día directamente en formato televisivo o dvdoso. Un grupo de traficantes (luego resultará que el menos malo de ellos es un poli) naufragan tras ver como su yate estalla. En plena noche neblinosa localizan una plataforma petrolífera que, aparentemente, está abandonada. En realidad se trata de un laboratorio genético secreto cuyo experimento, seeeeh!, ha salido mal. Los recién llegados tendrán que enfrentarse a el.
La deuda con "Alien" y "La Cosa" está ahí (olvídense de "Deep Rising", que es posterior). Es incluso lógica. Pero "Proteus" se salva de la mediocridad por varios motivos: sus actores solventes (entre ellos Doug Bradley, más conocido como "Pinhead", marcándose una aparición especial caracterizado de anciano), su ritmo potable, su buen acabado y, eso sí, unos efectos especiales muy muy notables. Ya os digo que el monstruo del final mola, pero todo lo que le precede, las mutaciones mil, las pringosidades y el gore (aunque mutilaciones humanas casi no las hay), molan más.
Al final uno ha pasado 90 minutos bien entretenidos y se ha regalado los ojos con algunos momentos sustancialmente inspirados. Sí, se puede disfrutar y todo.

DOCTOR GORE

¿Ventajas de pasarse un día entero en cama afectado de tos, mocos y dolores varios?, que tienes más tiempo para leer o ver películas. Incluso aquellas que hace años guardas en tu disco duro y siempre te había dado pereza visionar. Hoy mismo he roto la maldición que me impedía sentarme frente al televisor con "Doctor Gore". Milagros del mal estar, amigos.
"Doctor Gore" es una de esas pelis de "culto" horripilantes con una curiosa historia detras. Su director, guionista, técnico de efectos especiales y actor protagonista es J.G. Patterson Jr. El Sr.Patterson tiene en su currículum haber sido el chico de los trucos y del café nada menos que para el mítico Herschell Gordon Lewis, "el padrino del gore". Un buen día a Patterson le entró el mono de hacer su propia peli y parió "The Body Shop", la historia de un científico que pierde a su mujer en un accidente. Tan enamorado está, que decide reconstruirla a base de trozos de otras hembras.
Naturalmente, teniendo en cuenta las condiciones del rodaje (presupuesto ultra-bajo), el año de filmación (1973) y el bagaje técnico de su "auteur", el resultado es lo que es, un estropicio tremebundo. El caso es que por alguna extraña razón, "The Body Shop" se perdió en el limbo de las pelis olvidadas, hasta que en los 80 alguien la localizó y decidió relanzarla en vídeo, cambiando su título por el de "Doctor Gore" y añadiendo una introducción del propio Herschell Gordon Lewis comentando las bondades de su ex-aprendiz.
Bien, ya sabéis la cantinela: El público que dícese amante del "trash" es en realidad gente que no sería capaz de soportar cine genuinamente "trash", tan genuino como este "Doctor Gore" que, evidente es, inspiró a Frank Henenlotter para rodar su "Frankenhooker" (justamente, muestra palpable de lo que no es "trash" de verdad y sí "trash" maquillado), ya no solo por las coincidencias narrativas y por la utilización de maniquíes, también por el más que conocido amor que Henenlotter procesa al cine "trash" (el de verdad, digo), exploitation y etc y, concretamente, a Herschell Gordon Lewis y su universo, a quien no solo ha dedicado un documental recientemente, también su peli de debút, "Basket Case" (ojo a los créditos finales).
Teniendo ello en cuenta, lo que "Doctor Gore" nos depara es aburrimiento extremo, ausencia total de ritmo, recreación casi pornográfica en el gore, sí (que para ser artesano, está muy bien facturado), pero también en las actividades más poco interesantes. A todo ello debemos añadir los ho/errores propios de esta clase de films (cadáveres que respiran, actores pésimos moviéndose acartonadamente y que miran a cámara, esos escalofriantes peinados setenteros, diálogos absurdos, etc...) y sus tics (la manía de incluir, para alargar metraje, números de cabaret o actuaciones. En este caso tenemos a un country-crooner que se marca unas cuantas canciones muy babosas). El soundtrack está compuesto a base de órgano y es del todo rayante.
Sin embargo, el aspecto más risible e inverosímil se lo lleva el propio J.G. Patterson Jr en su faceta actoril, un tipo bastante horrible (de feo) y de edad respetable que se liga a las mozas más jovenes y atractivas con la facilidad con la que yo me tiro un cuesco de buena mañana.
Con todo, "Doctor Gore" no deja de ser una curiosidad, eso sí, reservada a muy estudiosos del fenómeno exploitation, a individuos muy pacientes o a enfermos de gripe.

