PIRANHA ´95

A mediados de los 90, los video-cluberos adictos al alquilismo nos encontramos con que las estanterías de nuestros antros del placer favoritos se llenaban de inesperados remakes producidos por el legendario Roger Corman según títulos propios considerados ya clásicos por cualquier aficionado al fantástico con un mínimo de buen gusto. Su destino era, eminentemente, la televisión. Quién nos iba a decir entonces que Rogelio estaba siendo visionario  adelantándose a la fiebre remakeadora que nos asolaría unos cuantos años después. De todos los films re-paridos destacaban dos, al menos en mi agenda, "Piranha" y "Humanoids from the deep". Yo alquilé, vi y me aburrí con ambos, especialmente la nueva versión de "Humanoides..." que resultaba harto inferior a la original. Lo único que en 1995 me llamó de la nueva "Piraña" era su protagonista, el entrañable William Katt, y que los distribuidores españoles habían respetado el título original, lanzándola a nuestro mercado como "Piranha", lo que daba pie a previsible cachondeo.
A diferencia del remake perpetrado por Alexandre Aja hace unos pocos años (que de entrada, abrazé con entusiasmo, aunque la última vez que lo volví a ver me pareció bastante malo), este del que hablamos ahora sí ES un remake. De hecho, resulta casi idéntica a la de Joe Dante, salvo por algunos detallitos tontos más condicionados por la escasez de presupuesto que por otra cosa (como la ausencia de incursión militar en la historia). Y estando Corman metido de por medio, que nadie dude del reciclamiento de imágenes. Una gran parte de los planos de peces asesinos atacando en manada están directamente extraídos de la peli del 78. Es más, incluso hay algún sutil plano submarino del primer "Humanoides del absimo". Así me gusta Roger, ¡fiel a tu espíritu!.
Pues na, recordemos: Unos excursionistas son devorados en una piscina por unas pirañas mutantes. Una investigadora los busca con ayuda de un especie de ermitaño (Katt, interpretando de nuevo a un escritor con crisis de ideas, ya puestos se  podría haber llamado "Roger Cobb" y todos contentos). Se cuelan en unas viejas instalaciones militares y vacían la piscina, soltando a todos los peces asesinos que se encaminan río arriba. Primero para devorar a los críos de un campamento, y luego a los bañistas de un centro vacacional que se inaugura ese mismo día. La parejita hará lo imposible por detener a las criaturas.
Hay una escena que dice mucho no ya de la diferencia existente entre la versión original y esta, también de cómo andaba el género y el cine exploitation en los 90 en relación a épocas precedentes. En la de Joe Dante, los excursionistas que se meten en la piscina mortal son guapetes pero normales, con unos físicos agradables dentro de lo standard, destilando cierta inocencia post-jipi y que se desnudan con naturalidad. En la de 1995 resultan ser absurdamente atractivos, exageradamente caricaturescos y estereotipados, como salidos de una comedia "teen", la chica se desnuda a lo striptease y hace gala de unas tetorras inmensas de silicona y, antes de zambullirse, suelta un par de chistes referenciales para la audiencia más fricosa (menciona el "Attack of the crab monsters" del mismo Corman). En resumen, parecen retrasados mentales. 1978 contra 1995, definitivamente los fans del género nos adentrábamos en terrenos pantanosos y poco satisfactorios.
Como decía, este "Piranha" es esencialmente idéntico al primero, solo que un poco más acartonado y soso. Seco. Telefílmico, vamos. Sin embargo, puesto que lo realmente importante en una película, del tipo que sea, es su historia (que si es buena, o está bien contada, compensa cualquier otra clase de sufrimiento), y en el caso que nos ocupa es básicamente igual a la que ideó John Sayles en su momento, pues el resultado termina siendo soportable y no especialmente ofensivo. Muy "fast food", ver y olvidar. Te quedas igual.
Entre el reparto de actores y de técnicos encontramos curiosidades. Junto a Katt destacan algunos rostros más o menos reconocibles como los de Alexandra Paul (que acabaría ligada a la serie "Los vigilantes de la playa", aunque ya en "Christine" interpretaba a la chica deseada del insti), James Karen (el inolvidable "Frank" de "El regreso de los muertos vivientes") o Leland Orser (no muy famoso por su nombre, pero sí por su rostro, que se volvió reconocible a raíz de su papel en la estupenda "Seven", donde interpretaba al pobre desgraciao que le atan un cuchillo en la minga y le obligan a follarse a una furcia). Sin embargo, el fichaje más llamativo es el de Mila Kunis, la guapa-pero-extremadamente-irritante actriz hoy en pleno ascenso (recientemente la has visto en "Oz, un mundo de fantasía" y en la horripilante "Ted") y que por aquellos tiempos solo era una mocosa dando sus primeros pasos en esto del peliculismo (resulta bastante bizarro reconocer su característico y peculiar rostro de grandes ojos pegado a un cuerpo tan de cría... ¿será CGI?).
En el apartado técnico localizamos a John Carl Buechler encargándose de los bichejos acuáticos (¡lo que aclara por qué tienen un aspecto tan de goma!) y a Jim Wynorski como "domador de pirañas"... en realidad no dice domador, dice algo así como "jinete"... ¿¿es un puñetero chiste privado, tal vez??.
De Scott P. Levy, director, no podemos decir que haya hecho mucho por el séptimo arte. Algun producto más para Corman y el "spoof" auspiciado por la "National Lampoon", "Men in White". Luego se limitó a producir y desde el 2007 que anda desaparecido. Pues vale.

THE TOMB OF DRACULA

De primeras, si yo les digo que este “anime” es una adaptación de unos tebeos de “Marvel”, ustedes pueden pensar que se trata de una rareza este “Tomb of Dracula”, pero es que de siempre, a la Marvel le gustó juguetear con los derechos de sus personajes con respecto a los compradores de ojos rasgados.

Prueba de ello, es el extraño “Spider-man” nipón, que haciendo uso de los derechos, los Japoneses destruyeron en forma de tele-serie al más puro estilo Power Rangers. No le respetaron ni la identidad secreta.

Para esta vez, la tarea de adaptar el cómic de Marvel recayó en la factoría “Toei animation”, uno de los máximos exponentes de la animación nipona; suyos son personajes tan archi populares como “Mazinger-Z”, “Los caballeros del zodiaco” o “Sailor Moon”. Uno de esos tratos incomprensibles entre Yankees y Japos.

Sin embargo (y teniendo en cuenta que mientras “Tomb of Drácula” si que es propiedad de la Marvel, “Dracula” no lo es) esta adaptación bastante libre de los cómics creados por Marc Wolfman y Gene Colan es una pequeña obra maestra del cine de animación en general y del anime en particular.

La premisa no es complicada: El Conde Drácula, le levanta la novia humana a Satán haciéndose pasar por el. Se enamoran, y pronto tendrán un hijo, que Satan en venganza le arrebatará (y que más tarde resucitará en forma se súper héroe o algo así…). Cómo venganza también, le convertirá a Drácula en humano, por lo que esté andará por ahí buscando a las mozuelas que él antes convirtió, con el fin de que le peguen un bocaito, y así volver a recuperar sus poderes.

Por otro lado, los descendientes de Jonathan Harker, y de Vang Helsing, intentarán destruirle.

Obviamente, esta película, poco o nada tiene que ver con los cómics, en los que aparecían personajes como “Blade” o incluso “Spider- man”, y convertían a Drácula en un súper villano un tanto atípico. Eso no es óbice para que los Japoneses se saquen de la manga, también, un Drácula muy “Sui Géneris”. De hecho, no deja de llamarme la atención el mero hecho de que Drácula, una vez convertido en humano, lo primero que hace es comerse una hamburguesa… o la moraleja final, que nos aconseja que olvidemos todo lo que sabíamos de Drácula hasta ahora, porque aunque vampiro, en realidad se ha tratado de uno de los grandes hombres de la historia. Cosas de Chinos Japoneses.

En cuanto a la animación, pues la clásica y ochentera de la Toei, es decir, muñecos que apenas se mueven y mucho movimiento de cámara para que eso tenga ritmo. Una chapuza.