MADRES CANÍBALES

Les confesaré algo que viene a decir dos cosas: Cuando he decidido ponerme con esta reseña, he tenido que buscar la sinopsis de la película en Internet. Y eso que la he visto dos veces… ¿eso qué quiere decir? Pues que, o yo no me entero de nada, o "Madres Caníbales" está tan mal explicada que tienes que intuir el argumento.
Bien, yo ahora les voy a hacer la sinopsis que haría, si no hubiese consultado la red de redes: Sin motivo aparente, un buen día las amas de casa comienzan, entre mucho paliqueo previo, a comerse a sus hijos... mira tu por donde todos ya bastante creciditos. ¿El motivo por el que se transforman en diabólicas caníbales? No nos queda claro.
Tras consultar la sinopsis en Internet, descubro que lo que les pasa a estas señoras es que el maromo que se las tira durante la primera parte de la peli (un menda bastante garruler) les transmite una extraña enfermedad venérea que las hace convertirse en las madres caníbales. Pues vale.
En cualquier caso da igual, porque la película es tan SUMAMENTE HORRENDA, que no llega a ser útil ni para risas.
Eso sí, la labor de maquillaje, así como sus látex varios, son simpáticos, al igual que esa madre que abre la boca mucho y que, aunque apesta a “animatronic” chusquero, provoca hasta mal rollo.
Ahora, a la película en general le tengo mucha simpatía. Por ser un truño. Verán, es muy fácil reírse con una de aquellas “tan malas que son buenas”, te lo pasas bien, tienen frases memorables, escenas de llevarte las manos a la cabeza… Pero zamparse una peli que no estás entendiendo, resoplar de agobio y que, encima, las escenas con chicha, las únicas por las que merecería la pena aguantar, tampoco merecen el visionado, para hay que tener un par de huevos. Y por eso me caen bien estas (y otras) películas horrendas. Son las feas de la manada, las que no entran ni en el saco de las “malas que dan risa”, las que no conservas en tu colección, a pesar de que presumes de ser eso que llamáis “cinéfago”. A esas, que tiras a la basura o borras de tu disco duro, por inaguantables, yo tampoco las aguanto, pero me caen bien. Seguro que sus directores les pusieron todo el cariño y el esfuerzo a la hora de rodarlas… o quizás no, en cuyo caso, se merecen más aun mi simpatía; no las quiere ni su director.
En este caso, el dire de esta es un tal James Aviles Martin… exótico e hispánico nombre.

PRESIDIO

Tras abrir de nuevas una cárcel que llevaba ya tiempo cerrada, una serie de actividades paranormales se suceden. El fantasma de un preso, ejecutado años atrás, se quiere vengar del puñetero del alcaide.
En la época en la se rodó "Presidio", la Empire ya estaba dando sus últimos coletazos, y en sus productos se notaba cierto hastío y pobreza. De la misma época es también "El morador de las tinieblas", quizás un pelín (solo un pelín) más disfrutable que esta. Claro que las cosas iban mal de veras, por eso, aquí el Señor Charles Band se tuvo que asociar con otra productora, la de Irwin Yablans, con quien ya se asoció para "Parasite", y contaba con un buen puñado de éxitos en su haber.
El caso es que desconozco como funcionaria "Presidio", pero no entiendo como a día de hoy no se le rinde más culto, teniendo en cuenta que brindó el primer papel protagonista al hoy muy de moda Viggo Mortensen y sirvió a Renny Harlin, su director, como pistoletazo de salida a una fructuosa carrera Hollywoodiense. De hecho, después de esta, realizó títulos de tanta solera como "Pesadilla en Elm Street IV" (muy deudora de esta), "La Jungla 2", "Las aventuras de Ford Fairlane" o "Máximo Riesgo", y así, yendo en descenso hasta su actual decadencia. A mí es un director que no deja de parecerme peculiar, ni que sea por moverse entre el perfeccionismo del artesano de Hollywood y la incapacidad del manazas.

"Presidio" es un coñazo de padre y muy señor mío, pero su gore es la leche. La escena en la que uno de los presos intenta escapar, y unos tubos se van introduciendo por toda su anatomía es de lo mejorcito, así como cuando los reclusos están en el comedor y del techo cae un hombre hecho puré. Realmente son dos momentos buenos, que saben a poco si utilizamos el "fast forward" del reproductor porque duran poco, así que no los justifico como para ver todo el paliqueo insustancial intermedio.
A destacar igualmente las interpretaciones, no solo de Viggo, si no también del muy expresivo Lane Smith en el papel del siempre desagradable alcaide.

ALGUNAS VECES ELLOS VUELVEN

Llevo esperando ver esta película desde que fue portada del número uno de la edición Española de la revista "Fangoria" (la de Luis Vigil, no la otra mierda), pero no tuve oportunidad hasta la pasada noche. De entre medio, casi 20 añazos de espera. Eso es tener paciencia, joder. ¿Y valió la pena?... pssss, no especialmente la verdad.
Basada en un relato corto de Stephen King, en pleno apogeo de este como material adaptable a la pequeña pantalla (y el film comentado, lo es), producida por el recientemente fallecido Dino de Laurentiis (quien se permite un auto-guiño colando su "King Kong" del 76 en una tele) y co-producida por Milton Subotsky, ex-jefe de "Amicus" y sufriendo de Kinguitis en los últimos años de su existencia terrenal, "Algunas veces ellos vuelven" cuenta con protagonismo del entrañable Tim Matheson, acompañado de los reconocibles rostros de Brooke Adams ("La zona muerta", "La invasión de los ultracuerpos"), Robert Rusler (guaperillas en "Vamp" o "La mujer explosiva") y William Sanderson (cult-actor que arrancó en el campo del exploitation con la ultra-racista "Fight for your life" y ganó cierto peso por su papel secundario en "Blade Runner"). El dire no es otro que Tom McLoughlin, popular por ser el responsable de la sexta entrega de "Viernes 13", así como de la modesta pero majilla "Siniestra Oscuridad".
Un padre de familia vuelve al pueblo de su infancia con fines laborales. El problema es que de chaval presenció la muerte de su hermano mayor en manos de unos macarrillas que, oh mala pata, seguidamente fueron arrollados por un tren. Casualmente uno de esos días se cumple el nosecuanto aniversario de la tragedia, y los espíritus de los bad boys regresarán del mas allá sedientos de venganza.
Siempre me pareció a mi que Tom McLoughlin tenía algo de curilla. No ya solo por ser el director de "Cita con un ángel muy especial" (sí, tómenlo literalmente), sino porque en sus declaraciones y sus intenciones (limpiar la saga "Viernes 13" de la suciedad que arrastraba a causa de su reivindicable quinta entrega, metiéndole humor, buenrollismo y unas gotas de violencia más contenidas) siempre me ha parecido sospechosamente cumbayá. En serio. Y esta "Algunas veces ellos vuelven" me lo confirma, por su exaltación de los valores familiares, su rollo lacrimógeno de baratillo y esas puertas lumínicas al mas allá, camino del paraíso donde todos nos acabaremos encontrando y bla, bla. Pero claro, carayo, es que a fin de cuentas hablamos de un telefilm, todo el muy limpio, muy contenido (muertes insulsas, y la más atrevida mostrada desde lejos) e inofensivo. Ideal para la tarde del Domingo. Y sí, en un caso así funcionaría, es razonablemente entretenida. Pasable. Pero yo de ti no tendría prisa en verla (bueno, yo no la tuve, 20 años lo atestiguan).
El caso es que por lo visto funcionó tan bien la cosa que tuvo dos secuelas más, "Sometimes they como back... again" ("La resurrección del mal") y "Sometimes they como back... for more" ("Infierno blanco", de la que solo he oído pestes), que no he visto, ni veré.