Pero la historia, el como está contada, lo sórdido del tono en general, el terror que puede llegar a causar en algunos momentos, y la propuesta en general ( y les recuerdo que no me va la animación) a mí me ha encantado.

Dirigen la cosa Akinori Nagaokay  Minoru Okazaki

En su momento se estrenó en nuestro video clubs con el título de “Drácula”. ¿No se acuerdan de haberla alquilado siendo infantes?

LA CHICA DE LA PISCINA

Basada en la novela de Santiago Moncada, a su vez, guionista de la película, “La chica de la  piscina” vehículo de lucimiento para el gran Arturo Fernández en su momento de mayor esplendor, triunfando en el teatro y triunfando en el cine, nace con el objetivo de ver si la fama del actor en España, podía ser igual de grande en latino américa. Para ello, la productora mexicana Televisa, se pone en contacto con Izaro films, para ver si con el capital de ambos se podía hacer un éxito en los dos países. Para ello se contrató a todo un fabricante de éxitos, Ramón Fernández, que dirigiría una película que en México pasaría a llamarse “Desnúdate Marcela”. Pues no cuajó, ni en un lugar ni en otro. Y es que, a parte de tratarse de una película extremadamente floja, Arturo Fernández venía de hacer la excepcional “Truhanes” y el listón estaba muy alto. Esta película escatima hasta en el agua de la piscina.

La trama es sencilla a la par que nada interesante. Un famoso actor de telenovelas (y productor musical), latin lover follador, comienza a tener sus primeros gatillazos, así que tras  muchos intentos por recuperar su virilidad,  tres amigas suyas, contratan a una muchacha muy  sexy que le hará recuperar la virilidad. Con lo que no contaban, es que, naturalmente, este caballero acabará enamorándose de la contratada.

Y no hay más, cómo lo cuento es como es. Y un final de sopetón, que es de agárrate y no te menees.

Lo curioso es comprobar in situ, como un director de comedia siempre eficaz como Tito Fernández, comienza a flojear a mediados de los ochenta, perdiendo la frescura en sus películas, máxime, cuando, me figuro, los Mexicanos no paran de imponer sus peticiones. De hecho la película tiene un segundo protagonista, que es el tema “Toda la vida” de un tal “Franco”, que no para de sonar durante toda la película como tema principal, ya que la película también serviría para lanzar en España la música del artista. De hecho, sonó. Yo me acuerdo perfectamente de la canción.

La película es tremendamente aburrida, tópica y carente de originalidad, no ofreciendo nada interesante, ni aportando gags minimamente graciosos.

Lo único que podíamos destacar, es el poder ver a Arturo Fernández cual Alfonso Zayas, desenvolviéndose como puede, y sin saber muy bien como, en un sub-género como es el cine de ficheras mexicano. Por lo demás, del todo olvidable.

Les dejo también el póster mexicano.

AL PEREIRA VS. THE ALLIGATOR LADIES

A estas alturas ya he leído mogollón de críticas de lo que es (por ahora) la última película de Jess Franco. La conclusión general, salvo por alguna excepción, es que es una de las películas más espantosas jamás rodadas. Es muy fácil decir eso de “Al Pereira vs. the Alligator Ladies”. Es muy fácil si tenemos como baremo por el que medirla el cine estándar. Visto así, efectivamente estamos ante una película espantosa, porque no hay argumento, hay planos secuencia de más de veinte minutos y personajes y situaciones que cambian y saltan en el espacio-tiempo como a ellos les da la gana. Estos críticos condenan su aburrimiento. Porque la película es aburrida, y mucho.
También los más “jessfranquianos” se rasgan las vestiduras ante la película, ciegos, porque se trata de la última del octogenario director, no calibrando en muchos momentos justamente, y elevando los desmanes del director a la categoría de arte, cuando probablemente haya algo de intención artística en según qué planos, pero también mucho de dejadez y pasotismo.
Pero todos se olvidan de una cosa: el “leit motiv” del director, lo de romper con lo establecido a la hora de hacer una película, romper con la lógica, saltarse las normas de lo cinematográficamente establecido. Porque sí, por hacer lo que a uno le salga de los huevos, no buscando esos ramalazos artísticos que muchos creen vislumbrar.
En palabras del propio Jess Franco, “el cine no tiene que ser un tocho de filosofía, no tiene ser Kierkegaard”. Así que también es absurdo buscarle lecturas sesudas a su obra.
A que lo voy es que la mayoría de los que han opinado sobre "Al Pereira vs. the alligator ladies" tienen un problema: no saben ver una película de Jess Franco.
Desde tiempos inmemoriales, Franco ha apostado por un tipo distinto de cine en el que él mismo no sabe ni cómo va a reaccionar ante un plano. Esto mismo puede que pase en el plano, que no se reaccione, por lo que se queda vacío. Es cine, porque cualquier cosa que sean imágenes en movimiento es susceptible de ser cine, incluso los vídeos caseros, pero el de Jess Franco, el de los últimos años, es otra cosa. No es cine; es Jess Franco.
A mí me la sudan bastante muchas de sus películas más míticas. Me la suda el hecho de que sean reconocidas porque se ve la sombra de la cámara o los famosos desencuadres y desenfoques. Me la suda “Gritos en la noche”, me la suda “La Reina del Tabarín”, detesto “Killer Barbys”, odio “El conde Drácula” y opino que “Las vampiras” es una mierda.
Su etapa de vídeo ya empieza a interesarme un poco más, y sus últimas películas son de las que soy fanático, porque son su cine más puro. Porque simplemente se trata de rodar y rodar, da igual el qué, si es con pasta guay, y si es con dos duros, guay también.
Son más cercanas al cine experimental que al cine de género, aunque introduzca elementos de género en todas ellas, pero no son películas experimentales ni películas artísticas. Son las maneras de rodar de Jess Franco. ¿Y en qué es experto Franco? En hacer lo que le sale de los cojones.
Dicho esto, para mayor comprensión de lo expuesto, es indispensable que vean “A ritmo de Jess”, documental sobre el rodaje de “Al Pereira vs. the Alligator Ladies”, confeccionado por nuestro compañero Naxo Fiol, donde comprobaremos que al abuelo, aun siendo experto en hacer lo que le sale de los huevos, las circunstancias tampoco se lo permiten en esta película, teniendo pues que improvisar y llevarla a buen puerto, que no es otro que terminarla. Y aun así tenemos la sensación, viéndola, de que sí, que dentro de esa locura y ese espantoso caos, el señor director ha hecho lo que le ha salido de los huevos.
De hecho, y hablando de sensaciones, la que me da a mí la película, es que se ha hecho sola. ¿No es maravilloso?
Entre contoneo de curvas y tocamientos lésbicos, nos cuentan la historia de las hijas de Fu-Manchu, lesbianas e incestuosas en sus intentos por seducir al detective Al Pereira, que harto ya de tanto folleteo, les reprocha su actitud con una sucesión de frases, y  matándolas, no una, sino dos veces, entre otras muchas cosas sin explicación ni lógica (ni puta falta que hace).
Y el resto de la película es un eterno dejarse llevar del director,  un dejarse llevar que puedes amar (como es mi caso) o puedes odiar, si es que tienes los cojones suficientes de verla hasta el final.
Antonio Mayans interpreta a Pereira, y está memorable, con todas esas frases conservadoras y chascarrillos misóginos: “Así son las veleidades de la vida: en dos segundos, dos balas matan a dos hijas de puta”, dice. Hay momentos incluso para la vergüenza ajena, pero en este “todo vale” que es “Al Pereira vs. the Alligator Ladies”, pienso que  hasta la vergüenza ajena es necesaria. En ninguna película, ni siquiera dentro de las más underground, habríamos tenido tanto valor. Pero a Jess Franco le da igual, aunque quizás se deba a la falta de conciencia de estar fabricando un momento de vergüenza ajena.
Por todo esto (y por todas esas cosas que cuentan por ahí, que si el precedente es “El Sexo está loco”, lo del espejo y la cuarta pared y demás zarandajas que se usan sólo como excusa para justificar la demencia de un señor de vuelta de todo y que rueda por puro amor al acto de rodar) y sobre todo, si no por la libertad total, sí por intentar rodar con ella, “Al Pereira vs. the Alligator Ladies” me parece la mejor película de Jess Franco en mucho, mucho tiempo. Pero hay que saber verla. No como una peli estándar, no como una peli experimental (que no lo es), ni tan siquiera como un fan del director. Hay que verla como lo que es: un ejercicio audiovisual personal, genuino, raro, desconcertante, hilarante, confuso, torpe, demencial y rodado con altas dosis de amor por lo que se hace, pero también con muchas dosis de “me importa un carajo esta mierda y quiero acabar ya”.
Maravillosa.
Muestran sus anatomías las voluntariosas Carmen Montes, Debbie Logan y  Paula Davies, como las lascivas Alligator Ladies.

INTERVIEW: GUILLERMO GRILLO

Hará ahora un par de años, que navegando por Internet descubrí una película pequeña, honesta y sencillita, rodada con poco dinero, pero con uno resultado totalmente edificante, que logró encandilarme, “Fantasma de Buenos Aires”, su director: Guillermo Grillo.

Ahora con motivo del estreno on line de su ultima película “La noche del Chihuhua” (financiada a través del “Crowdfunding”) , oportunamente decido entrevistarle, y de paso, dar a conocer a los lectores de AVT a un director diferente, una alternativa al encorsetado panorama del fantástico Argentino.

Esto es lo que Guillermo Grillo, siempre con una amabilidad extrema, nos contó.

Varios cortometrajes y dos largos en tu haber.  En España eres un completo desconocido ¿Cómo te presentarías ante los posibles espectadores españoles?

Supongo que la mejor presentación para un cineasta son sus películas, así que les diría que se den una vuelta por mi canal http://www.youtube.com/guillegrillo donde hay desde un corto que hice a los 17 años hasta el tráiler de mi nuevo largo. Ahí está casi todo.

Pero de todas maneras, para no dejar esta respuesta en una mera y descarada publicidad de mi propio sitio, si me tengo que presentar diría que soy un narrador que usa imágenes. Mis intención con el cine siempre ha sido contar historias a través de la emoción. También soy guionista de comics y de alguna manera el objetivo es el mismo. No logro entender cierto nuevo cine que se vanagloria de no ser narrativo, ciertamente me resulta incomprensible, porque tampoco estamos hablando de películas abstractas como los cortos de Norman McLaren, cuyo trabajo adoro, si no más bien de un cine de una narrativa pobre y de intenciones contradictorias. Eso no es lo mío.

En mi carrera he ganado nueve premios, y cinco de ellos fueron voto del público. Esa es la presentación que más me enorgullece.

Tu primer largometraje “Fantasma en Buenos Aires” la considero una película que aprovecha los pocos recursos de los que dispone, consiguiendo un resultado exquisito. ¿Como surge la oportunidad de dirigirla

Bueno, primero muchas gracias, siempre es grato que se pondere el arduo trabajo que es hacer una película.

Fantasma de Buenos Aires se produjo gracias a Manuel Antín, director de la Universidad del Cine de Buenos Aires. Yo soy egresado de esa universidad y mi película fue producida por ella, como hicieron con otras antes (“Moebius”, “Mala Época”, “Merkano el marciano”). Se trabaja con un pequeño subsidio del Instituto de Cine y la universidad aporta equipamientos y lo más particular es que todos los miembros del equipo técnico son estudiantes o egresados recientes. Es decir que es un gran debut cinematográfico, porque todos los “cabeza de equipo” como el director de fotografía o el sonidista, ocupan por primera vez ese rol en un largometraje. La idea es tener una experiencia de aprendizaje, y sin duda lo fue. Todos aprendimos muchísimo.

Considero que es una película única en su estilo, sin las exageraciones propias del cine fantástico (e independiente) Argentino. ¿Conoces los trabajos de productoras cómo “Farsa producciones” y otras por el estilo? ¿Qué opinión te merecen

Claro que conozco su trabajo y lo respeto mucho, sencillamente porque no buscan hacer un negocio sino hacer el cine que les gusta. Con el tiempo han mejorado mucho técnicamente, a la par que la tecnología ha ido abaratando los medios para lograr una buena calidad de imagen.

De todas formas, si tuviera que marcar una diferencia entre su búsqueda estética y la mía dentro del género fantástico, diría que intuyo que ellos buscan homenajear, parodiar o tal vez recrear el cine que vieron en la televisión en su niñez. De ahí, por ejemplo, que los personajes hablen con un acento castellano neutro existente únicamente en los doblajes de televisión.

En cambio yo busco otra cosa, no persigo lograr un espécimen de género puro, sino mestizo. Busco combinar experiencias personales con diversos elementos de nuestra cultura. En “Fantasma de Buenos Aires” esto es prácticamente transparente, los problemas y planteos existenciales del adolescente que fui se enroscan con la cultura del tango, la literatura de Borges, el estado actual de la ciudad de Buenos Aires y cierto género de comedia norteamericana, que no sé si tiene nombre pero que parte del cambio entre mente y cuerpo. Todo trenzado cuidadosamente, para que el espectador no se dé cuenta, sino que disfrute riéndose, sobresaltándose o incluso llorando, como sé que pasa muchas veces en el final de Fantasma.

En su argumento, veo que hay ciertas similitudes con el de la película “Dos veces yo” (“All of me”). ¿Hasta que punto te inspiró esa película? ¿O ha sido casualidad?

No fue una casualidad para nada, yo vi esa película en mi juventud (aquí se llamó “Hay una chica en mi cuerpo”) y me gustó mucho. Hay unos cuantos recursos tomados de allí, pero aplicados a otra historia. En el fondo “All of me” es una clásica comedia romántica y la mía es un cuento de amistad, de ayuda mutua.

Considerando que hoy por hoy, con el vídeo no es tan difícil llevar a cabo una producción, en argentina ¿Sería la distribución y el llegar al público lo más difícil?

De alguna manera es así. Si se busca que la película llegue a una gran cantidad de público cada vez aumenta más el costo de la campaña publicitaria con respecto al costo de hacer la película. Es más caro venderla que hacerla.

Para rodar tu ultima película “La noche del Chihuahua” has utilizado el método (muy de moda) “Crowdfunding” (para el que no lo sepa, se trata de producir una película a base de donaciones de los fans para poder financiarla) ¿verdaderamente, este método da resultado?

Mmmmm… qué pregunta! Se trata de algo nuevo que hay que ver cómo evoluciona. En mi caso funcionó por varias razones. Por un lado te mentiría si no reconociera que muchos de los aportantes son familiares o amigos, esto es un hecho lógico, porque la propagación de la campaña de recaudación se hace por las redes personales de cada uno, por sus contactos, amigos o seguidores. No tendría sentido pagar un comercial en la TV para una campaña de crowdfunding, de modo que es natural que el universo de aportantes sea gente conocida por el creador. Igual hubo muchos productores “genuinos” del proyecto, que no me conocían a mí sino a mi película, o que siguen al protagonista del nuevo proyecto, Benjamín Rojas.

Otro punto que yo creo que fue positivo fue plantear desde el principio una película de distribución gratuita en la red. Es decir, yo no pido plata regalada para hacer un producto que luego voy a vender. Pido plata regalada para regalar a su vez la película al público, y esta es la experiencia a la que pido que se sumen. Esto creo que le da una base ética más sólida al financiamiento colectivo, mi razonamiento fue: lo que viene de la red debe volver a la red.

¿Qué tal han ido las primeras proyecciones? ¿Ahora la estrenas en la red, verdad?

Sinceramente “La Noche del Chihuahua” ha tenido una repercusión mucho mayor a la que esperaba. Ganó cuatro premios en el Festival de Cine Inusual de Buenos Aires, Mejor Comedia en el Festival de Villa Carlos Paz, se exhibió a sala llena en el Festival Internacional de Mar del Plata y pronto participará en el “Friars Club Comedy Film Festival” en Nueva York.