PROFANANDO EL SUEÑO DE LOS MUERTOS

A las ediciones de "Sci-fi World"  suele pasarles que, siendo tochos interesantes que te aseguran un buen rato de lectura, al final te los ventilas en un par de sesiones (cuatro a lo sumo) porque, aunque nos gusten mucho las estampas a todo color, acaban habiendo más fotografías que texto, y un libro que se hubiera resuelto en ciento y pico páginas ocupa casi cuatrocientas. Nada que objetar, porque estas ediciones no me pillan de nuevas, y además lo ojeé antes en la librería.
En cuanto al escrito de Ángel Sala, leído desde el respeto (Sala no es un tonto que teclee desconociendo el tema sobre el que escribe) resulta ser interesante cuando toca... pero soso al final. Sí es cierto que le mete un repaso de órdago al cine fantástico español, pero en realidad todo se reduce a un listado de películas, que a veces acierta y profundiza en donde debe profundizar (Paul Naschy, la "Fantastic Factory") pero pasa por alto otras que igual a mí me interesan más.
Yo entiendo que este posiblemente sea un libro destinado a un público no especializado, y por eso el ceñirse únicamente a lo más trascendente, contando cosas obvias para el público especializado, pero me parece imperdonable los pasajes que dedica, con honores y bien largos, a gente como Carlos Saura, Gonzalo Suárez, Pedro Olea… que si bien algún toquecito insignificante de cine fantástico han dado a sus cintas, por lo que a mi respecto no han hecho nada por fantástico autóctono (de hecho, más bien lo han despreciado). Yo creo que no se les debería haber dedicado ni una línea, mas aún cuando se olvida a un personaje muy querido por el fandom como es Germán Monzó, al que se le nombra tan solo de pasada al citar que se estrenó "Kibris" y al que además, Ángel Sala llama “Gerard” Monzó… Pero Carlos Saura, está bien escrito.
Por otro lado, decir que todo el pasaje referente a nuestro cine más temprano (está estructurado, más o menos por épocas, corrientes y /o estilos), a Segundo de Chomón y las llamadas “fantasmagorías”, me parece de lo mas didáctico y disfrutable, al igual que toda la parte dedicada al fantástico en nuestra televisión.
Ameno y entretenido, aunque yo hubiera preferido que Sala le hubiera dedicado su libro al cine estrictamente fantástico, y no incluir películas como "El amor brujo" y esas mierdas que, A) Nos interesan poco, y B) NO SON CINE FANTÁSTICO.

THE BOOGENS

La verdad, no esperaba yo encontrarme con el logo de la "Paramount" cuando le di al "Play" de esta cosita. Menuda sorpresa. Estamos en 1981 y un aguerrido grupo de tele-currantes deciden aprovechar la oportunidad para parir un film (de los de verdad, de los que se estrenaban en salas) que les lance al estrellato. Lástima que sus ya deteriorados cerebros no pudieron dar más de sí y el resultado fue este "The Boogens", con un inevitable regusto telefílmico y que, obvio, no pasó a la historia, ni del cine fantástico, ni del cine en general.
Una mina, que ha estado tropecientos años cerrada a causa de unos extraños e inexplicables sucesos, es reabierta mediante explosivos. Naturalmente, ello dará pie a que unas horribles criaturas surjan de las profundidades y comiencen a papearse a todo aquel desaprensivo que pillen, incluídos los mineros y sus novietas que pasan el finde en una cabaña.
Produce nada menos que Charles E. Sellier Jr., es decir, el director de "Los aniquiladores" y "Noche de paz, noche de muerte" (films estos que, aunque no eran telefilms, hacían gala del mismo defecto que "The Boogens", ese acartonamiento y esa sosería implícita). El dire es un viejo colaborador de Sellier, James L. Conway. En tareas de guión encontramos a Jim Kouf (usando el alias de Bob Hunt), curiosamente también implicado en el libreto de "Los albóndigas en remojo". Y el reparto nos depara dos sorpresas, Fred McCarren (que también protagonizó "Class Reunion") y muy especialmente Anne-Marie Martin, quien unos años después sería la compañera de aventuras de "Sledge Hammer" en la mítica serie de culto.
¿Y la peli?, ay hijo, pues no sé. Se puede ver, ¿por qué no?, pero no esperes maravillas. El gore es limitadísimo, así como las tetillas. Para compensar -supongo- Sellier procura que los diálogos vayan trufados de tacos y referencias sexuales. Los bichejos no salen hasta el final, y bueno, aprueban por los pelos. En general, y como decía, se nota el origen televisivo de sus perpetradores pues todo carece de vida, de garra, es demasiado plano, limpio, ordenado... en realidad lo mejor de la peli es el perro protagonista, de nombte "Tigre", un verdadero encanto que se luce haciendo algunas gracias y piruetas muy efectivas. Lástima que acabe siendo víctima de los "Boogens" (y eso que escapa en una primera intentona), pero bueno, no se preocupen, que no se ve nada. En ese aspecto los humanos lo pasan peor, y yo que me alegro.
Curiosa y poco más.