La respuesta del público es impresionante. Pasada la mitad de la película no paran de reírse. ¡No se escuchan los diálogos de tanta risa!

Es una experiencia formidable ver salir a la gente de la sala con una sonrisa en la cara. En ese momento se siente que todo ha valido la pena. Es una sensación de empatía y de cariño impresionante, porque lo único que me dicen es “gracias”.

Finalmente el 8 de Mayo la subiré a mi canal de youtube y estará libre para todo el mundo, como fue la idea original, que se pospuso simplemente porque los festivales no la habrían aceptado si ya estuviera estrenada online.

Gracias a Internet, he podido descubrir tu cine. ¿Qué opinión te merece la red? ¿Y las descargas ilegales? Al fin de al cabo, yo te descubrí de esa manera, de otra forma no hubiera podido…

Esto es una ola gigantesca que se acerca inexorablemente. Habrá quien se entierre en la arena para intentar resistirla y habrá quien saque una tabla para tratar de surfearla. Yo me anoto entre los segundos.

Fantasma de Buenos Aires no fue un gran éxito de taquilla en las salas, cosa que ya estaba predestinada porque se lanzó con una mínima campaña publicitaria. Y en un sistema comercial diseñado por y para la industria norteamericana, el primer fin de semana de exhibición determina la entera carrera comercial de un film. Ese número de espectadores no sólo decide en cuántas salas se proyecta la semana siguiente, determina también cuántas copias en DVD se lanzarán al mercado (y cuanto menos copias se hagan más cara es cada una) y de alguna manera decidirá también si a los canales de TV les interesa comprarla. O sea que un mal número en la primera semana es casi imposible de remontar, y en realidad ese número no depende tanto de la película en sí como de la publicidad que se haga. O sea que a fin de cuentas la película casi no importa. Es un sistema salvaje e impío, incluso para las propias producciones norteamericanas.

Pero en internet es todo el revés. No hay urgencia, hay tiempo, la calidad importa. Los espectadores que disfrutaron de la película la comparten, la recomiendan y se comunican con el autor brindándole su apoyo, sus críticas o su agradecimiento. Es algo maravilloso. No puedo saber con precisión cuánta gente vio Fantasma de Buenos Aires en internet, pero fácilmente puedo calcular que fueron casi diez veces más que las que la vieron en el cine. Decenas de miles. Si bien esto no me produjo ningún rédito económico, no exagero al decir que salvó mi carrera de director, porque es muy difícil seguir adelante después de una decepción como fue el estreno de Fantasma de Buenos Aires.

Por eso, cuando encaré esta nueva película lo hice directamente para internet, y el crowdfunding me permitió hacerlo sin pagar yo mismo por ello, aportando solamente mi trabajo, cosa que hice con gusto, apoyado incondicionalmente por mi mujer y mis hijos.

Hay un paisano tuyo, Adrián García Bogliano, que, sin dejar de hacer un cine pequeño e independiente, está triunfando en todo el mundo con sus películas de terror ¿Conoces su trabajo? ¿Qué opinión te merece?

Pues me gusta su trabajo, creo que considerando la diferencia estética que comenté entre la gente de Farsa y yo, él estaría en el medio. Busca hacer películas de género puro pero ubicadas en su ambiente real. No sé si puedo agregar mucho más, aunque no nos conocemos en persona, sinceramente me alegro de que le vaya bien.

¿Hay un próximo proyecto a la vista?

Hay varios proyectos anteriores a “La Noche del Chihuahua”, pero tengo ganas de escribir algo nuevo, tal vez alejándome de lo fantástico y buscando una comedia más simple. Es básicamente un intento por adaptarme a la realidad de la producción del cine argentino, sinceramente los productores no entienden mis proyectos cuando leen los guiones, porque no se los pueden imaginar (me lo han dicho con esas mismas palabras) y tampoco puedo seguir filmando con amigos en mi casa. Así que estoy tratando de cambiar un poco sin renunciar a mi personalidad, veremos qué pasa.

Dime tus cinco películas favoritas y otras cinco que aborrezca

Tengo que aclararte que no soy un tipo de armar listas, ni top 5, ni top 10, no acostumbro, de hecho no me gusta hacerlo. Pero a ver…

Favoritas

“Groundhog day “(“Atrapado en el tiempo” en España y “Hechizo del tiempo” en Argentina)

“Star Wars ep 5, El Imperio contraataca”

“Toy Story”

“Juan Moreira”

“Unforgiven” (“Los Imperdonables” o “Sin Perdón”)

Las aborrecidas es un poco más complicado porque uno tiende a olvidarlas, pero veamos… supongo que lo chistoso es que sean películas grandes y caras, tampoco tendría gracia agarrarse contra alguien sin muchos recursos. Así que vamos a por los peces gordos.

“Star Wars ep 1, La Amenaza Fantasma”

“Matrix Reloaded”

“Batman Forever”

“The Men Who stared at Goats” (“los hombres que miraban fijamente a las cabras)”

Y una nuevita: “El poderoso Oz” (“Oz, un mundo de fantasía” en España).

Cinco directores que admires y otros cinco que deteste

Podría decir que admiro a

Woody Allen

Alfred Hitchcock

Orson Welles

Ken Loach

Mario Soficci

Eso no fue tan difícil, siempre queda bien poner un argentino. Por supuesto no voy a poner directores argentinos entre los detestados…porque sería una lista demasiado larga.

Así que usaré el mismo criterio de atacar tipos con plata mal usada. A ver…

Woody Allen (¿Qué? ¿Acaso no lo puedo amar y odiar?)

Steven Soderbergh

Alan Smithee (este no existe realmente)

Michael Bay

Joel Schumacher

Algo así podría ser la lista… pero tampoco es definitiva, cualquiera puede entrar o salir en cualquier momento, así que ¡Cuidado!

 ¿Algo que añadir? ¿Quieres decirles algo a los lectores de AQUÍ VALE TODO?

Simplemente repetirles la invitación a ver mis trabajos en youtube, es gratis es divertido y a veces es emocionante. Pasen por ahí y si les gusta lo que ven déjense un comentario, que yo los contesto todos todos. También pueden ver mi blog, www.guillegrillo.blogspot.com donde conté a modo de diario todo el proceso de esta peculiar producción que fue “La Noche del Chihuahua”. Muchas gracias y un abrazo grande para todos.