DARK JUSTICE

Hace no mucho, Naxo comentaba aquí que, antes de "Kick Ass", esa misma idea ya se le había ocurrido a J.R. Bookwalter. Es decir, un tipo normal que decide ser súper héroe con todas las crudas consecuencias. También Glen Kinkler pensó en 1999 que era un concepto interesante para una película, así que, entre unos y otros, la supuesta originalidad de "Kick Ass" se tambalea.

Un hombre de bien, por una serie de acontecimientos que no se nos cuentan, acaba recogiendo latas en la calle en compañía de un hijo de cinco años. Un día se cruza con otro vagabundo que no solo les roba el poco dinero que tienen de la venta de latas, si no que además rebana el cuello al padre, y despeña por un terraplén al crío. Treinta años más tarde, ese niño es un hombre que, como secuelas de la terrible hostia que se pega, sufre montones de tics, haciéndose insoportable uno de ellos consistente en levantar el brazo a la vez que dice “yup-yup”. Sigue siendo un costroso vagabundo que vende latas, pero, además, se permite el lujo de invertir los pocos dineros que consigue en comparar tebeos de un tal “Dark Justice”, un vigilante nocturno de aspecto muy “underground”. Viendo que la injusticia impera a sus anchas por las calles, nuestro sucio protagonista decide convertirse en "El caballero de la noche", justiciero nocturno que mata violentamente a los malhechores.
La película, sin ser nada del otro jueves, resulta simpática a pesar de lo antipático que es el protagonista, "Yup-Yup", interpretado por William Bumiller, actor especialista en series y telefilmes. Y digo que es antipático porque el tic que da título a la película (en los USA) es insoportable, tanto que casi quito la película… en serio. Lo que ocurre es que, con las mismas, en cuanto "Yup-Yup" pasa a ser un súper héroe, se le quitan todos los tics, vete tu a saber la razón porque ni tiene súper poderes ni nada…
No es muy estridente la película; acción justita y bastante pobretona, sangre escasa, ritmo justo, y el look del súper héroe (muy a lo "Caballero Luna") es bastante soso, pero se deja ver. Me llaman mucho la atención los villanos, por lo general ladrones de poca monta: todos absolutamente todos actúan de idéntica forma: Llegan con sus armas, roban a sus victimas y cuando tienen el dinero en sus manos, los matan igualmente… TODOS. Es normal que con tanta maldad el vagabundo este no tenga piedad ninguna cuando los pilla. Sin embargo, y con toda esta ensalada de muertes, la película es totalmente blanca, incluyendo un sutil romance entre "Yup-Yup" y una chavala tailandesa, en el que ni siquiera hay una escenita de sexo.
Eso si, la película se toma totalmente en serio, no hay ni un solo ápice de comedia, por ningún lado. Lo agradezco.

CONSTANTINE

La película basada en los comics de DC "Hellblazer" con Keanu Reeves interpretando al famoso detective de lo oculto en uno de sus míticos papeles, esos en los que su cara no cambia un ápice ocurra lo que ocurra delante suyo. Ya desde la pre-producción todo el fandom estaba en contra de esta elección para el papel de "John Constantine", que si era demasiado joven, que sino era ingles, ni rubio, que si las secuelas de "Matrix" habían hecho mella en el actor y ya no era un "atrae-taquillas".... Al final la película se hizo con Keanu de protagonista, y la verdad es que, aun siendo más de detectives parapsicológicos, entretiene y no está mal. Aunque, claro, yo nunca he leído "Hellblazer" y puede que realmente sea una ofensa... pero oye, bendita ignorancia.