THE MANGLER

Que tiempos aquellos en los que las respectivas carreras de Tobe Hooper y Stephen King estaban en pleno apogeo y a algún tio listo se le ocurrió que ya era hora de que uniesen fuerzas. Hooper aún arrastraba su "Matanza de Texas" (de la que únicamente habían pasado cinco años) y King iba a ser adaptado por segunda vez tras la estupenda "Carrie". Les hablo de 1979 y de "Salem´s Lot" o "El misterio de Salem´s Lot" o el infame "Phantasma 2" que, tratándose de un producto destinado a la caja tonta, y sin ser ni mucho menos la repolla, sí cumplía unos mínimos (incluso para alguien tan poco amigo de los vampiros como yo). A mediados de los temibles 90, con el terror sufriendo una de sus peores épocas, a otro tío -no tan- listo se le ocurrió que sería buena idea reunir de nuevo a Hooper y King en los roles de adaptador/adaptado tras tantos años desde aquel lejano "momento de gloria" (vale, en "Sonámbulos" habían vuelto a coincidir, pero sin lengua). Claro que entonces las carreras de ambos estaban ya bastante tocadas. El cineasta había rodado la infame "Combustión espontánea" y unos cuantos productos televisivos de menor calado, y el escritor pues puede que no pasara un momento TAN bajo, pero las adaptaciones que más triunfaban en aquellos tiempos eran las ajenas al terror, como "Eclipse total" o la estupenda "Cadena perpetua". El género de nuesos amores había quedado relegado a productos de segunda, simpáticos como "The Langoliers", sí, pero bien distantes del brillo de la mejor etapa de King-en-la-pantalla. Por todo eso, poco podíamos esperar de este "The Mangler" (que rula por ahí como "Alianza macabra", título -creo que- argentino).
En una lavandería de esas industriales, una enorme planchadora cobra vida tras probar la sangre y comienza a papearse a todo el que se aproxima demasiado. La cosa ya viene de lejos, de un pacto de origen diabólico tras el que se esconde el dueño del lugar, un anciano de lo más repulsivo. El inevitable poli protagonista, en inevitable crisis personal, será el encargado de descubrir el lío con la ayuda de un cuñado conocedor de toda clase de ciencias ocultas.
Vale, siempre he dicho que jugar con la idea de un objeto muerto que cobra vida para asesinar, no solo es terreno trillado, también muy delicado, porque resulta harto sencillo caer en el más absoluto y profundo de los ridículos. Da igual que Stephen King sea un especialista en el tema, sigue siendo un concepto que da pié a mucha caca y penuria (el relato del que parte la peli pertenece a su antología "El umbral de la noche", de donde también surgió "Maximum Overdrive", el debut en la dirección del escritor con una panda de camiones asesinos y un hostión en taquilla). Consciente de ello, Tobe Hooper opta por enfocar su película desde el humor, pero uno que surge de cierto tono irreal, semi-grotesco e incluso un pelín surrealista. El cineasta carga las tintas estéticamente, un poco en la línea de dos expertos en el barroquismo -y el agobio- como Tim Burton o Terry Gilliam (pero al estilo Hooper, quien no era nuevo en esas lides, basta repasar sus trabajos para la "Cannon"). Robert Englund, protagonista de la función, tomó buena nota de ello e interpreta al malvado dueño de la lavandería echando mano de unos cuantos histrionismos. Ted Levine (el famoso "Buffalo Bill" de "El silencio de los corderos") da vida al alucinado policía y, también, se suma al carro de la demencia, sobreactuando y encargándose de soltar los previsibles diálogos con fin apaciguador: "¿Una planchadora poseída por un demonio?, sí claro!". Y, justamente, ésta misma, la máquina que da nombre al film (a la que se bautiza como "la trituradora", que es lo que significa "The mangler"), es la que gasta el mayor de todo los excesos estilísticos, a base de unas formas pantagruélicas y un tamaño mas bien descomunal. Claro, todo esto está muy bien, quiero decir, es un buen intento por parte de Tobe Hooper de sacar algo potable de una serie de ideas tan estúpidas y absurdas... pero no lo consigue. Por un lado carga mucho (aunque a mi ya me suelen agobiar esta clase de excesos, así que no soy objetivo) y por otro, no logra que "The mangler" nos deje de parecer una chorrada. La parte final, con la máquina totalmente liberada, arrastrándose cual gusano y echando fuego cual dragón, es ya el cachondeo total y absoluto y, directamente, epitafio para la peli.
Sin embargo, tal vez estoy siendo injusto y la culpa no es totalmente del director de "La masacre de Toolbox", ya que, según fuentes (es decir, según Imdb), este solo rodó una parte de la peli, largándose del plató cuando aún no había terminado y otorgando las riendas al productor. Claro que yo no noto diferencia alguna.......
En la parte buena cabe destacar el elemento gore, bastante generoso, bastante gráfico y bastante bien facturado. Sí, queridos, podréis gozar todos viendo cómo la planchadora atrapa, aplasta, revienta y retuerce los cuerpos de sus agónicas víctimas, sin disimulos. De hecho, cuando el cadáver de la primera es descubierto por la policía, de entrada te lo muestran en rápidos flashes, tal y como Hooper hiciera al principio de "La matanza de Texas" con el mítico cadáver putrefacto, pero luego, planteándote tirar ya de pause para verlo bien, te lo enseñan perfectamente en un plano abierto e iluminado. Gracias a dios!.
Junto a Hooper, King, Englund y Levine, encontramos al legendario Harry Alan Towers en producciones ejecutivas, lo que explica la presencia de Sudáfrica como país co-productor.
El caso es que "The Mangler" debió funcionar bien de alguna manera, ya que en el 2002 hubo un "The Mangler 2" y en el 2005 un "The Mangler Reborn". ¡Que me lopliquen!.
Claro que no hacía falta soltar semejante parrafada para hablar de las poco honrosas mediocridades de la peli (sí, lo sé, demasiado tarde... lo siento), bastaba con decir aquello de "Es una producción del 1995" y todo quedaba claro desde buen principio. Como dicen en no recuerdo qué película: "Sí amigo, aquel no fue un buen año..." yo diría más, aquella no fue una buena década.

DIVIERTASE CON NOSOTROS

Cuando nos referimos al Vídeo club, al final este tipo deproductos, son más genuinos, incluso, que las películas. Que si el festival de chistes, que si el vídeo para lucimiento de algún cómico de la época que si la revista que ya a mediados de los ochenta empezaba a “ranciear”. Después vendrían las primeras películas filmadas en vídeo, pero eso sería otra historia. Pero si, estos si eran productos exclusivos del video club, que gozaban de tanta popularidad como el estreno de marras.

Y es que este “Diviértase con nosotros”, fue todo un éxito en lo que por aquél entonces se llamaba “Teatros portátiles” donde se hacían estas pequeñas revistas que no precisaban de grandes escenarios, triunfando sobretodo en el teatro chino de Manolita Chen, y no es para menos por el elenco con el que contaba la obrita… Nada menos que Arévalo, Los Hermanos Calatrava, Manolo Cal, Florinda  Chico y un grupo de vedettes, intercalando numeritos musicales entre los sketchs que interpretaban los famosos cómicos. La gracia estaba, en que no solo podíamos verles haciendo sus shows individuales,  si no que podíamos verles mezclados entre ellos, cosa poco habitual por aquél entonces. Así, pues la cosa  fue un notable éxito, motivo este por el que esta revista vio la luz en su versión videográfica, que también se alquiló como rosquillas.

En “Diviertase con nosotros” destacaría los números clásicos de los hermanos Calatrava ( a los que tras años y años de observación y estudo AL FIN les veo la gracia y ni me despeino al asegurar que son súper graciosos) y el momento en el que una de las Vedettes sube al escenario a un pedazo de subnormal que se pone cachondo, y que a la hora de bailar, vemos un serio problema de sincronía en él.

A mí la revista, que ya está totalmente extinta y ver una a estas alturas ya resulta poco menos que anticuado, es un género teatral que me gusta, así como me gusta el humor de Arévalo y el de los Calatrava (El de Manolo Cal, sigo todavía sin entenderlo) así que he disfrutado mucho con el visionado de esta cinta, que reseño aquí, mas como testamento y constancia de su existencia que por otra casa, pero que si, que está entretenida.

Para incondicionales de la revista de variedades, y completistas del entrañable sello “Olimpyc vídeo”, que en los ochenta se atrevió a editar cosas que no se atrevía a editar nadie, y salir airosos del intento.

TODAVÍA HAY QUIEN SE AGENCIA "MALAS PERO DIVERTIDAS"

Todavía de vez en cuando, recibimos alguna que otra foto de algún lector satisfecho de "Malas pero divertidas" ("Raima ediciones") que se ha hecho con un ejemplar.
En esta ocasion, desde Vigo, Diego Feijoó.

SHIGURUI

Este es un manga y anime basado en un capítulo de la novela Suruga-jō Gozen Jiai de Norio Nanjō. En dicho libro se habla de los samuráis tras la reunificación del país, y trata de los estamentos sociales que hasta entonces regían en Japón. Los samuráis fueron denostados, y con leyes como la del desarme (en la que se prohibía llevar espadas por la calle) se les humillaba públicamente. Poco a poco fueron desapareciendo, quedando como un reducto de generaciones pasadas. Esta es la historia de dos samuráis que no nacieron en esa escala social, sino que eran hijos de mercaderes (o prostitutas) y aunque su tiempo era el ocaso de los Samuráis, supieron ver el poder y orgullo que les otorgaba llegar a ese status.