"Constantine" se muere, tiene los pulmones llenos de tumores y sabe que, cuando fallezca, lo único que le espera es el infierno. En su juventud, y debido a sus poderes de ver ángeles y demonios, intentó suicidarse, quedando condenado al infierno para cuando palme. No le queda mucho tiempo y, aunque lleva años devolviendo demonios al averno, eso no lava su pecado mortal. Antes de que llegue el día final, "Constantine" se percata que los demonios están entrando en nuestro mundo con demasiada facilidad, algo que no debería de ser posible debido a ciertas reglas y normas que tienen dios y satanás. Todo está relacionado con el suicido de la hermana gemela de una detective de policía (aquí todo el mundo se quita la vida, oiga), así que "Constantine" y la detective se marcaran como meta esclarecer lo ocurrido e impedir lo que viene. Para ello viajaran hasta el mismo infierno si es necesario, y lo es.
La ambientación de la película está bastante bien, escenarios húmedos, oscuros y tenebrosos, con una buena fotografía, y los FX, tanto CGI como látex, molan un rato, así que por lo ojos la cosa entra bastante bien. Es la historia lo que flojea, debido a que es un "más de lo mismo" dentro del subgénero de "demonios y ángeles". Casi nada nos pillará por sorpresa, ni el bar clandestino donde seres supra-naturales pueden convivir sin excesivos problemas, los contactos religiosos de rigor que ayudan y ponen sobre la pista a los protagonistas, o los compañeros del propio "Constantine" que cumplen todos los tópicos. Destaco como gran acierto que satanás este interpretado por Peter Stormare, y es que este tío tiene cara de loco. No es una gran película, pero al menos entretiene lo que dura. Ver y olvidar, como la gran mayoría.

SANGRE Y TRADICIÓN

Nilo Inga, director de "El Tunche", se vuelve a servir del folclore nacional del Perú, de sus supercherías y tradiciones, para ofrecernos una película de terror. Esta vez los malos malosos son los “Pistachu” (leáse “Pistakú”). Estos individuos se dedicaban en tiempos de guerra a secuestrar y matar gente, a la que luego sacarían la grasa para venderla y usarlas con el fin de mejorar el rendimiento de las máquinas de guerra. Tócate los cojones.
Mientras un joven tontea con su novia campo a través, baja por la colina uno de estos “Pistachu” y se la lleva, dejándola a trozos en una bolsa. El prota, junto con unos jóvenes aguerridos del pueblo de Huachac, deciden ir en busca de los “Pistachu” y darles muerte con palos y piedras.
A diferencia de sus compañeros directores de provincia (Flaviano Quispe Chaina o Edwing J. Vilca Javar, por ejemplo), Nilo Inga tiene una mentalidad cinematográfica más estándar, e incluso nociones básicas, como ya demostró con "El Tunche", porque en cuanto a medios va tan escaso como sus compañeros. Así que el tema (el de hacer pelis) no se le da mal al colega, y por eso logra que sus productos sean entretenidos, y si me apuras (y si estos Peruanos conocieran el camino a seguir) hasta exportables.
Otra cosa que le diferencia es que tiene una visión mas comercial, por eso cuenta con la presencia de actores profesionales y, lo más importante, estos son hasta guapos. Los otros utilizan gentes de los pueblos en los que graban, dándole a sus respectivos asuntos un toque bien sórdido. Con todo, prefiero a aquellos antes que a Nilo Inga, es demasiado normal, demasiado correcto.
Recomiendo el visionado de "Sangre y Tradición", sea cual sea el motivo por el que veas una película Peruana. Además, esta lo tiene todo, sangre, romance, peleas, analfabetismo, fantasmas, tíos encapuchados, patadas voladoras….
Como curiosidad comentar que la crítica de sus país la tomó como un homenaje a los aguerridos “La panda de los Auquish” que plantaron cara a los “Pistacho” con dos cojones, y acusan al director de no saber como llevar a cabo una película tan noble, lo que le obliga a rellenarla con la estúpida historia de amor que hay de por medio, contaminándola. Es decir, que los elementos de género anulan a Nilo Inga como artista… que crítica más feroz… total, para esto.