Todo el manga (y el anime) es un gran flashback, ya que empieza de la siguiente manera.  El hermano del Shogun es un sádico loco. Nadie en su castillo sabe cuánto vivirá, ni si su señor pedirá su muerte por haberle mirado mal o simplemente porque quiere ver sangre. Este señor feudal decide organizar un torneo con espadas reales. De esta forma los participantes lucharan a muerte. Muchos de sus consejeros no lo ven bien, e incluso uno de ellos se hace el seppuku (sacarse las entrañas y mostrarlas) para calmar la sed de sangre de su señor, pero aun así no lo consigue y el torneo ha de celebrarse porque es su deseo. Cuando todo está listo, el primer combate tiene lugar. Los consejeros y demás espectadores, se sorprender al ver a los contrincantes de este primer combate, un manco y un ciego que además esta lisiado de una pierna. Los presentes piensan que esto es una chufla, una tomadura de pelo, pero en cuanto les ven tomar posiciones, todos callan y esperan, saben que van a ver algo que nunca han visto hasta ahora. Entonces empieza el flashback, y nos muestra la historia de estos dos personajes y de cómo llegaron a la posición en la que se encuentran. Ellos son Irako Seigen y Fujiki Gennosuke. Fujiki es un estudiante del Dojo de Iwamoto Kogan. Su maestro, Kogan, es un reputado samurái de seis dedos que invento una técnica secreta invencible. En el momento de la historia Kogan ya está muy mayor, y su mente no se encuentra en óptimas condiciones, es más, es un completo peligro para sus alumnos y vecinos, ya que tiene repentinos ataques de violencia. Lo único que Kogan desea es un sucesor, ya que el tuvo una hija, y desea casarla con el mejor de sus estudiantes al que enseñara su técnica secreta además de entregarle a su hija. Fujiki vive enamorado de Mie, la hija de Kogan, pero su entrenamiento es muy importante por lo que solo se preocupara de ello. Un día mientras entrenan, aparece un forastero con aires de grandeza que solicita luchar contra el sensei Kogan. Los estudiantes allí reunidos le dicen que tendrá que luchar contra dos de ellos antes de pedir una simple audiencia con su señor. El desconocido es Irako Seigen, hijo de una prostituta (aunque hace correr el rumor que era hijo de un comerciante de telas teñidas) que ha ido recopilando técnicas mortales de quien ha podido aprender, ahora quiere la de Kogan, ya que dicen es invencible. El primero en luchar contra Irako es Fujiki, pero en el primer lance es derrotado por Irako, quien para ganarle le rompe dos dedos. Esta derrota la llevara siempre en su memoria Fujiki. Luego Irako ha de luchar contra el segundo del Dojo, pero hay cae derrotado. Al ver Irako la fuerza del arte del Dojo de Kogan, solicita formalmente ser alumno. Una vez aceptado, Irako aprenderá todo lo que necesita de Kogan en un año, y cuando va a ser instruido en la técnica secreta, además de haber sido prometido con Mei, se descubre una traición de Irako para con su señor, y es cuando empieza el castigo, y la mutilación.

El manga (el anime no tanto, pero también) es muy sangriento, y con mucha casquería de por medio. Tripas, cerebros, y trozos de piel y carne, saltaran por los aires a la vez que las espadas dibujan arcos contra el cielo, todo muy cochino, pero probablemente bastante real. Además algunas viñetas tienen una especie de Rayos X, en los que vemos los órganos internos de los protagonistas, así como sus músculos, venas y arterias, sin tener que llegar a ellas, simplemente para que veamos que músculos mueven al hacer ciertos movimientos, o los puntos débiles del rival. Está plagado de referencias históricas, y de buena parte del folclore japonés, por lo que no solo vamos a ver acción y sangre, sino que aprendemos unos cuantos datos que no están nada mal, sobre todo lo que habla de las escalas sociales y como vivieron sus últimos años los samuráis.

En el manga hay un par de números de relleno que no aportan mucho a la historia, el anime aun ando viéndolo pero tiene pinta de que va ir directo al grano, el manga lo componen 15 tomos (alrededor de 200 cada uno, ahora mismo no lo recuerdo exactamente) y los 12 episodios de anime solo duran 20 minutos cada uno, así que lo más seguro es que vaya a la historia de Fujiki e Irako, y se olviden de lo superfluo que no aportaba nada. Aun así, el ritmo del anime es bastante reposado.

El manga es muy bueno y 100% recomendable si quieres saber más de los samuráis o si simplemente te gustan las historias de venganzas. El anime también está muy bien, solo que al no terminar de verlo, solo diré eso, que pinta bien. Muy recomendable.

ACTUALIZADO:
El anime esta inconcluso. No llega a cubrir toda la historia del manga y ni siquiera la del propio anime, ya que esta empieza igual que el manga, es decir con el combate en honor al hermano del Shogun con uno de los protagonistas ciego y tullido, y el otro manco, y en la versión animada no se llega a ver como se pierde ese brazo. Por lo visto la serie no salía rentable al ser dirigida a un público muy reducido y lo dejaron en el aire. Siempre queda el manga con el que conocer la historia entera, pero es un poco faena que no la acabaran.

RETRIBUTION

Otra de aquellas películas que encajan de lleno en la infame categoría de "Cintas que no alquilé ni tan siquiera siendo chaval porque mi sexto sentido me decía que eran una mierda. Muchos años después por fin las consumo y lo confirmo". Vamos, nunca me atrajo "Retribution"... no hasta que hace poco leí en un blog yankee que había una versión censurada. Y donde hay censura, hay algo interesante que ver. Sangre. Así que le encargué a mi hermano que diera con ella, dio y me la vi. Bluf!.
El prota de nuestra historia es un pintor atormentado con un careto muy peculiar. Parece un cruce  entre una anciana, un Vulcano y Christopher Lloyd. Mirarle mucho rato pone nervioso. El caso es que un día intenta quitarse la vida tirándose desde un edificio, pero no la palma, aunque durante la agonía algo raro le pasa. Algo tan raro como que, ya recuperado, se le ponen los ojos verdes y se va cargando a personas que no conoce... pero ellos sí le conocen, o al menos identifican su discurso pre-asesinato. Hay una explicación sobrenatural, claro, pero no la desvelaré, no sea que tengan la insensata intención de verla.
Uno de los muchos problemas de "Retribution" es que en seguida la calas, sabes que todo se va a reducir a crimen tras crimen, en línea recta, y te comienzas a aburrir a los 15 minutos. Y no paras de hacerlo hasta el final. Solo a ratos ocurre algo en la pantalla que llama tu atención, y es ese material censurado que decía, muertes bastantes "gores", destacando la del mecánico, probablemente la más espectacular y salvaje de todas. Pero los veteranos ya saben que eso no compensa el sufrimiento, porque el resto.... tela. Lo más llamativo son los intentos de comedia voluntaria por parte del director, realmente patéticos e inadecuados. Luego, su sentido de la estética, que es así como de un horterismo que espanta. También denota cierta incapacidad para rodar las cosas con normalidad... el ambiente "lumpen" en el que se mueve el prota (enamorado de una puta ataviada en plan "Madonna" pero a lo burro y que, por feo que sea él, le corresponde absurdamente) parece casi de caricatura, exageradamente tebeístico. Y así vamos tirando, pacientemente, entre histrionismos y chunguismos (las escenas de amor son de órdago) hasta un desenlace que, no por resultón, logra el milagro de que nos quede un regusto positivo.
Entre el personal sobresalen nombres propios como los de Kevin Yagher en los efectos de maquillaje (estuvo en algún "Viernes 13", algún "Pesadilla en Elm Street" y lo intentó como director con "Hellraiser 4", de la que terminó renegando), Alan Howarth a la partitura (tiene un curriculum sin desperdicio en el que destacan sus colaboraciones con John Carpenter) y Hoyt Axton, el padre inventor de "Billy Peltzer" en "Gremlins", interpretando a un poli. 
Al prota de cara rara, Dennis Lipscomb, lo había visto en un montón de pelis, como "Juegos de guerra" o "El día después", pero no lo situaba. Y el director, Guy Magar, ha hecho cosas como la tercera de "El Padrastro" y la séptima de "Los chicos del maíz". ¡Guau!.
Perfectamente olvideibol!.