LA REBELIÓN DE LOS MONSTRUOS

Producto “Full Moon”, de los pocos que se editaron en vídeo en nuestro país, y que contaba con una baza fuerte: su cartel bien molón. Curiosamente, las expectativas que los fans se crearon acerca de esta película, por dicho cartel y el retraso mental general, fueron mayores a lo que el producto es en sí, y si bien no es que a mí me vuelva loco, rompo una lanza a su favor. Tan mala, no es. En realidad tiene la extraña virtud de contener un material de relleno bastante más entretenido que el principal reclamo, siendo mejor el “bla,bla, bla” que la presencia de los pequeños monstruos. Aunque ahí también haya mucho “bla, bla, bla”…
Un “Mad Doctor" roba la versión manuscrita por la propia Mary Shelley de “Frankenstein”. Por lo visto, ha creado una máquina que convierte en materia viva a los referentes literarios. Así que planea otorgar vida a los monstruos clásicos de los libros y usarlos para gobernar el mundo. Para ello necesita también, previo secuestro, sacrificar a la bibliotecaria a la que mangó el valioso escrito. La tipa es menor de 35, rubia y virgen... en teoría. Pero logra escapar antes de que se complete el experimento, por lo que al alterarse la cosa, los monstruos aparecen en versión reducida. Estos harán todo lo posible por conseguir tener un tamaño normal. De por medias un detective, que trabaja en un video-club, rellena la trama.
Pues a mí me cae simpática, oiga.
El papito de todo esto (y de otras muchas cosas mas), Charles Band, también director del asunto, tan solo quiere hacer una peliculita risueña y jovial gastando dos duros y sin demasiadas estridencias, y lo que consigue es un delirio absoluto, con esos monstruos enanos comandados por el eterno Phil Fondacaro como Mini-Drácula, que no para de hacerle preguntas a su creador para darle un poco de coherencia a su existencia.
Quizás la cosa peca de excesiva, de “psicotrónica”, de rebuscada… pero está absolutamente huérfana de pretensiones, no busca convertirse en una pieza de culto, aunque lo parezca, y aunque carezca de elementos terroríficos significativos (no hay gota de sangre…), tenga un desenlace con el que te quedas igual y un humor menos gracioso de lo que Band se cree, humildemente opino que a originalidad poquitas películas le ganan.
A destacar el papel de detective cinéfilo de tercera que interpreta Justin Lauer. Nunca un protagonista cayó más antipático al espectador... y al resto de personajes. Eso sí, en uno de sus diálogos se marca un guiño al cine de "serie B" en general, y a Jess Franco en particular, que no se lo salta un gitano (aún con esas referencias que cita, alguna de ellas ficticia). Y no me puedo olvidar del papel de la jefa de la prota, interpretada por Kistin Norton ("A.P.E.X."), una lesbiana que se monta un numerito tórrido con un libro de Jane Eyre absolutamente genial, más que por el numerito en sí, porque no pega nada con el resto de una película tirando a infantil más que a otra cosa.
Y para todos esos mentecatos que la tachan de aburrida: La peli dura solo una hora y cinco minutos, en los que pasan montones de cosas. Si te aburres con "La rebelión de los monstruos" es porque en tu cuerpo no queda ni una gota de sangre.
Como curiosidad, decir también que se pasó en la T.V. de los USA, en 3-D del antiguo. De ahí saco el cartel.

HOUSE, UNA CASA ALUCINANTE

Fred Dekker, hoy día reconocido cineasta "cult", responsable de films tan imprescindibles como "El terror llama a su puerta" o "Una pandilla alucinante" (bueno, este segundo para mi no es tan imprescindible), fue el verdadero gen de "House, una casa alucinante". Suyo era el guión original, que Ethan Wiley retocó como le salio de las bolas, tanto que Dekker quedó relegado a propietario de la "story" y, aún a día de hoy, se queja de lo mucho que se cargaron su concepto inicial. El "House" de Fred Dekker iba a ser mucho más seria, introspectiva y sombría, dando un mayor peso al trauma que el protagonista tiene tras su experiencia en Vietnam. Tanto le jodió, que en una relativamente reciente entrevista hablaba de hacer una nueva versión mucho más fiel al primer guion, en formato Digital y blanco y negro. Ahí es nada.
Pero, dejando a Dekker a un lado, y a pesar de sus berrinches, no cabe duda de que estamos ante uno de esos clásicos menores del fantastique de los años 80. Lo que más sorprendió en su época a críticos y demás mala gente, fue que el equipo principal responsable lo formaran nada menos que Sean S. Cunningham (creador de la saga "Viernes 13", así como director de la primera y producer de "House...") y Steve Miner (director de las número 2 y 3 y del film comentado). Y digo que les sorprendio porque, si en aquellos tiempos las aventuras de Jason Voorhees eran destrozadas en la prensa cinematográfica por sus supuestos excesos de violencia y su supuesta carencia de imaginación, "House, una casa alucinante" se encontraba en el reverso opuesto, no era casi nada sangrienta, hacia gala de una notable imaginación (dentro de lo que cabe) y, para más inri, un final feliz (aún recuerdo una entrevista con Cunningham donde aseguraba que no eran tiempos fáciles y que el público pedía y necesitaba esa clase de desenlaces). El caso es que la cosa funcionó bastante bien en taquilla y el mercenario productor no pudo reprimirse el deseo de parir secuelas. La dos, con el guionista de la primera en funciones de director, era muy mala, mucho más light y juvenil (o infantil?). La tercera resultó ser un cristo, ya que no tenía la más mínima conexión con la peli madre y en USA se la conocía como "The Horror Show" relegando lo de "House 3" al mercado no-yankee y motivado por trifulcas legales. Era un refrito de Freddy Krueger y el "Shocker" de Wes Craven. Y la cuarta, ¿qué puedo decir de la cuarta?, abominable es la única cosa que se me ocurre.
En fin, la cuestión es que "House, una casa alucinante" nos narra las desventuras del novelista de terrores Roger Cobb (interpretado por el pizpireto William Katt, entonces muy popular gracias a "El gran héroe americano") quien, obsesionado con escribir sobre sus experiencias en Vietnam, se instala en el caserón de su difunta tía en el que, tiempo atrás, desapareció su hijo misteriosamente. A lo largo de la estancia los espíritus malignos se manifestarán (todos ellos diseñados con grotescas apariencias, destacando a Ben, que según decía su responsable era puro "estilo E.C. Comics") y Cobb tendrá la oportunidad de recuperar a su retoño. Todo ello plagado de mucho humor, todavía no demasiado estridente pero a un pelo de estarlo (y que fue lo que ayudó a su éxito) y, no se, una estética y un modo de entender el cine muy de su década. Vista hoy sí que ha envejecido un poco, y aunque no creo que se la pueda considerar una maravilla, sigo pensando que es un producto muy simpático.
A destacar la presencia en funciones actoriles de ese habitual de la serie B/Z que fue Richard Moll y el soundtrack de Harry Manfredini (sí, el inventor del "sh, sh, sh, ah, ah, ah" de la franquicia "Viernes 13").
Entrañable.

CEMENTERIO PAL´PITO

A los amigos que viajan a parajes exóticos y lejanos les gusta traernos audiovisuales autóctonos, que le vamos a hacer. En el caso que nos ocupa, es Fernandito quien, nada más verlo en las callejuelas de Chile, lo compró y lo metió en el equipaje con la idea de hacérnoslo llegar.
"Cementerio pal´pito" no es una película. Es uno de esos vídeos que también se estilan aquí en España, como aquellos de "El humor de tu vida" donde se hacía un recopilatorio de gags de los cómicos de marras y se vendía en VHS o también ahora en DVD. Quizás no eso concretamente, pero parecido.
“Dinamita Show” vendrían a ser, por lo que tengo entendido, el equivalente Chileno a “Martes y 13”, salvando mucho las distancias y con la consabida diferencia de idiomas; “Dinamita Show” hablan una jerga totalmente indescifrable para mi… aun así, les veo cierta gracia. A nivel éxito serían el equivalente a “Martes y 13”, ok, pero a nivel humor los veo más al estilo de “Los Hermanos Calatrava”, ya saben: uno de los individuos es el que demuestra cordura, y el otro el desquiciado que le da siempre un doble sentido a lo que dice el cuerdo. Una cosa ya muy trasnochada.
El vídeo es un espectáculo en directo, que van entremezclando con una serie de gags muy cortos y tontos, en los que hacen de enterradores y que suceden, en su mayoría, en un cementerio, de ahí el título… ahora, no me pregunten que quiere decir “Pal´ pito”, porque no tengo ni pajolera idea…
La cosa, con paciencia, se deja ver. Incluso hay gags tan estúpidos que provocan carcajadas (al menos a mi… pero es que yo tengo debilidad por estos productos) y hasta sentimos simpatía por los desgraciados que, a fin de cuentas, son esta pareja cómica.
Eso sí ¿se acuerdan del magnifico gag de “Mi marido me pega” de “Martes y 13”? bien, pues aquí sale exactamente igual, alargado en tres trozos, pero con el mismo desenlace. El video es de 1991 así pues, saquen sus conclusiones. No es la primera vez que veo los mismos gags en distintos cómicos españoles y sudamericanos, lo cual da mucho que pensar. En el caso que nos ocupa está claro que los plagiadores son estos Chilenos. Lo de “Mi marido me pega”, es una genialidad de Millán, muy de Millán, y que estos copiaron, vete tu a saber como. Tendrían antena parabólica o algo…
Con todo, una gran curiosidad.