INTERVIEW: TIM KINCAID

Tim Kincaid es uno de mis cineastas de serie Z favoritos. Por alguna inexplicable razón, las pelis que hizo para Charles Band y su subdivisón video-clubera chunga "Beyond Infinity Films", me hacen mogollón de gracia. Tienen muchísimo encanto. Os hablo de las inmortales "Holocausto Robot", "La muerte ataca en Nueva York" y "Cazador de mutantes". En el pack también cabría "Superhuman", pero esa siempre la he visto como algo aparte. Las tres primeras, juntas, forman una trilogía "muy coherente".
Por si no lo sabían, Kincaid venía del porno, concretamente del de tendencia homosexual, donde curraba bajo el alias de Joe Gage. Cuando se metió en el cine no-pajero su plan era usar las mismas técnicas de rodaje que cuando filmaba cacas petados, es decir, poca guita y pocos días. Claro, así le salieron. Tras unos cuantos títulos más, y unos años retirado, retomó su alias y se metió a hacer porno otra vez, solo que, hasta hoy, no ha parado de grabar y triunfar.
Por todo eso, me hacía mazo de ilusión entrevistarle. Sin embargo, sus respuestas, escuetas y algo frías, me han resultado una gran decepción ya que mis preguntas (más largas originalmente que las aquí expuestas) iban cargaditas de pasión y datos. A punto he estado de no publicarla, pero al final me he dicho aquello de "Qué carajo!"...
Pasen y lean (aunque sea poco)...

 Tim Kincaid, disfrazado de Joe Gage, en plena porno-faena....

¿Cual es el origen de su interés en el cine?, ¿hacía cortos en super 8 siendo adolescente?...

Amaba las películas desde la infancia. Comencé como actor pero nunca me puse tras una cámara hasta que hice mi primera película profesional.

En la película del 1971 "Quadroon", hay un Tim Kincaid en el reparto. ¿Es usted?.

Sí, soy yo.

Según algunas fuentes, nació como Tim Gambiani. ¿Por qué esos cambios de nombre?.

Esa información incorrecta ha estado en Imdb, y otros sitios, desde hace años. No tengo ni idea dónde comenzó.

Su primera película fue "The Female Response", del 73. Háblenos de ella.

Las películas de sexo "softcore" florecieron en los primeros años 70. Reuní a un grupo de inversores para poder meterme en el mundillo.

Y de ahí pasó a la pornografía. ¿Por qué el cambio?.

En aquella época, pensaba que era el futuro del cine "mainstream".

En 1986, deja el porno y rueda "La prisión" ("Bad Girls Dormitory"). ¿Por qué una peli "w.i.p" (women in pison)?

Siempre fui un fan del género, y quería probarlo.

De ahí pasamos a "Beyond Infinity Films". ¿Cómo comenzó todo ello, incluida su relación con Charles Band?.

Nos conocimos en una convención de cine americano en Los Angeles. Vió el trailer de "La prisión" e inmediatamente me ofreció un contrato para varias películas.

¿Cual era la infraestructura de esas películas?

Todas se rodaron en 35mm en cuatro o cinco días, con presupuestos sobre los 85,000 dólares cada una, si no recuerdo mal.

Da la sensación de que comenzaban con un poster espectacular y un título llamativo. ¿Es correcto?.

Es correcto!.

En aquellos tiempos, todas esas pelis eran automáticamente tildadas de basura. Ahora, con los años, parece que ha mejorado la opinión al respecto. ¿Qué opina de ese cambio de mentalidad y qué piensa usted de ellas?.

Las considero pecadillos de juventud. La audiencia puede disfrutar de ellas como pequeñas y baratas cápsulas temporales.

De todas, "Holocausto Robot" parece enfocada a un público más juvenil por su tono aventurero/fantasioso y su ausencia real de violencia y tetas....

En realidad es que no había presupuesto suficiente para expandir las áreas de acción y desnudos.

El gran Ed French era colaborador habitual suyo, no solo como maquillador, también como actor. ¿Qué tal?.

Trabajar con Ed era una maravilla y su trabajo era de primera clase. Su talento interpretativo no estaba tan mal, después de todo.

En "Superhuman" ("Maximum Thrust"/"The Occultist") aparece un tio con una polla-metralleta. Gran idea. ¿De dónde sale?.

De Ursula Andress y sus tetas-pistola en "La víctima número diez". Ahora Robert Rodriguez está llevando la antorcha con Sofia Vergara en la secuela de "Machete".

¿Solía relacionarse con los otros integrantes de "Beyond Infinity Films" como David DeCoteau o Gorman Bechard?.

Ellos trabajaban en California, yo lo hacía en Nueva York, así que nuestros caminos raramente se cruzaban.

¿Que tal su experiencia como productor en 1987 con "Enemy Territory" y "Necropolis"?

Desagradable en extremo.

Háblenos de la menos conocida de sus películas durante este periodo, "Riot on 42nd St.". En ella actuaba un imberbe Jeff Fahey, ¿que tal fue la movida?.

Los productores se quedaron sin dinero a mitad de producción. Lo que existía se montó como se pudo y se estrenó en un cine de la calle 42 por unos cuantos días y únicamente por razones fiscales. He oído que hay un DVD en marcha justo ahora, pero no lo he visto y ni ganas tengo.
Jeff Fahey hizo su primera película conmigo con el fin de aclimitarse a los tejemanejes de la industria del cine y así afrontar su siguiente película, "Silverado". Era excelente y un auténtico buen chico.

¿Es "Ella ha vuelto" ("She´s Back") una parodia de las pelis de venganzas y justicieros?

Sí, lo es.

En esa peli curró con Carrie Fisher en plena resaca drogadiza. ¿Qué tal la experiencia?. Por otro lado, Buddy Giovinazzo, director de "Combat Shock", era el guionista.

Nunca he hablado de lo que supuso trabajar con Carrie, y no lo haré ahora.
Buddy estaba lleno de ideas y siempre centrado en el trabajo. Ahora enseña cine y trabaja en Europa.

Y entonces volvió al porno, retomando su pseudónimo de Joe Gage. ¿Por qué ese regreso, se siente más cómodo así?.

Seguía al dinero. El nombre de Joe Gage se convirtió en una marca en sí misma, y disfruto del trabajo. Las personas no son menos incompletas que aquellas que negocian en otras ramas de la industria cinematográfica.

Imagino que las cosas habrían cambiado mucho en el mundillo, ¿no?, ¿qué tal la reentrada?.

Re-comencé justo cuando el salto al cine digital estaba en pleno apogeo y en seguida me di cuenta de que había encontrado el paraíso.


¿Ha pensado en regresar al cine no-porno, alguna idea?

Siempre ando buscando nuevos territorios que conquistar.

Y para terminar, tres curiosidades...
¿Es cierta su implicación en tareas de co-director en la peli "Simbad" de la "Cannon"?

Más información equivocada de Imdb. He contactado con ellos a lo largo de los años para que lo arreglen, pero nunca ha ocurrido nada.

Entre 1989 y 2001 se dedica a escribir novelas...

Escribí un par, "Today, tomorrow and always" y "Never let me go", dentro del género de "novelas para leer en el aeropuerto o en la playa". Fueron exitosas y divertidas de hacer, pero me llevaron mucho tiempo y mucho trabajo, así que volví a las cámaras.

En una ocasión me sorprendió leer que mencionaba a los Hermanos Kuchar (de los que somos muy fans) como influencia. ¿Cierto?.

He seguido a los Hermanos Kuchar desde el principio. No había nadie más valiente que esos dos y los admiro enormemente. Una de las grandes frases de "Thundercrack!" es: "Puedes hacer el bien, puedes hacer el mal, o puedes no hacer nada". ¿Qué hay más profundo que eso?.
(Nota: Esa frase no pertenece a "Thundercrack!", de la que George Kuchar es guionista pero no director, sino a uno de sus cortos más populares, "A reason to live").

EL ENIGMA DEL CUERVO

La trama propia del artista que con su obra inspira a un asesino a cometer crímenes, lo que lo obliga a ser parte de la investigación, poner en riesgo la vida de sus seres queridos y mantener una relación de odio/caballerosidad con el psicópata de rigor quien, finalmente, acaba muriendo en sus manos, está más vista que el tebeo. Se han hecho tropecientas pelis partiendo de esa base... pero valerse de un personaje real, y una obra real, es un recurso algo menos explotado. En el caso de "El enigma del cuervo" ese personaje no es otro que el maestro de la literatura de horror Edgar Allan Poe (que, en la vida real, también inspiró con su obra un montón de crímenes... solo que de orden cinematográfico), interpretado bastante bien (aunque algo dado al histrionismo) por el simpático John Cusack.
Curiosamente, no es la primera vez que se convierte al autor de "El pozo y el péndulo" en el prota/héroe de una ficción, hay unas cuantas muchas, aunque la que me vino a la cabeza viendo "El enigma del cuervo" fue la ultra-decepcionante "El espectro de Edgar Allan Poe", del año 1974 y luciendo una caratula vhs-era estupenda, que finalmente resultó ser un tochazo de mucho cuidado únicamente destacable por el extraño nombre del director, Mohy Quandour.
En su momento, Poe fue encontrado muerto en el banco de un parque y la peli usa esa excusa para tejer toda una trama que incluye, cómo no, el riguroso suicidio heróico y por amor (aaaro!) del escritor. Naturalmente, siendo un producto mil por mil Hollywoodiense, la imagen que se da de Edgar Allan Poe dista un poco de ser negativa o totalmente oscura. Sí, era un excéntrico egomaníaco, pero simpático. Sí, era un borracho, pero sin pasarse (cuando se sabe a ciencia cierta que al muchacho le gustaba más empinar el codo que a mi eyacular, que dicho vicio contribuyó a muchas de sus ideas más macabras y que, seguramente, también tendría que ver con su fatal desenlace). Obviamente, sin ser Cusack un guaperas, tampoco es tan feo como era Poe en la realidad. Y, ya puestos, pongámosle una novia que está requeterica y que, inevitablemente, será el verdadero motor de todo lo que ocurra. En un último apunte muy made in Hollywood, cabe resaltar que según "El enigma del cuervo", Poe se consideraba a sí mismo poeta y no era muy feliz escribiendo relatos de horror, cosa esta que hacía únicamente por dinero y para saciar la sed de sangre de una plebe ignorante. Encima, dicha tarea no le aportaba más que desgracias, tormento e infelicidad. ¿Qué nos está queriendo decir Hollywood con ello?.... ¿lo mismo que cada dos por tres nos demuestran George Romero, Wes Craven, Tobe Hooper o Sam Raimi? (sin querer decir que estos y el escritor compartan capacidades). En fin, todo muy mainstream, todo muy standard... y aquí incluyo la eficacia de la peli.
A pesar de la parrafada, "El enigma del cuervo" no está tan mal. Muy bien ambientada y con ese "savoir faire" tan plano pero efectivo de todo producto medio americano, funciona como entretenimiento nocturno, es llevadero, no ofende demasiado (a pesar de un final un poco asá) y se ve con la misma facilidad con la que se olvida. En manos de otro director, sería una tragedia, pero no parece que sus responsables quisieran pasar a la historia del cine con su apuesta y, en ese sentido, la movida les ha salido bordada.

DON CIPOTE DE LA MANGA

Extraña y ochentera película española que, con serios problemas para desarrollar un argumento tontísimo, nos cuenta la historia de un individuo atacado por un vampiro. En consecuencia, las noches de luna llena le entran irrefrenables ganas de folleteo. Durante el resto del tiempo, va con su socio a vender motivos religiosos por la manga del mar menor, mientras emprende su particular cruzada contra el sexo y el pecado, lo que dará lugar a supuestas situaciones cómicas.

La película es muy mala. Si aquellos percebes que se creen doctos en temas cinematográficos desprecian lo que viene a ser una comedia común de los años ochenta, deberían ver esto para que se revolvieran en sus propios vómitos, porque lo grande de “Don Cipote de la Manga” es un atentado a todo lo establecido en la realización de cine. Una rareza de las que hay pocas, dos o tres a lo sumo, como pasaba con “El Violador violado” de J.J. Porto.

Y es que, la película es soportable únicamente gracias a ese tono de comedia española que desprende, pero, indudablemente, estamos ante una serie z de la peor calaña, donde el poco sentido de la trama se pierde al no tener absoluta idea, su director, de cómo hilar unas escenas con otras.

Curiosamente, tras ver varios de sus carteles, la película nos vende el estar adscrita a la cosa esa del “destape” ¡Menuda engañifa! Se utiliza el sexo como elemento cómico en el guión (el sexo de siempre ha sido el más importante de los elementos cómicos), pero no vemos ni una mísera teta, lo que teniendo en cuenta el concepto de la película, y la época en la que se rodó, la convierte en una cosa más rara todavía.

Lo curioso, también, es que el guión fue co-escrito por Antonio Mayans, uno de los cuatro que firmó, junto con el de la película porno “Detectives del placer”, del que también es director, o la última de Jess Franco “Al Pereira vs. Alligator Ladies". Tiene así mismo un papelito secundario sin mayor relevancia.

Los actores de aquella época eran todos muy buenos, y unos currelas, por eso no es de extrañar que aceptasen hacer cualquier tipo de película. Así pues, el reparto no es nada desdeñable, teniendo como protagonistas al eterno secundario Carlos Lucas, Paco Cecilio, Gracita Morales, Rafael Hernández y Azucena Hernández.

En cuanto al que da la voz de acción, Gabriel Hernández, cuenta con una filmografía reducida a tres títulos dirigidos y dos producidos, uno de ellos es, precisamente, “El tío del saco y el inspector Lobatón”, ignota secuela de la ya de por sí ignota “El Violador violado” arriba mentada.

Solo par curiosos.

EL SEXO ESTÁ LOCO

“El sexo está loco” es uno de esos claros referentes que hacen que sea firme en mi decisión de decir que Jess Franco, mola. No son sus imposibles (y reconocidas) películas de terror las que le convierten en un autor, son estas en las que, de corte más desenfadado y con dos perras ( y con dos pesetas también), el tío Jess se pone a rodar sin saber muy bien el qué, ni el cómo.

Si me preguntan de qué va la película, yo tengo que responderles que ni puta idea. Ya que si al comienzo de la película, la cosa va de unos extraterrestres que se aparean y preñan en cuestión de segundos a una terráquea dentro  de su nave (que es el interior de una discoteca ¡Como en “El E.T.E. y el oto”!), pronto eso es el resultado de una especie de performance en la que una serie de actores trabajan para una audiencia que llevan caretas de monstruos.

Por si eso fuera poco, pronto aparece el propio Franco para darles instrucciones de lo que tienen que hacer, o filmarse el mismo delante del espejo de donde transcurre la acción, sin que los actores dejen de interpretar sus papeles. Pero es que eso no es todo… los actores saltan de un personaje a otro, de escena a escena, sin inmutarse, y sin que el espectador sepa muy bien si el personaje que está en pantalla es el tal Flannagan o el tal Gutiérrez, ambos interpretados por Tony Skios (o sea, Antonio Rebollo), en muchas de las escenas, con la misma ropa ¡una locura!

La peli en general, es una serie de tonterías filmadas, unas con más gracia, otras con menos, que sirven como material de relleno para lo que esta película “S” viene vendiendo, que no es otra cosa que las escenas de folleteo. Erotismo soft en este caso.

Sin ser el colmo del entretenimiento, si que sería una de las películas más visibles del señor Jess, y toda una oda al histrionismo por parte de los actores (Robert Foster, está enorme, en su salsa, desgañitándose si es preciso).

Junto a los mentados Skios y Foster (Antonio Mayans), tenémos a Lynn Endersson, y, como no, entradita en carnes, a Candy Coster, o lo que es lo mismo, Lina Romay, asumiendo con estoicismo, y alegremente, su protagonismo.

Un desbarajuste personalísimo, un caos técnico y artístico maravilloso y una comedia surrealista y pizpireta como pocas.

En definitiva, una película de “gente feliz”, dónde, efectivamente, el sexo está como una puta cabra.

Muy recomendable.